Cuando diga libertad, diga Mike Patton
Por Francisco Quevedo.
Poseedor de un estilo único, el artista ha incursionado en una amplia variedad de proyectos, desde el metal hasta canciones italianas de mediados del siglo pasado. Ante todo, Mike Patton vocalista de Mr. Bungle y Faith No More cree en la libertad sin miramientos.
“Y verás cómo quieren en Chile al amigo cuando es forastero”, cantaban los Huasos Quincheros en 1942. Bonito lema, bonito principio, mas no sabemos si se cumple con todos los extranjeros. Sin embargo, existe pocos casos en que sí se cumple: Mike Patton es uno de esos casos. El multifacético artista es un asiduo de estas latitudes, ha venido a tocar con casi todos sus proyectos y es un visitante recurrente. Basta con hacer una búsqueda rápida en Internet para encontrar varios episodios protagonizados por Patton que van más allá de su performance sobre el escenario. Por ejemplo: visitas a una peluquería, a playas, a barrios tradicionales, en la Teletón 2010 cuando le besó la mano a Don Francisco y le dijo “gracias a ti, Don Corleone” …y así se pueden enumerar algunos más.
Una de las razones que explicaría, a vuelo de pájaro, su arraigo en tierras nacionales podría tener que ver con su amplia y versátil trayectoria. Dueño de una variedad de recursos, Mike Patton ha despuntado con muchos de sus emprendimientos artísticos. Unos han acertado desde la masividad (Faith No More), otros desde lo delirante (Fantomas), otros desde lo curioso (Mondo Cane)…y eso que quedan en la lista Tomahawk, Mr. Bungle -su banda madre- Dead Cross o Pepping Tom, por citar los más rimbombantes. Con varios ha venido a Chile y su horda de seguidores ha dicho presente en cada ocasión. Junto a Iron Maiden y Megadeth (solo por nombrar un par) la lealtad local hacia Patton -en especial cuando ha venido junto a Faith No More- se sitúa entre las más fuertes uniones artista-Chile.
Es que Patton es una caja de sorpresas, un espectáculo en sí mismo, un Dark Horse. Cada lanzamiento, anuncio, canción nueva o noticia sobre su figura es seguida con atención puesto que cualquier cosa que haga puede ser cualquier cosa. Con Mike Patton no hay límites y la libertad es el actor principal de la obra.
Todos los caminos llevan a Patton
Michael Allan Patton nació el 27 de enero de 1968 en Eureka, California. Eureka es un pueblo bastante particular y del cual el músico no guarda los mejores recuerdos. “Era: ‘Campesinos sureños contra madereros: ¿de qué lado estás?’ Y yo estaba como: ‘¡No me importa! ¡Los odio a todos! En un sentido artístico, no había nada. Llegaba una banda, como Fishbone (los rockeros funk de Los Ángeles), que influyó mucho en Mr. Bungle, y luego veíamos algunas bandas de punk, y teníamos que tocar con ellas y fusionarnos”, reveló a The Guardian en 2022.
Quizás lo más relevante a la hora de los recuentos, es que en Eureka conoció a Trevor Dunn y Trey Spruance, amigos con los que fundaría Mr. Bungle a mediados de los 80s. Muchas personas creen que Faith No More fue el primer grupo de Patton, pero no, no, no…Mr. Bungle fue el comienzo de todo. El trío, al que se unió el baterista Jed Watts, creó el grupo en 1984. Durante el resto de la década lanzaron cuatro demos hasta el esperado debut oficial homónimo editado recién en 1991. Le seguirían “Disco Volante” (1995) y “California” de 1999, disco que estuvo en la polémica por un nuevo capítulo del cruce histórico entre Mike Patton y Anthony Kiedis, vocalista de Red Hot Chili Peppers (el que bien vale un texto aparte).
Mientras tanto, Patton, inquieto y experimental, fue llamado por Faith No More (FNM), banda que estaba en busca de un nuevo vocalista tras la partida de Chuck Mosley. Audicionó en 1988 y al año siguiente fue oficializado. El álbum “The Real Thing” fue despachado ese 1989, año crucial en la carrera de la banda. Durante la gira de promoción de este disco pisaron la Quinta Vergara en la edición del festival de Viña del Mar del año 1991, la que fue su primera visita al país y que, de seguro, es uno de los momentos más surrealistas, desenfrenados, libres y épicos de la historia del certamen. Luego vendrían otros tres discos (“Angel Dust” (1992), “King for a day…fool for a lifetime” (1995) y “Album of the Year” de 1997) hasta que FNM se separó en 1998. En 2009 se fraguó una gira -que pasó dos veces por Chile, incluyendo la citada Teletón 2010- para luego editar un nuevo disco titulado “Sol Invictus”, el que fue lanzado en 2015.
“Creo que surgió de una cuestión de amistad, una cuestión de compañerismo más que nada. Antes de la música. Creo que surgió de un punto de amistad y no de música (…) Me mantuve al día con nuestro bajista Bill (Gould), y salimos una noche, comimos y tomamos algunas bebidas, y él dijo: «Oye, ¿te gustaría escuchar algunas cosas en las que he estado trabajando?» Y no pensé que fuera Faith No More en absoluto. Realmente no lo hice. Sin embargo, lo estoy escuchando y pienso: «Dios mío. Está bien, veo a dónde vas aquí y…oh vaya». Me puso un poco en apuros, pero dije: «Oye, estoy abajo. Hagámoslo. Cueste lo que cueste. Tomará un tiempo porque todos estamos ocupados y no hay límite de tiempo aquí». Esa fue parte de la razón por la que quería hacerlo también, porque no había esa nube negra colgando sobre nuestras cabezas, lo que significaba una etiqueta que decía: «Oye, entrega esto para entonces». No teníamos plazos. Puedo decir que realmente fue algo abierto, hermoso y genuino: un esfuerzo genuino y creativo. Así empezó todo esto”, relató Patton sobre la reunión de FNM al sitio NPR (2015).
En el periodo fuera de FNM, Patton hizo de todo. Giró con muchos proyectos suyos, grabó y lanzó discos, colaboró con un sinfín de músicos y artistas, se casó, se separó, volvió, las vivió todas. Sin ir muy atrás en el tiempo, el año 2022, Patton visitó Chile con Mr. Bungle y se presentó en el festival Knotfest. Fue el primer concierto del grupo en el país y uno de los primeros de Patton tras dejar atrás “algunos problemas de salud mental” que lo afectaron post pandemia y en los cuales ahondaremos un poco en algunos párrafos más adelante.
Otro de sus trabajos emblemáticos es su sociedad con el saxofonista John Zorn. Patton ha sido parte de seis álbumes de estudio de Zorn y juntos crearon Hemophiliac, instancia en la que continuaron la experimentación. Patton también ha desarrollado su veta metalera con éxito: además de Mr. Bungle (el demo “The Raging Wrath of the Easter Bunny” de 1986; regrabado y relanzado en 2020 es una piedra angular), el colectivo Dead Cross es una clara muestra de que el metal es uno de los cimientos musicales del músico (Venom, Possessed y Sodom fueron algunas influencias durante su juventud).
Tomahawk y Fantomas transitan por otros caminos (un “poco” más convencional el primero; el segundo roza lo trastornado e inclasificable), mientras Peeping Tom explora muchos caminos del mismo laberinto y Mondo Cane hurga en las raíces italianas de Patton, rescatando canciones de la década de los 50 y 60s. Cada proyecto es una extensión de Patton, una búsqueda, una osadía, pero siempre intentando romper los límites, esos que para él no existen.
Salud mental
Mike Patton siempre ha sido un espectáculo en vivo, un show capaz de “salir con cualquier cosa”. Máscaras, trajes típicos, disfraces, pueden y han sido usados por él en muchas presentaciones. Por lo mismo y por el hecho de poseer una personalidad extravagante y auténtica, sus revelaciones acerca de sus problemas de salud mental fueron una sorpresa. ¿Cómo un personaje así puede tener esos problemas? Parece una pregunta un poco estúpida, pero Patton tuvo explicación para todo. “Es fácil echarle la culpa a la pandemia. Pero seré honesto: al comienzo de la pandemia, pensé: “Esto es jodidamente genial. Puedo quedarme en casa y grabar”. Tengo un estudio en casa. Entonces pensé: «Sí, ¿cuál es el problema?» Y entonces algo hizo clic y me quedé completamente aislado y casi antisocial [y] temeroso de la gente. Ese tipo de ansiedad, o como quieras llamarla, me llevó a otros problemas, que prefiero no discutir. Pero conté con la ayuda de algunos profesionales y ahora me siento mejor y cada vez más cerca de volver a sumergirme. Hacia fin de año, haré mis primeros shows en como dos años, que es el tiempo más largo. Desde que comencé a hacer esto, he estado fuera del juego”, confidenció a Rolling Stone en julio de 2022. Esos “primeros shows en como dos años” fueron los de Mr. Bungle a fines de ese año en Sudamérica. “(…) Básicamente me diagnosticaron agorafobia; Como si tuviera miedo de la gente. Me asusté estar rodeado de gente. Y tal vez eso se debió a que pasé dos años básicamente en el interior durante Covid. No sé. Quizás reforzó sentimientos que ya tenía. Pero el simple hecho de saberlo y hablar de ello realmente ayudó”, afirmó al mismo medio. “(…) No quería estar frente a la gente, lo cual es extraño porque pasé la mitad de mi vida haciendo eso”, explicó. Estos problemas llevaron a la cancelación de conciertos de FNM y Mr. Bungle.
Mike Patton es humano y se enferma como cualquiera, aunque se podría creer en la teoría de que es un marciano. Eso es más entretenido y tiene un encanto (no salió en la pantalla de vigilancia de Men In black en 1997, pero eso no significa que no sea extraterrestre). Y, como buen humano, Mike Patton tiene su librito de recetas. “Para mí, fue una colección gradual de fracasos lo que me llevó a darme cuenta de que tal vez podría hacer esto. Quiero decir, cantar. Mi primer concierto como cantante fue porque el cantante no apareció. La banda de un amigo mío, así que ahí lo tienes. No es como lo pensé. Simplemente sucedió, así que yo estaba allí y me convertí en cantante. Para mí, eso es algo fundamental. Entender que no es necesario tener un plan. Para los niños o lo que sea, no es necesario tener un plan. Puedes hacerlo funcionar. No quería ser cantante. Pensé que iba a ser un maldito poeta o algo así, ¿sabes? Estaba estudiando literatura inglesa. Nunca jamás tendría las agallas de hacer lo que estás haciendo. Quiero decir, lo que quiero decir es que nunca lo sabemos realmente y nunca tenemos un plan, y está bien. Está bien surfear las olas aquí y allá y luego descubrirlo. Eso fue lo que hice. Eso es todo”, resumió a NPR.
En conclusión, según Patton, para lograr cosas hay que lanzarse, sin planear tanto. No planear te podría llevar a que las cosas resulten. Tiene asidero en el universo Patton. Y si tiene asidero ahí, es mejor considerarlo. “Creo que uno crea su propia libertad. Creo que uno crea sus propios límites y trabaja dentro de ellos”, graficó a NPR. Así que, cuando piense en la libertad, piense en Mike Patton. Recuerde, cuando diga libertad, diga Mike Patton.
Tom Araya, siervo chileno del metal
Por Francisco Quevedo.
El músico nacional radicado en Estados Unidos desde los cinco años, alcanzó el éxito como bajista y vocalista de Slayer, banda en la que militó por 38 años.
Nueve días antes del mal denominado “estallido social”, la diputada Camila Flores se paseaba radiante por los pasillos del Congreso Nacional con una polera de Slayer ¿El motivo? La parlamentaria le haría un reconocimiento a Tomás Enrique Araya Díaz, bajista y vocalista de Slayer. De esta manera, y ante la mirada de varios parlamentarios (de todos los colores políticos), periodistas y curiosos, el músico se llevó bajo el brazo una medalla y una escultura de Isla de Pascua.
Resulta que Araya es chileno, nació en Viña del Mar el 6 de junio de 1961, pero cinco años después su familia armó las maletas y partió a Estados Unidos. Sin embargo, su chilenidad la pasea por todo el orbe y no pierde ocasión, aunque sea para la chacota, de demostrar que es chileno. Conciertos con la polera de la selección chilena, de su Everton de Viña u otras con simples chilenismos son pequeñas grandes manifestaciones que Araya acostumbra a hacer. Por lo tanto, pese a no tener casi recuerdos de niño del país, el metalero chascón es un compatriota patiperro orgulloso de sus raíces.
California dreamin’
Establecida en California, la familia Araya Díaz tuvo que enfrentarse a un nuevo mundo, un nuevo idioma y, por qué no, una nueva cultura. “(…) No lo llamaría tanto un choque cultural, pero aprender el idioma inglés fue un problema, así que lo aprendimos bastante rápido. Teníamos que hacerlo para salir adelante, pero no nos llevó mucho tiempo aprenderlo porque éramos muy jóvenes en ese momento. La forma en que lo hicimos fue que nuestros padres contrataron a alguien para que viniera a nuestra casa y nos enseñara inglés. Hablaba un poco de español con nosotros en las lecciones, pero recuerdo que lo hablaba de una manera muy americana, lo cual era realmente extraño de escuchar. Entonces sí, el idioma fue un problema, pero aprendimos inglés bastante rápido”, narró Araya a Metal Hammer (2023). Aprendió a tocar bajo a los ocho años gracias a la influencia de su hermano, quien tocaba guitarra. Y, tal como hemos revisado en la vida de otros músicos, The Beatles y Rolling Stones fueron las primeras influencias del joven Tom. “No había nadie en mi familia que tuviera inclinaciones musicales. Fue extraño, ahora que lo pienso. En realidad, fue mi hermana mayor la que aprendió por primera vez a tocar un instrumento, y eso nos inspiró a mi hermano menor (y más tarde roadie de Slayer) Johnny y a mí a tocar la guitarra cuando tuvimos edad suficiente. Ahora mis sobrinos y sobrinas son todos músicos, lo cual es realmente genial”, reveló al mismo sitio. En una conversación con el portal Revolver en el año 2011, Araya nombró a Les Claypool de Primus («Es el primero en el que puedo pensar, porque es un bajista tremendo. Tuve el privilegio de verlo tocar en el Ozzfest ’99. Fue increíble»), Troy Sanders (Mastodon), Stanley Clarke y Billey Sheehan (Mr Big) como cuatro de sus bajistas favoritos.
En 1981, Araya conoció a Kerry King y comenzó el matrimonio con Slayer, sólida unión que duró 38 años, hasta la disolución anunciada en 2019. Junto a Slayer, Araya alcanzó el éxito mundial llegando a integrar el grupo de los “Big 4” de thrash metal, cuarteto que conforman junto a Metallica, Megadeth y Anthrax. Este mote no es gratuito. Slayer ha editado 12 discos de estudio, llegando a posicionar álbumes entre los más destacados del metal. “Reign in Blood” de 1986, “South of Heaven” (1987) y “Seasons in the Abyss” (1990), podrían ser citados como placas clásicas del metal, pero fue la primera la que los consagró y los inscribió en la historia para siempre. A pesar de triunfar, Araya y Slayer también vivieron momentos difíciles, siendo la muerte de Jeff Hanneman en el 2013 uno de los más complicados. “Personalmente, valoraba el proceso creativo de Jeff, porque tenía un “oído” especial para las crear buenas canciones. Eso es lo que más extraño. Creo que Jeff era el verdadero genio de la banda en lo que se refiere a composición. Jeff y yo colaborábamos mucho juntos, él siempre me dejaba incluir lo que fuera necesario porque estaba dispuesto a escuchar opiniones. En el nuevo disco, no tuve que pelear, pero fue un poco más difícil (…)” confidenció a Rockaxis en 2017, en el contexto de la grabación del álbum “Repentless”, editado en 2015.
También, y aunque suene un tanto banal, Araya tuvo una lesión al cuello que ha mermado su puesta en escena. Insisto, puede ser algo sin relevancia, pero para el bajista sí es importante puesto que su headbanging era una de sus sellos sobre el escenario. “(…) La cirugía fue en mi cuello, aunque es parte de mi espalda. Pasaron por la parte frontal del cuello, quitaron el esófago y todo eso, colocaron una placa en la parte frontal de los huesos del cuello y luego volvieron a colocar todo. Hay seis tornillos allí [muestra una radiografía en un iPhone]. Después me salió un bulto grande ahí que se desintegró: supongo que mi cuerpo absorbió todo, aunque todavía siento como si tuviera mierda en la garganta (…) Amigo, no sabes las ganas que tengo de hacer headbanging cuando estoy en el escenario. Pero no puedo, nunca. Ése es el verdadero desánimo. Estaré ahí arriba tocando las canciones y tengo muchas ganas de hacerlo, pero no puedo. Es un gran fracaso, porque la música es lo que me hace querer hacerlo. ¡Me gusta tocar las canciones y no puedo hacer lo que quiero!”, explicó a Metal Hammer (2017).
Sus fanáticos reconocen los logros de Araya y compañía, expresándole su lealtad y cariño. No obstante, el bajista no cree que sea para tanto, siempre desde su perspectiva personal. “(…) Realmente no veo a esta banda como la ve la mayoría de la gente. Siempre es una sorpresa para mí cuando la gente me hace preguntas como esa, incluso después de todos estos años. Realmente no pienso en la banda como algo tan importante, aunque todos los demás sí lo piensan. A veces me asombro cuando la realidad me golpea y pienso: ‘¡Guau! ¡Maldita sea!’ – pero realmente no pienso en eso tan a menudo” (Metal Hammer, 2017).
En el nombre del Padre… ¿y el Hijo?
En un aspecto más personal de su vida, sus creencias religiosas han sido materia de discusión entre sus seguidores…y también para los que no lo son. Araya ha confesado en reiteradas ocasiones que fue criado bajo la religión católica y que sus padres profesaban aquella religión. «Creo en un ser superior, sí… Pero él nos quiere a todos», ha señalado. Pese a que se ha puesto en tela de juicio sus dogmas, Araya no se inmuta ni un milímetro y menos se le mueve siquiera un pelo de la cabeza (o la barba). “(Ni Slayer ni nada) pueden nunca interferir con lo que creo y lo que siento… La gente no sabe muy bien dónde tienen que preguntarse acerca de sus creencias, a causa de un libro o historia que alguien escribió, o una canción de Slayer», planteó en una entrevista alguna vez. Incluso músicos de otras bandas -las que no vale ni mencionar- lo han criticado por no ser “digno” de Slayer debido a que sus creencias no están alineadas con las letras del grupo. Un absurdo por donde se le mire y que no resiste análisis. En otra oportunidad, fue más enfático aún, explicitando que «sí, creo en Dios. Vengo de un país católico, nací y me criaron en un país católico. Mis padres, mi padre y mi madre ayudaban en una iglesia en Los Ángeles… De hecho, mi padre, que falleció hace un tiempo, era diácono y mi madre todavía enseña catequesis los días domingo. Así que tengo mucha fe en Dios», afirmó al medio argentino Clarin (2006).
Sus padres fueron muy relevantes en esta formación. No sólo por sus creencias católicas sino también por el apoyo que le dieron a su carrera musical. Basta imaginar una familia en otro país, lo que cuesta establecerse y surgir, para, además, desarrollar una carrera tan compleja como lo es la musical. Considerando ese contexto, Araya siempre recibió el apoyo de sus padres. “(…) Tuve mucha suerte porque tuve padres que me apoyaron mucho, al igual que Kerry (King, guitarra), Dave ([Lombardo, batería) y Jeff (Hanneman, guitarra). Eso fue muy especial para mí y para los otros chicos de la banda: literalmente tuvimos a cada uno de nuestros padres en nuestro primer par de shows que tocamos después de que Slayer se juntara por primera vez, lo cual fue realmente genial. Todos apoyaron mucho lo que estábamos haciendo”, recordó a Metal Hammer (2017). Este soporte familiar fue clave en la carrera de Araya.
Aparte de su trayectoria en Slayer, Araya dedica tiempo a su vida familiar en Texas, lugar en los que comparte con su señora y sus dos hijos. La vida campestre es la principal ocupación del ahora exbajista de Slayer.
Es de esperar que retome alguna veta artística, ya sea con Slayer o con otra banda, porque personajes del tonel de Tom Araya ya no se encuentran con facilidad. Paridos en otra época, con una formación de la vieja escuela y con mucho bagaje y kilómetros recorridos, es mejor tenerlos en el ruedo. Queda claro que la apuesta de la familia Araya Díaz de emigrar a California dio frutos. Cómo dice la Biblia: “Porque a todo el que tiene, se le dará y le sobrará; pero al que no tiene, aun lo que tiene se le quitará” (Mateo 25, versículo 29).
Tellus Terror lanza nuevo álbum, “DEATHinitive Love AtmosFEAR” (2024)
La banda brasileña Tellus Terror lanzó su segundo álbum de estudio, “DEATHinitive Love AtmosFEAR”, un álbum conceptual sobre el ciclo de la vida a través del dolor. Este disco fue lanzado el 29 de enero del presente año a través de Xaninho Records.
“DEATHinitive Love AtmosFEAR” es el sucesor de “EZ Life DV8”, estrenado hace ya una casi una década. Tras años de composición y grabación, Felipe Borges y sus secuaces entregan un trabajo oscuro, lleno de matices propios del Symphonic Death/Black metal adoptado por el conjunto. Este disco fue producido por Caio Mendonça, mientras que la grabación, mezcla y masterización se realizó en Tellus Studios, Río de Janeiro, Brasil. El arte del disco fue obra de Seth Siro Anton, más conocido como Spiros Antoniou, fundador de Septicflesh.
Tellus Terror es una banda brasileña de Death/Black Metal Sinfónico creada en 2012. Su estilo musical y visual han ido evolucionando hacia el Dark/Terror/Symphonic/Vampiric Metal, algo totalmente opuesto a lo que el grupo hacía en su primer álbum, “EZ Life DV8” (2014).
Bloden Wedd se suma como opening act de Rhapsody of Fire (2024)
Bloden Wedd, banda emblemática y pionera del Power Metal en Chile, se reúne para ser la encargada de abrir una noche épica para el metal, en el show que Rhapsody Of Fire tiene agendando en Santiago.
Con más de 25 años de existencia y múltiples presentaciones, han sido los encargados de abrir los shows bandas internacionales como Rhapsody, HammerFall, Children of Bodom, Sonata Arctica, Gamma Ray, Narnia , Rob Rock y Shaman; este 2024 realizarán además otras presentaciones a lo largo de Chile, las que estarán marcadas por un pool de canciones de sus 4 discos de estudio, siendo los más reconocidos “Raging Planet” (2001) y “Eye of Horus” (2005).
A lo anterior se suma el lanzamiento de su nuevo single, “A Place Called Home”, canción que será parte de su próximo trabajo en estudio, el que contendrá temas más contemporáneos, pero manteniendo el sello que ha caracterizado a la banda en su larga trayectoria.
Bloden Wedd está conformado por su afamado y reconocido cantante Dan Elbelman, Gustavo Toledo y Soledad Genua en Guitarras (Human Factor), Benjirock (Inquisición y Witchblade) y el eximio baterista Alejandro Carreño (Gonzalo Sanhueza ).
Diego Capusotto en Chile: El actor que se ríe del rock
El Lado C de Capusotto anuncia su primera función en Chile. La hilarante ‘charla abierta’ es protagonizada por los argentinos Diego Capusotto y Nancy Giampaolo.
El martes 18 de junio, en el Teatro Oriente, debutará en el país el espectáculo El Lado C de Capusotto (lo que no verás en las redes), de la mano de los maestros Diego Capusotto y Nancy Giampaolo. Esta jornada, ofrece una experiencia única donde el humor argentino sorprenderá y desafiará con su ironía y sátira al público nacional. Entradas disponibles en PuntoTicket.
En esta llamada charla abierta, el actor y comediante junto a la periodista, realizan un encuentro íntimo con los asistentes en el que se revelará “lo que nadie sabe de Capusotto y sus personajes: el lado oculto de todo artista”.
Con gran genialidad, este espectáculo transciende los límites de la comedia, aportando con una mirada fresca, inteligente y desopilante sobre diferentes aspectos de la cultura popular argentina y del mundo.
El Lado C de Capusotto, es una propuesta que combina material audiovisual con una conversación, anécdotas, alegrías y tristezas que serán repasadas de forma magistral con el estilo inconfundible del gran comediante argentino.
Diego Capusotto, es un actor, comediante, guionista y presentador trasandino que ha destacado por protagonizar exitosos programas de televisión. Entre ellos, destacan Cha Cha Cha, Todo por Dos Pesos y Peter Capusotto y sus Videos, además su programa humorístico sobre el rock y sus ídolos que de paso retrata la indiosincracia del país vecino.
Con la producción de Damián Sequeira y Macondo Konzerte, El Lado C de Capusotto es una imperdible oportunidad para conocer de primera fuente los aspectos inéditos en torno a la trayectoria y la vida personal de Diego Capusotto, una de las figuras más populares de las últimas décadas en Argentina.
Wardruna por primera vez en Chile (2024)
Por Paulo Domic.
Los misteriosos sonidos de los bosques escandinavos y las estepas nórdicas, finalmente llegan a nuestro país.
Una noticia esperada por largo tiempo. Los noruegos Wardruna debutarán finalmente en América Latina y nuestro país será una de las paradas en la ruta. Los líderes del folk nórdico traerán su magia ancestral al Teatro Caupolicán el miércoles 9 de octubre, escenario en el que mostrarán su místico y sensorial espectáculo por primera vez ante sus fanáticos chilenos que hace mucho desean verlos en vivo.
Wardruna es un grupo musical noruego formado en 2003 por Einar Selvik (baterista en dos discos de Gorgoroth) junto con Gaahl y Lindy-Fay Hella. Se dedican a crear interpretaciones musicales de tradiciones esotéricas y culturales nórdicas, utilizando instrumentos históricos y tradicionales de esa cultura, incluidos tambores con estructura de piel de ciervo, flautas, kraviklyra, tagelharpe, arpa de boca, cuerno de cabra y lur. También utilizan otras fuentes de sonido como árboles, rocas, agua y antorchas. Las voces de Einar y Lindy se combinan perfectamente y nos trasladan a un mundo mitológico, el cual nos deja observar de cerca la cultura y las creencias de la región nórdica y los apasionados vikingos.
La banda ha lanzado cinco álbumes de larga duración, los tres primeros basados en runas nórdicas, el cuarto basado en los dichos de Odín del Völuspá y otras fuentes nórdicas antiguas. El nombre Wardruna significa «la guardiana de los secretos» o «la que susurra”. Su etéreo espíritu no solo la ha llevado a ser una banda renombrada dentro de las escenas relacionadas con la música de raíz, sino también en festivales de metal como el Hellfest o el Wacken.
Las entradas para este gran debut se pondrán a la venta el viernes 12 de abril a las 9:00 a través de Puntoticket con los siguientes valores, más cargos por servicio.
Preventa:
Cancha: $49.000
Platea: $39.000
Palco: $70.000
General:
Cancha: $55.000
Platea: $45.000
Palco: $80.000
Vago Sagrado presenta «Ruido Trivial», su primer álbum en vivo
El trabajo, que ofrece un repaso a la discografía de la banda psych rock, se encuentra disponible en las plataformas de streaming.
Tras cinco álbumes de estudio, la banda psych rock nacional Vago Sagrado – que viene de realizar un exitoso show de apertura para Brant Bjork en Santiago– añade un sexto título a su discografía con la presentación de «Ruido Trivial», el primero de carácter «en vivo», y que llega bajo los canales de Hotel Records.
Grabado en la sala SCD Bellavista, en junio de 2023, «Ruido Trivial» es, como señala la banda, «el registro de una tarde fría que se colma de ruido». Un álbum «que sin premeditación, ofrece un breve repaso a una década de actividad discográfica».
En efecto, la placa se compone de ocho tracks entre los que se incluyen «La Alfombra Debajo del Océano», un clásico del «Volumen I», el disco que en 2015 abrió el sendero del Vago y lo puso en la mira de la escena psicodélica internacional – el álbum fue editado en vinilo por el sello alemán Adansonia Records.
Aparece, también, «Ciudad Fantasma«, otro de los hits del ahora cuarteto, sencillo procedente del «Volumen II» (2017) y con el cual la banda amplió su abanico sonoro, hasta entonces cargado al krautrock y al space rock, hacia el postpunk y el shoegaze.
La ansiedad al borde del delirio de «Fire (In Your Head)» y la melancolía espacial de «One More Time With Feeling» son parte de los botones de muestra del «Volumen III» (2019), el trabajo con el que Vago Sagrado cierra una fecunda trilogía. En tanto, «Made Out of Sound» (2022) se hace presente a través del abismo sonoro de «Slightly Nice Awkward» y la cabalgata sónica de «As I Drift». Es, justamente, esta última con la que comienza «Ruido Trivial», seteando el ritmo y la vigorosidad con la confluye el álbum hasta el final.
A los temas clásicos, se añaden dos cortes inéditos: con «The Scroll», que en enero pasado fue introducida como single y adelanto del disco, Vago Sagrado renueva su lado postrock, mientras que «Flatrock» aporta una atmósfera gótica y deja entrever posibles horizontes sonoros para la banda que ya trabaja en un nuevo título.
El lanzamiento de «Ruido Trivial» se produce a casi un año de la salida de «Mundo Tal», el más reciente disco de estudio de la banda con el cual, de paso, hizo oficial su reformulación de trío a cuarteto. La incorporación de Ricardo Guzmán a la agrupación conformada por Alberto Parra, Carlos González y Nicolás Violani, ha supuesto no sólo una nueva fuerza sonora y creativa, sino que también la de un productor de base. Su nombre y el de su Estudio Goethe se acreditan en la mezcla y masterización tanto de «Mundo Tal» como de «Ruido Trivial».
Habitants presenta su segundo álbum ‘Alma’
Habitants insufla nueva vida al género trip-rock con su sonido contemporáneo. La banda holandesa, liderada por René Rutten (The Gathering) y la chilena Gema Pérez, lanza su altamente anticipado segundo álbum: ‘Alma’.
Producido por Attie Bauw, ‘Alma’ invita a los oyentes a un viaje interior, explorando la complejidad de la existencia humana en todas sus facetas. Las nueve pistas conforman una mezcla intrigante de rock alternativo, trip-rock y dark wave. Con melodías atmosféricas grandiosas y melancólicas, la encantadora voz etérea de la vocalista Anne van den Hoogen (Rosemary & Garlic), y las fascinantes guitarras de reverberación de René Rutten (fundador de The Gathering), Habitants te guían a través de mundos surrealistas.
‘Alma’ narra la historia de una mujer luchando con los diversos aspectos de su ser. Equilibrándose entre la vulnerabilidad y la fuerza, esta dinámica se refleja de manera lúdica en numerosas capas vocales y sonidos de guitarra. Simultáneamente, ella expone de manera franca sus luchas internas. Alma puede invitarte a montar las olas de la vida, como se escucha en la pista ‘Youth’, mientras que en otros momentos, te sumerge profundamente en un mar de soledad, evidente en ‘If I Knew’. Sin miedo en el amor, como se representa en ‘Future You’, pero luego empapada de vergüenza en ‘Cod Fishing’. Desafortunadamente, Alma es humana. ¿lo es? Esta intrigante pregunta está en el corazón de ‘The Waiting Room’.
El álbum debut ‘One Self’ (2018) estableció a Habitants como una fuerza emergente en la escena musical alternativa, obteniendo aclamación mundial. La banda realizó varios shows en clubes en los Países Bajos y participó en festivales como Bruis, Booster y Oranjepop. Situado sonoramente en algún lugar entre Massive Attack, MONO y Portishead, Habitants, compuesto por tres mujeres y dos hombres, incluye a Anne van den Hoogen y René Rutten, junto con la guitarrista Gema Pérez, la bajista Mirte Heutmekers y el baterista Jérôme Miedendorp De Bie.
‘Alma’ es lanzado a través del sello Psychonaut Records. El álbum será presentado oficialmente el 18 de abril en Nijmegen, Países Bajos. Habitants actuará este año en una serie de festivales y club shows.
¿Quieres un adelanto del espectáculo en vivo?
Mira esta sesión en vivo que Habitants grabó para la revista Heaven:
Mr. Big anuncia concierto de despedida en Chile junto a Sebastián Bach
La clásica agrupación estadounidense llegará en mayo de 2024 al Teatro Caupolicán.
Mr. Big, icónica banda de hard rock, llegará a nuestro país para despedirse de los escenarios en el marco de su gira “The BIG Finish”, con la que pasarán también por otros países de Latinoamérica. En Chile, la cita se realizará el próximo 3 de mayo en el Teatro Caupolicán, sumándose así a la gran cartelera que se está formando para el 2024.
Además de traer lo mejor de su nutrido repertorio, la clásica banda liderada por Eric Martin en compañía de Billy Sheehan, Paul Gilbert y Matt Starr, interpretará por completo su icónico álbum Lean Into It (1991), disco que los catapultó como una de las grandes bandas de hard rock con clásicos como “To Be With You” y “Just Take My Heart”, en un homenaje a Pat Torpey, baterista fundador que nos dejó el pasado 2018.
Pero eso no es todo. Esta gira además incluirá al músico canadiense Sebastián Bach, ex vocalista de la agrupación Skid Row, quien llegará a presentar lo mejor de su repertorio tanto solista, como también pasando por los clásicos de su antigua banda en lo que promete ser una cita con el mejor glam metal que se mantiene vigente hasta el día de hoy.
No te pierdas esta memorable fiesta rockera junto a Eric Martin, Billy Sheehan, Paul Gilbert y Matt Starr el próximo 3 de mayo en el Teatro Caupolicán.
Produce: Chargola Pro
Lucifer se une a Napalm Death en el Cariola (2024)
Si ya era increíble esta nueva cita con Napalm Death, ahora simplemente es imperdible. A los legendarios próceres del grindcore británico se suma Lucifer, una de las revelaciones del heavy metal de la última década con su propuesta clásica y oscura que cada día gana más notoriedad en todo el mundo. En el camino del CL.Rock, este evento ya se transforma en un mini festival que además incluirá en su cartel a las brasileñas Eskröta y a los chilenos Gangrena y Demoniac. La fecha para anotar en la agenda es el 4 de octubre.
Lucifer, banda multinacional encabezada por la cantante alemana Johanna Sadonis y donde también está Nicke Anderson, conocido por su trabajo en The Hellacopters y Entombed, acaba de sacar su quinto álbum titulado “V” y, como ya es habitual, sólo ha obtenido positiva recepción para su nuevo trabajo. Sus monumentales riffs y la hipnótica voz de su cantante los han consolidado con una identidad única que desde su primer disco se ha mantenido dando continuos pasos hacia adelante en la ruta del metal internacional.
Por más de 40 años, Napalm Death, el cuarteto liderado por la voz de Mark «Barney» Greenway, se ha mantenido vigente de forma ininterrumpida a través de 16 discos en los que siempre han defendido su ideario anarquista, humanista, socialista y animalista. Volverán para mantener su épico legado metalero y encender la locura de sus leales seguidores chilenos. Una nueva oportunidad para delirar con su energética puesta en escena al son de sus clásicos y del material de su aclamado último disco, «Throes of Joy in the Jaws of Defeatism» y su secuela, el EP titulado «Resentment Is Always Seismic – A Final Throw Of Throes».
Por primera vez en Chile, el trío paulista Eskröta es una banda de thrash/crossover formada en 2017 por la bajista Tamy Leopoldo y la guitarrista y vocalista Yasmin Amaral. Sus letras hablan de resistencia, feminismo y antifascismo, mensajes que vendrán a difundir a través de sus poderosos riffs y desgarradoras voces enfocándose en su último disco, llamado «Atenciosamente, Eskröta».
Respecto a los grupos chilenos, Gangrena lleva más de 18 años destrozando muros con el poderío de su death metal. Desde Chillán vendrán a abrir las puertas del averno con su último disco, «Oscuro Tormento», lanzado en 2020. Por su parte, Demoniac banda thrash proveniente de Limache con más de una década de actividad, acaba de publicar su tercer álbum, titulado «Nube Negra», el cual ha sido considerado como uno de los mejores trabajos de metal chileno de 2023.
Las entradas para este evento están disponibles a través de Puntoticket, con un valor de $33.000 en preventa y $37.000 la entrada general, más cargos por servicio.
