CAOSONORA » Distintas circunstancias nos han llevado a movernos a distintos lugares de Europa y aun así resistimos y podemos operar»

Por Rodrigo Damiani @SonidosOcultos

En Sonidos Ocultos llevamos 16 años mostrando los proyectos independientes de calidad tanto de Chile como del mundo. Es en este contexto y gracias a la plataforma Groove.es (FRANCIA) donde SONIDOS OCULTOS es un activo colaborador hace 4 años, que pudimos conocer esta banda Chilena Alemana CAOSONORA . Siempre es interesante saber un poco mas de quienes están luchando por su música al otro lado del mundo. De esto y mucho más en la siguiente entrevista oculta a la banda:

Respecto al nombre del grupo, cómo nace y quiénes componen dicho proyecto en el origen y en la actualidad.

El grupo está conformado por Enrique Bunster en el bajo, Salvador Manriquez en la guitarra y la voz, quien forma el grupo en el año 2015, Tim Poggi en la batería, y se integra el 2025 oficialmente el alemán Jon Brandel en la guitarra. El nombre del grupo se inspira el alter ego de una banda de Temuco, Los Dictadores del Ritmo. Así nace La Sonora del Caos, y luego, Caosonora, en una palabra, simple: el nombre de la banda abre la puerta a distintas influencias, al ruido, a la catarsis.

Cuáles son los principales trabajos que el grupo ha realizado, sencillos, EP o discos de larga duración.

Caosonora ha lanzado hasta ahora dos EP: el primero homónimo en 2017, y Alloy of the Sky en 2023, además de algunos sencillos, como la versión en vivo de Empty Spaces, lanzada últimamente. Nuestro tercer EP está siendo lanzado a través de diferentes sencillos que culminan con nuestra primera gira. Nuestro último sencillo se llama Der Doppelgänger, que significa “el doble”, una canción lenta, sombría, que lanzamos en la primera semana de febrero. Nuestro nuevo EP se llama The Ladder, y estará disponible este mes de abril.

Cómo trabaja una banda independiente que vive en EUROPA. Cosas buenas y malas de dicha escena musical, según su opinión.

Trabajamos de manera totalmente independiente. Nos encargamos de la grabación, la comunicación, las redes sociales, de agendar conciertos, de la imagen, entre muchos más. Los ingresos provienen principalmente de los conciertos en directo y del merchandising. Esto ofrece una gran libertad artística y un control total de nuestra imagen, pero añade una enorme carga de trabajo fuera de lo musical. Distintas circunstancias nos han llevado a movernos a distintos lugares de Europa y aun así resistimos y podemos operar. En Europa es mucho más fácil viajar; las rutas de conciertos están hasta cierto punto establecidas, y aun, por suerte, hay una red de locales independientes, que, aunque se van reduciendo (hay que recordar que la fusión Live Nation y Ticketmaster pelea por tener el monopolio de todos los sectores de la economía relacionada a la música), siguen dándole cabida a bandas independientes.

 Escuchan otras bandas de Chile, cuáles serían estas

¡Muchas! Lo que está haciendo Mawiza es muy interesante, muy bien hecho. La Bestia de Gevaudan tiene un proyecto también muy bueno, muy intenso. En rock y metal escuchamos también a los clásicos: Dorso, Pentagram, Weichafe, Yajaira, a los Fiskales. De Temuco, Tierra Oscura, Posterror, y a las leyendas Richard Harrison. Otra banda que hemos podido ver en Berlín hace poco, Akineton Retard, ¡excelentes!

Con respecto al sonido del grupo, donde han grabado y registrado su discografía, ya que tienen un sonido bastante propio y particular.

La grabación es bastante sencilla, aunque siempre nos rodeamos de gente muy profesional. Grabamos generalmente las baterías en estudio y luego muchas cosas se graban de manera más DIY, en nuestros home studios: de esa manera tenemos más tiempo para experimentar con los arreglos y otros sonidos. La producción va a cargo de toda la banda además de nuestro ingeniero en sonido, Pascal Coulon, que nos ha ayudado mucho desde que la banda comenzó a funcionar nuevamente.

 En la parte visual con quien están trabajando en la actualidad, ya que sus dos últimos sencillos tiene un arte bastante contundente.

Nuestro primer video clip es para el sencillo Blank Space, que fue filmado y editado por Alexander Maß, audiovisual y amigo de la banda hace algunos años. En la parte visual, hemos principalmente confiado en amigos, sobre todo en la fotografía.

Cuáles son los aspectos positivos y negativos de la utilización de la tecnología en la música.

La tecnología utilizada para la creación siempre es positiva creemos. Ahora, el tema de la inteligencia artificial puede ser problemático, pero para una banda que tiene como norte ser una banda en vivo, la música de IA no es un tema. Si bien puede ser una herramienta al servicio del musico para la música, y para agilizar cosas extra musicales, otra cosa es que la inteligencia artificial haga la música. A pesar de esto, puede ser que la música hecha por IA sea una ventaja para las bandas que quieren sonar en vivo de manera continua: mientras más música hecha por inteligencia artificial exista, más músicos deben revelarse contra ella, hacer música más humana, más imperfecta, más dinámica. Si la IA ofrece perfección, formulas, las bandas de rock tienen el privilegio de hacer lo que no pueden hacer las AI, o sea, música para humanos, no para los playlist algorítmicos que generan contenido infinito, copias, para enriquecer a los nuevos señores feudales. Para nosotros, el streaming y las redes sociales, por poner un ejemplo, son solo un medio que tenemos que utilizar para poder tocar en vivo más regularmente. Por el momento no podemos prescindir de ellas. El objetivo es ser una banda que enfrente su música con el público, resistiendo la realidad mediada por internet, pero utilizándola con ese objetivo.

Cuáles son los planes a corto y largo plazo que tiene el grupo en cuanto a tocatas, giras, lanzamientos, etc.

A corto plazo, tenemos una gira en abril de 2026, con conciertos en Hamburgo, Praga, Berlín y otras ciudades, nuestra primera gira. El lanzamiento del EP está previsto para abril de 2026, seguido inmediatamente por la composición y grabación de un nuevo EP y luego un álbum, nuestro primer larga duración. Este 2026 y 2027 el objetivo es llegar a todos los lugares que podamos, sobre todo en Europa, con música nueva y con lanzamientos en vivo además de material audiovisual.

Por qué a los amantes del rock pesado puede llegar a gustarle su banda. Que tiene para entregar CAOSONORA a la escena local y mundial.

Caosonora es el encuentro explosivo entre la pesadez del stoner, la intensidad del metal y el espíritu aventurero del rock progresivo. Los amantes del metal encontrarán en él energía bruta y ritmos contundentes, además de un enfoque DIY, siguiendo la tradición del underground. En el escenario, el grupo ofrece un sonido denso, directo y también con espacio para lo atmosférico, capaz de atraer tanto a los puristas como a los curiosos en busca de algo nuevo, además de poner los pies en distintos estilos. Las letras, que están hasta ahora escritas en inglés y en español, están cargadas de existencialismo y de política, aunque sin slogans, sin menospreciar al oyente. Caosonora es una experiencia en vivo, entre el público. Si la corriente es solamente circular en el streaming y la inteligencia artificial, nosotros vamos en contra de esa corriente, aun cuando esta pareciera ser una causa perdida.

 

Benjamín Caro (Distancia Crítica): “La música en Valparaíso es profundamente resiliente”

Por Fabian Escudero.

Cada vez que una banda publica material nuevo, sus integrantes se apuran a explicar cómo las canciones son diferentes a esto o aquello, cómo buscaron innovar, alejarse de las zonas de confort, bla, bla, bla. Todo es “nuevo”, “revolucionario”, “innovador”.

Pero no tiene por qué ser así. No siempre. Distancia Crítica lo tiene claro. Las cuatro canciones que componen “No se te vaya a olvidar”, el EP debut de este trío porteño, no buscan alejarse de los clichés, sino que los abrazan, y se dejan llevar a lo largo de sus casi 15 minutos de música por la vida misma, convirtiendo estas piezas en un cuadro catártico y ansioso del que emerge una explosión creativa y una rabia contenida.

El EP, producido por Sebastián “Chaleco” Aranda (El Significado de las Flores, Akero) en Estudio Leviatán y publicado en noviembre de 2025, lejos de renegar absolutamente de esos “lugares comunes”, permite que estos llenen los espacios del rock contemporáneo. Canciones como “Resuena” –bellamente instrumentada– aluden a los absurdos de ciertas situaciones de la vida cotidiana, mientras que “Par Espaciado (A-B)” juega con sonoridades clásicas del punk rock moderno sin perder ese sentido reflexivo que, a la vez, actúa como motor para el cambio. La música se mueve, pero también mueve al oyente.

Benjamín Caro, vocalista y guitarrista del conjunto, lo admite sin rodeos: “Buscamos hacer temas que lleguen a lugares comunes, pero desde la visión de la música que nos gusta”. Y eso es lo que mejor caracteriza y hace brillar a este EP, que ofrece una muestra clara de las capacidades del conjunto que también integran Gerald Rojas en batería y Pablo Benjamín Pesenti en bajo.

La banda, fundada oficialmente en 2024, ha logrado construir un camino estrepitoso, con altos y bajos: sufrieron un terrible robo de su equipamiento durante un viaje a La Serena, pero también abrieron el último show de Asia Menor en Valparaíso en octubre de este año. “Mañana será mejor”, dice una de sus propias canciones.

¿Cómo describirían el proceso creativo de este EP?

Fue una montaña rusa de emociones. En realidad, cada uno de los temas pasó por distintas sonoridades, y esto fue porque hubo tiempos de hasta un año de diferencia entre su creación. El año pasado (2024) teníamos una serie de demos que daban una forma preliminar a cómo iba a sonar este EP. Pero antes de poder grabarlo, nos robaron nuestros instrumentos y esto, bueno, nos obligó a darnos un tiempo para darle más vueltas a las canciones, dedicarle más tiempo a la producción, etc.

Al final, hubo muchos tropiezos, pero esto solo suma a la conclusión de que fue un proceso terriblemente gratificante. Sentimos que es el mejor EP que pudimos haber producido.

Y con todo este tiempo y estos “fracasos” –como diría una de las canciones–, ¿qué expectativas tenían del proceso?

La primera expectativa, diría yo, fue poder concretarlo después de todos los tropiezos que mencionaba antes. Hubo que prácticamente partir de cero y armar un repertorio. Fue un desafío no tener una base sonora ya cimentada. Eso desde el punto de vista de la composición. Desde la grabación y la producción, queríamos que estas ideas fueran materializadas de una forma que no solo les hiciera justicia, sino que también las engrandeciera.

También era necesario darles un sentido a las composiciones, ya que no fueron escritas en un orden definido ni con la intención de quedar en el EP. Más bien fue algo que se dio naturalmente y posteriormente hubo que darle coherencia.

¿Cuál es la mayor diferencia entre tocar estas canciones en vivo y en estudio?

En vivo es una sensación más liberadora. Creo que tocar en vivo nos da la posibilidad de sumar energía y explosividad a las canciones, y cada show ofrece la oportunidad de proporcionar una puesta en escena que se suma a lo que ya son las canciones como tal. Y hay que agregar que tocar en vivo permite hacer pequeños cambios y modificaciones que a veces pide el momento.

En estudio tenemos la misión de encapsular esta emoción únicamente por medio de nuestra interpretación, pero aprovechando las posibilidades que ofrecen el tiempo y los recursos de grabación. Esto supone un gran reto que ha requerido cranearse las canciones desde otras perspectivas.

Existe una especie de explosión en Chile respecto del emo y sus subgéneros derivados. Si bien Distancia Crítica coquetea con estos sonidos, tal vez se podría decir que también está un poco más abierto al rock alternativo en general. ¿Esto se ha dado de forma natural o deliberadamente se mueven en estos géneros por sus influencias?

Yo diría que se ha dado más bien naturalmente. Ninguno de los tres somos devotos de un tipo específico de música y estamos recién conectando con los proyectos que están haciendo este “sonido del emo chileno”, así que no nos ha costado acercarnos a esta “escena”. Sin embargo, sí creo que tenemos una visión en común de intentar rescatar distintas sonoridades que bordean nuestros gustos musicales a modo general. Los tres llegamos al proyecto con sonidos distintos en mente, pero por acuerdos pudimos sentar un poco la base de lo que son las referencias para el sonido de Distancia Crítica, abrazando este concepto del emo pop que, yo diría, predomina en la mayoría de nosotros.

Además de la “escena chilena”, también hay un auge particular en la región de Valparaíso, con muchas bandas nuevas explorando estos sonidos y experimentando con otros. ¿Cómo ven esto? ¿Es importante resaltar la localidad de las bandas hoy?

Sentimos que es vital resaltar el “de dónde” vienen los proyectos musicales, sobre todo acá en Chile, donde las distancias y la proporción de proyectos por región son tan disparejas.

Claro, donde las “distancias” son “críticas”.

Claro, claro (ríe). La música en Valparaíso es profundamente resiliente. Siempre es difícil hacer música en región, pero constantemente aparecen bandas con sonoridades muy diversas para compartir los pocos escenarios disponibles. La gente viaja grandes distancias para ver a proyectos que, además, tienen que hacer malabares para coordinar y ocupar estos espacios donde se realizan eventos autogestionados. Y el emo aún mantiene estas características heredadas del hardcore el DIY o “hazlo tú mismo”. Y esto, a la vez, tiene roces con el indie rock, así que no es extraño que esta amalgama de elementos conviva en un mismo escenario, cosa que, a decir verdad, nutre la escena y le da variedad. Hay una apertura muy rica a distintos sonidos y sentimos que hay un sonido menos homogéneo de lo que tal vez se puede dar en zonas como la capital, pese a que la “escena” sea diametralmente más pequeña que allá.

¿Qué se puede esperar de un eventual LP de Distancia Crítica?

No creo que vayamos a descartar del todo el sonido que trabajamos en el EP, pero sería más bien una arista del álbum. La idea es que un eventual LP sea más aventurado, una exploración sonora mucho más amplia. Nos gustó el resultado de experimentar con instrumentos fuera de nuestra formación base, como la trompeta en “Resuena”, y sabemos que hay mucho potencial en la producción para incorporar sonidos distintos. Los tres somos personas muy dispersas, así que yo creo que habrá más rienda suelta al momento de componer algo más largo.

 

Valentín Carvallo, vocalista de FAMEH: “Sentir es revolucionario”

Por Fabian Escudero.

En medio de un creciente auge de bandas y proyectos musicales en el under de la escena nacional, un quinteto porteño ha estado agitando las cosas en el litoral central. Sí, hablamos de FAMEH, una banda compuesta por el baterista Javier Guerra, los guitarristas Kevin Méndez y Reinaldo Astudillo (que también apoya en la voz), la bajista y vocalista Dominique Gutiérrez y el vocalista Valentín Carvallo.

Fuertemente influenciados por el post-hardcore de los 2000, que tuvo su auge gracias a MySpace, los FAMEH llevan un tiempo organizando tocatas y codeándose con otras bandas similares, pero siempre diferentes. No solo por el particular timbre que imprime Valentín a sus letras melodramáticas, cortadas por gritos desgarradores y una performance estrambótica en el escenario que rara vez se limita a su metro cuadrado, sino también por una interpretación musical que deja de lado los riffs machacosos más cercanos al metal y se decide por guitarras funkeras y ritmos bailables, sin, por supuesto, alejarse del caos heredado del screamo.

En ese contexto, a finales de julio los FAMEH publicaron Manual de Contención, Vol. 1, su primer EP. Compuesto por seis pistas (grabadas por el mismo Carvallo y mezcladas junto a Kevin Méndez) que exhiben las cualidades antes descritas: un sonido desordenado pero melódico y muy propio de un grupo que acompaña su propuesta musical con toda una estética y narrativa ineludible para quienes han tenido la oportunidad de escucharlos tanto en estudio como en vivo. Así lo explica también Valentín Carvallo, o “Volentín”, como le llaman algunos amigos: “La F.A.M.E.H, que es el personaje con el que identificamos a la banda, es el ‘reproductor emotivo’ que sirve como vasija para las emociones transmitidas en nuestra música”, comenta.

Y es que la propuesta del conjunto transciende lo intrínsecamente sonoro. La portada del EP (diseñada por Pinky Violence y Nano) presenta a este personaje que, según añade Carvallo, “próximamente incluirá un cómic que detallará más el lore del proyecto”.

Sin embargo, no todo es música y arte. FAMEH es parte del colectivo 130decibeles, una productora audiovisual enfocada en la música alternativa, pero que también ha contribuido en la organización de eventos a beneficio de las comunidades afectadas por el megaincendio de Valparaíso en 2024, o que recientemente reunió fondos con una tocata pro Palestina. Pero partamos por lo básico:

¿Cómo surge el proyecto?

Diría que la banda comenzó entre Reinaldo (Astudillo) y yo, por ahí por noviembre de 2023. Primero me acompañó en mi proyecto solista, pero al final no resultó y a mí, en lo particular, tampoco me llenaba. Él me hizo entender otras cosas con este tipo de música y terminé aprendiendo sobre lo bello del hardcore, del emo y de cómo se genera la música desde la comunidad, y no solo desde el encierro personal.

FAMEH es una banda de post-hardcore que se mueve dentro de las estructuras dosmileras, ¿no? Pero también tiene harto de j-rock, aunque sin caer necesariamente en el preciosismo, sino que intenta mantener cierta crudeza. ¿Este sonido surge de forma natural o es algo planificado?

Cuando empezamos a vivir juntos con Reinaldo escuchábamos mucho screamo, emo y hardcore en general. Pero también escuchábamos harto j-rock. Entonces dijimos: “Ya, tengamos una banda así, que sean como canciones de animé”. Con el tiempo fuimos consolidando esa combinación de sonidos.

Publicaron primero dos sencillos que luego serían incorporados en Manual de Contención, Vol. 1, su primer EP. En estas seis pistas convergen varios sonidos y, lo más llamativo, es que cada instrumento –e incluso la voz– refleja distintas influencias. ¿Cómo es el método de trabajo del conjunto para lograr mezclar todos estos aspectos y darle forma a FAMEH?

Lo que más nos ha servido como FAMEH es poder trabajar en conjunto. Siempre alguien llega con una idea, pero lo que hacemos es componer entre todos. Vamos agregando cosas que nos gustan y probamos de todo; así no nos encasillamos ni llenamos de prejuicios las ideas. Es mejor simplemente experimentar. Además, todos los chiquillos componen, y eso hace que sea un trabajo integral. Para mí, eso es lo que realmente compone a una banda.

¿Y tu trabajo con la voz y las letras? La lírica del EP hace mucho hincapié en lo psicológico. El mismo nombre del EP remite a un tema de salud mental, ¿no?

Las letras vienen de poemas que escribo o de cosas que me hacen sentir algo. Particularmente, siempre intento volver situaciones personales en algo en donde todos se puedan sentir identificados. Como FAMEH no es un proyecto personal, intento que las letras tampoco lo sean: que no sea solo mirar hacia afuera para encontrar los problemas, sino también mirar dentro de uno y poder abrazar esas emociones. Toda emoción está permitida, todo dolor puede ser transformado.

De alguna forma, para mí las letras y canciones de FAMEH son un abrazo para lo que alguna vez me pasó, me pasa o me va a pasar, y si alguien se siente así, significa que también es un abrazo para esa persona. Sentir es revolucionario.

De igual manera, la performance de FAMEH en vivo es bien histriónica. Tú, sobre todo como frontman, tienes un carisma bien particular a la hora de interactuar con el público. ¿De dónde surge esto?

Nace de las escenas del hardcore: la cercanía, la energía, la catarsis y lo que me empuja el tema también. Tratar de extender lo que me provoca la música hacia el cuerpo es importante para mí: no es solo decir algo, es una declaración de intenciones, un testamento de lo que siento. A los chiquillos también los temas les remiten esa energía. Es bonito tocar a ras de piso, sentir a la gente cerca y crear comunidad.

FAMEH pertenece además al colectivo 130db. ¿En qué consiste esta labor?

La 130db nació de buscar un espacio para poder tocar. En ese entonces, con FAMEH siempre estábamos buscando dónde encajar o tocar, buscando más bandas del estilo, enfocado en el emo. Nuestra primera fecha fue con un montón de bandas del estilo –La Chica de las Camelias, Cuando el Problema no Existe, etc.– y justo pasó el megaincendio de Valparaíso. En vez de cancelar, decidimos hacer la tocata a beneficio de uno de los afectados.

Desde ahí la 130 empezó a mutar y hoy se enfoca en generar escena, abrir espacio a bandas nuevas, hacer instancias culturales y, sobre todo, comunitarias. Si bien sigue teniendo un enfoque en el emo, hemos hecho mucha amistad con la escena del rock alternativo. Hoy nuestra labor se ha expandido y hemos tenido la fortuna de rodearnos de buenas personas y de una escena increíble. La gente que va a las tocatas de la 130 tiene una vibra particular y especial.

¿Es importante el trabajo en conjunto en las escenas locales, sobre todo a nivel regional?

Sí, es súper importante. Y no solo importante, sino fundamental. Hoy en día nos acercamos más a los centros culturales, espacios que necesitan actividad y movimiento para seguir existiendo: Patio Sócrates, Casa de la Cultura, etc. Son espacios de resistencia, recuperados y ocupados, donde antes había abandono y ahora existe arte, educación y mucho más.

¿Cuáles son los próximos pasos? ¿Se viene el Vol. 2? ¿Hay algún LP en camino?

Ahora estamos en proceso de viajar tocando el EP. Tendremos una fecha en Rancagua y otra aquí en la región, todo gracias a esa misma red de gente que nos ha visto en vivo y que quiere que toquemos en sus ciudades. Eso nos llena de ganas, emoción y cariño. Sí, se viene el Vol. 2 y probablemente un LP para el próximo año. Todos estudiamos, así que lo haremos con calma. Además de alcanzar una mejor calidad de audio, planeamos algunos split y más material. Para nosotros, estos son solo los primeros pasos de lo que nos está sucediendo.

William Chevalier (Tiny Moving Parts): “las personas escuchan emo porque sienten que la música habla sobre ellos”

Por Fabian Escudero.

El baterista del trío que mezcla midwest emo y math rock  que debutará el próximo 9 de julio en Chile, realiza un balance a ocho meses de la publicación de Deep in the blue, su disco más reciente con una fuerte aproximación al pop punk, además de reflexionar sobre la evolución de su sonido.

Con siete placas bajo el brazo, Tiny Moving Parts, el trío originario del pequeño pueblo de Benson, Minnesota, ubicado en el legendario Medio Oeste
estadounidense, se prepara para debutar en tierras chilenas el próximo 9 de julio en compañía de los locales Invierno y Waterglass. Un debut esperado por los fans del emo y las decenas de subgéneros que la banda cultiva en una sólida discografía que dio su puntapié inicial en 2013 con el aclamado This Couch Is
Long & Full of Friendship (Kind of Like Records).

Aunque el trío compuesto por Dylan Mattheisen (guitarra y voz principal) y sus primos Matthew y William Chevalier (bajo y batería respectivamente) comenzó a tocar en un viejo sótano familiar en 2008, las tardes después de la escuela, las primeras composiciones no llegaron hasta varios años después, luego de que Mattheisen sumara a su repertorio de influencias (fuertemente cargado de clásicos del pop punk como Blink-182 o Green Day) algunas innovadoras propuestas del midwest y el emo revival, como American Football y Algernon Cadwallader. Y no es novedad para cualquiera que haya escuchado aquellos intrincados riffs en afinaciones alternativas y métricas poco convencionales, elementos insignes de dichos géneros musicales, a veces permeados por los salvajes y estridentes gritos con los que la banda entrecorta sus composiciones más agresivas, aunque sin perder la dulzura que les permite llegar a un público bastante amplio.

“Creo las personas escuchan emo porque sienten que la música habla sobre ellos”, comenta William en conversación con Sonidos Ocultos. El hombre detrás de las frenéticas percusiones de la banda se sincera sobre el proceso de grabación de Deep in the blue, su más reciente placa, la cual trae consigo un
sonido particularmente distinto al de sus predecesores, ofreciendo un resultado interesante y que no deja a sus fans indiferentes.

Han pasado casi ocho meses desde el lanzamiento de Deep in the Blue.

¿Cómo se siente escucharlo ahora, con algo de distancia?

Estamos muy orgullosos del resultado de este disco. La recepción, como siempre, ha sido mixta; hay gente que nos ha dicho que es nuestro mejor álbum hasta
ahora y, por supuesto, otras personas dicen que nuestro trabajo anterior es mejor.

Pero la verdad es que eso nos pasa con cada álbum que lanzamos, porque siento que nuestro sonido ha mutado tanto desde los dos primeros lanzamientos que
siempre habrá alguien diciendo que lo antiguo es mejor. Y, siendo honestos, eso está bien para mí, porque todavía tocamos nuestras canciones viejas y las
nuevas, así que podemos darles un poco de todo a nuestros fans.

Bueno, algo que llama mucho la atención en Deep in the Blue es precisamente la producción. Se siente más ajustada y pulida que en sus
trabajos anteriores. Incluso hay un componente pop más marcado que en discos previos. ¿Tiene que ver con la participación de Vince Ratti en la mezcla del disco? ¿Podrías hablar un poco sobre esa elección y cómo definieron la dirección sonora del álbum?

Mira, grabamos el álbum con Greg Lindholm, que ha estado a cargo de casi todo nuestro material, con la excepción de Pleasant Living (2014). Y claro, Vince Ratti lo mezcló, al igual que hizo con Celebrate (2016), Swell (2018) y Breathe (2019).

Creo que eso es todo. Nuestro álbum homónimo fue mezclado por Greg y por eso suena algo diferente. Finalmente, consideramos que Vince sabe cómo hacer que
nuestro sonido se sienta más energético y “lleno”, así que volvimos con él y creo que, hasta ahora, es el álbum que mejor suena.

Sí, adicional a eso, Will Yip lo masterizó, y la suma de todos esos talentos que llevan años trabajando y haciendo tantas cosas en la escena emo-punk permitió
que sonara tan genial.

De hecho, escucho, particularmente en este disco, mucha influencia del disco homónimo de Blink-182, especialmente en la producción.

Oh, sí, definitivamente.

Nosotros amamos ese disco de Blink-182. Y Blink-182 es, además, una de nuestras influencias más grandes en general; crecimos escuchándolos y tocando sus canciones. Y respecto a la producción del disco, quisimos que sonara más limpio, pero también queríamos que tuviera ese “empuje”, ¿sabes? Sí, siento que es similar al sonido del homónimo de Blink-182.

Bueno, así como en su música uno puede escuchar las influencias de bandas predecesoras, ¿ustedes han podido escuchar en bandas más
jóvenes la influencia de TMP?

Oh, sí. A veces pasa que alguien sube un cover de alguna de nuestras canciones en guitarra y son increíbles. Es genial ver que hay gente que nos escucha desde
tan lejos y están aprendiendo con nuestras canciones y todo. Y normalmente esas personas tienen alguna banda y dicen que son influenciados por Tiny Moving
Parts. Me parece genial.

Respecto a las letras… Es Dylan quien las escribe, ¿cierto? ¿Tú y Matthew no colaboran en ese apartado de repente?

Dylan es el principal letrista, pero nosotros ayudamos con pequeños pedazos aquí y allá. Si estamos en el estudio y hay una parte instrumental, a veces Dylan dice
algo como “deberíamos decir algo aquí, pero no tengo nada escrito”, así que nos ponemos a tirar un par de ideas relacionadas con la temática de la canción.

Entiendo. Bueno, en ese sentido, ¿podrías contarme más acerca de la “profundidad del azul” de la que hablan en este álbum? Ya que desde el principio la banda ha abordado frecuentemente temas como la salud mental y la depresión. ¿Cómo ha expandido este álbum el foco en eso?

Creo que tiene que ver con el sentimiento de estar deprimido y estancado. Es como eso de estar en un rincón y no poder salir de ahí. Así que el disco, en el
fondo, explora eso, sumado a cuando te sientes sin ayuda y que no hay nada que puedas hacer para salir de allí: profundamente sumergido y atrapado en la
profundidad del azul (o sea, la tristeza).

¿Por qué crees que esta música conecta tan fuertemente con las personas?

Creo que una gran parte de por qué tantas personas escuchan música emo es porque sienten que la canción es sobre ellos. Es una sensación muy identificable.

La música de TMP es bastante técnica. Siempre está acompañada de riffs complejos, cambios de métrica, etc. Sin embargo, ustedes logran incorporar todos estos elementos sin perder lo emocional de las canciones. ¿Cómo balancean esas dos partes? ¿Qué es lo más importante para ti cuando escriben canciones nuevas?

Bueno, cuando Dylan nos envía algún demo, muchas veces no tiene letras. Así que creo que eso nos ayuda a asegurarnos de que sea interesante musicalmente
en primer lugar. Ya cuando llega el momento de hacer las voces, queremos que sean interesantes también. Así que creo que ponemos el esfuerzo en ser
atractivos, ya después de haber escrito una canción técnicamente interesante.

Creo que, a fin de cuentas, se podría decir que son dos procesos diferentes, pero igual de importantes, que permiten dos maneras distintas de escuchar la misma
canción.

Finalmente, ¿qué están esperando para su primer viaje a Latinoamérica y específicamente a Chile?

Oh, particularmente estoy muy interesado en aprender sobre la cultura y probar comida que nunca he comido antes. ¿Qué comidas de Chile debería probar?

Hay muchas comidas locales que deberían probar. Los completos son esenciales… que es como un hot dog, pero con palta, mayonesa y tomate. Es realmente como un tesoro nacional. Además de las empanadas… Oh, sí he comido empanadas.

¿Vino?

No soy mucho del vino, pero lo probaré por la cultura.

¿Piscola? Que es pisco, un destilado local, con Coca-Cola.

Definitivamente probaré eso.

 

Celso Garcés (Timecode) » Creo que es el trabajo mas desarrollado que he logrado crear hasta ahora»

Texto y fotos por Rodrigo Damiani @SonidosOcultos

Sonidos Ocultos este año cumple 15 años, por lo mismo vamos a comenzar una gran gama de entrevista a diversos artistas chilenos que al igual que nuestra plataforma lleva luchando por la escena del rock y el metal en Chile, por lo anterior este ciclo de entrevistas lo comenzaremos con Celso Garcés, guitarrista y fundador de la agrupación Timecode, banda de metal chileno que tiene 30 años de vida, cinco discos de estudios siendo el ultimo lanzado «La Ruptura Del Equilibrio» (2025). Destacar que este disco esta hecho en un ciento por ciento en español. De esto y mucho mas a continuación en la siguiente entrevista oculta….

Muy buenas tardes Celso, gracias por darnos un tiempo para conversar antes del lanzamiento oficial  en vivo del nuevo  disco en MIBAR (28 febrero). Para quienes los conocerán por primera vez , ¿De dónde nace el nombre del grupo.

Celso: El nombre salió aproximadamente el año 1999 cuando hicimos una transición de nombre de banda. Buscando uno que se acercara mas al estilo en cuanto a las letras y a la música que estábamos desarrollando en ese momento. Hablando con cosas relacionadas con las emociones humanas y señalando que estábamos bien pegados con Hypocrisy. Bien pegados con las emociones humanas en las letras y otros aspectos mas modernos de viajes espaciales y con la temática alienígena . Se instauro cuando Fernando propuso  este nombre y realmente quedó para siempre. Partimos el primer álbum y no  hemos parado mas. 

30 años de trayectoria, quinto álbum de banda.  ¿ Por que quisieron hacer este nuevo disco completamente en español ?

Celso: Por que en lo personal sentía que ya había alcanzado ese punto donde el metal ya no tiene que ser sólo en inglés, en los 90 quizás era un requisito para el estilo , por tendencia o como quieras llamarlo .En Chile todos cantaban en inglés. Ya en la actualidad lo sentí realmente innecesario, ya que hoy en día no hay que enfocarse en tendencias o en una convicción que ya no tiene mucho peso dentro del trabajo que hacemos nosotros. Lo conversamos entre todos  estuvimos de acuerdo. Sin dudas era el momento de hacer un trabajo con el idioma nativo y darle el sentido de lo que queríamos expresar como banda en forma clara  y precisa.

Con respecto a este nuevo álbum,  ¿ Cual era el concepto que como banda querían compartir ?

Celso: . La verdad es que el trabajo en sí tiene un concepto que queríamos desarrollar con mayor profundidad con respecto a las enfermedades mentales y todo este mundo que gira entorno a los lugares donde se tratan dichas enfermedades y todo lo que este mismo mundo conlleva entre si. Lo que queríamos transmitir era mostrar lo que veníamos arrastrando. me puse a leer con respecto a este tópico que me llama mucho la atención y que se adecua con lo que hacemos musicalmente hablando.

 Desarrollé una historia enfocada en los años 70 entorno a  estos lugares psiquiátricos enfocándome en como las personas llevaban su tratamiento adelante. Desarrolle la historia de tal forma que fuese una secuencia lógica de principio a fin, donde  la música esta desarrollada en forma continua. Creo que es el trabajo mas desarrollado que he logrado crear hasta ahora.

¿ Cuanto tiempo se trabajo este álbum, recordando que su último disco de estudio fue lanzado por allá en el año 2018?

Celso: Aunque suene medio cliché  nos enfrentamos a la pandemia y al estallido social y al encierro. Esto llevo una reestructuración del proyecto. Se reincorporo el primer vocalista de la banda entre otras situaciones. Todo esto permitió desarrollar el álbum con calma y tranquilidad. El año 2021 y 2022 fue el proceso de composición y grabación por allá hasta el 2023.  En resumen ocupamos todos los tiempos de encierro para poder elaborarlo con tranquilidad.

¿ Están satisfechos con el resultado de este quinto disco de estudio «La Ruptura Del Equilibrio»?

Celso: Absolutamente conforme. Siempre ligado a dificultades propias del proceso. Sin dudas cuesta harto empujar e ir sorteando las dificultades para realizar trabajos. en nuestro caso fue todo de manera independiente, pensando en como lo desarrollamos estamos muy satisfechos con el resultado final. . Ojalá a la gente le guste. El disco finalizó su composición el 2022 para ser grabado desde el 2023. Pero fue finalizado recién en septiembre del 2024.

¿ Con respecto a los detalles técnicos del disco que nos puedes señalar?

Celso: La batería se grabó en el estudio Santuario Sonico, siempre comandado por Igor Leiva. Todos lo demás instrumentos se grabaron en Atomic Noise el estudio del mismo Igor  Leiva quien  se hizo cargo de toda la parte de producción.  Yo también metí un poco de mi cuchara en cuanto a la producción pero fue Igor quien llevo mas la batuta.

La portada estuvo a cargo de Eliseo Peña , que es un tremendo amigo de la banda y excelente musico. Parte de  la banda Fauna Abisal, el capturó todas las locuras que se me ocurren con bosquejos bien infantiles que el toma y desarrolla entregando todo su profesionalismo. La idea es traspasar visualmente lo que se esta escuchando. Eliseo deja muy bien el nivel con este arte, siendo muy importante en su significado. Estamos muy satisfechos con este trabajo.

Hartas bandas ocupan IA para crear portadas y nueva música.  ¿Qué opinas tu al respecto . En la incursión  de la IA en la escena musical independiente ?

Celso: Me lo han preguntado varias veces. yo en lo personal no he tenido la necesidad de utilizar esto. Aun creo en el trabajo personalizado en humanizar este tipo de trabajos . Cada banda tendrá su propia visión al respecto,  pero a nosotros tanto en lo musical como en grafica tratamos de humanizar lo que mas podamos, eliminando estos procesos mas ficticios.  todo esto para evitar la máquina y que prevalezca lo humano. De hecho en las letras y en el mismo diseño de la portada esto se ve reflejado. Nuestro trabajo no está para que la IA pueda desarrollar nuestras ideas y enfoque.

Con respecto al nuevo disco, ¿Algún tema favorito y por qué ?

Celso: Fíjate que el tema que que menos me gustaba cuando lo hice fue «Entelequia» el sexto track del disco. Lo hice pero realmente no quede conforme cuando lo compuse, no así cuando empezamos a elaborarlo y a grabarlo. En ese momento lo encontré extraordinario. Fue el que mas me sorprendió en su resultado siendo un tema muy intenso y  que logra además incorporar ciertos elementos que no había hecho en otros temas, en cuanto a disonancias y a la  misma composición. El resultado fue sorprendente.

Con respecto a las fechas en vivo para mostrar este disco que nos puedes contar

Celso: Por ahora solo este viernes en Mibar junto a The Traumatic Noise (Rancagua). Vamos a tocar el disco completo, vamos a traer el disco íntegramente rompiendo todos los esquemas de nuestras fechas en vivo. al ser un disco continuo estará muy entretenido de interpretar. Los invito a todos a asistir a un show sin precedentes como banda.

¿ En que formato estará este disco?

Celso: En digital por ahora en todas las plataformas de streaming respectivas. El viernes estará en CD junto con el merch respectivo, poleras y otros regalitos.

¿ Por qué crees tu que al metalero chileno puede gustarle este disco?

Celso: Realmente difícil tu pregunta ya que es muy completo entrar a la mente del metalero nacional .La invitación que le haría la gente que vea como esta hecho el disco en su totalidad , viendo la continuidad y el concepto global del disco. Escuchen el disco y traten de seguir la historia. La letras pronto estarán disponibles para todos. Creo yo que estamos entregando un producto para que la gente sienta la atmósfera y que perciba esta oscuridad, que se envuelva con lo inquietante de la música. 

¿ Donde la gente se puede contactar con ustedes?

Celso: Desde nuestras redes sociales o al correo de la banda. Puedes escribirnos al IG @TimecodeChile y nos encontraran de inmediato.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Marko Laiho (Beherit) «Si no hacemos conciertos ahora, probablemente nunca lo hagamos» (2025)

Por Lukas Arias.

Marko Laiho, fundador de la agrupación de black metal finlandesa Beherit, nos contó detalles exclusivos de su próximo show en Chile, su música y vida como artista en las siguientes líneas  por Sonidos Ocultos.

¿Cómo estás? ¿Cómo te sientes casi dos meses después de tu debut en Chile y en Latinoamérica en general?

Marko: Bien, gracias. La banda está realmente emocionada de tocar en Chile y Santiago. Será mi primera vez en Sudamérica.

¿Estás emocionado?

Marko: Sí, sí, por supuesto que estoy emocionado porque sé que tenemos muchos fanáticos en Sudamérica y en Chile, especialmente en Santiago, porque estuve viendo las estadísticas.

Hablando de eso, ¿por qué ha pasado tanto tiempo sin que los tengamos en Latinoamérica? Ha sido mucho tiempo, y muchas personas, incluidos amigos, han querido verlos actuar algún día. ¿Estaba en sus planes visitarnos en algún momento?

Marko: No, no teníamos planes de nunca volver a tocar en vivo. Pero hace dos o tres años, empecé a hablar con los chicos y les dije: “Oye, ya estamos bastante mayores, ya pasamos los 50 años. Si no hacemos los shows en vivo y los conciertos ahora, probablemente nunca lo haremos”. Y tal vez, sí, creo que fue solo una oportunidad que surgió a través de Yosuke, quien organizó nuestro show en Osaka, Japón. Y fue increíble. Estaba completamente lleno, con entradas agotadas y mucha gente por todos lados. Fue fantástico. Entonces decidí que realmente quería tocar más para nuestros fanáticos y también venir a Sudamérica, porque es un viaje muy largo para que los fanáticos de Sudamérica vayan a Europa a vernos. Así que esa es la razón por la que Beherit viene a Chile y a Sudamérica, para tocar para nuestros fanáticos y agradecerles el apoyo que nos han dado todos estos años.

Como dices, es una gran sorpresa para ti saber que tienes la oportunidad de tocar aquí. ¿Alguna banda de la misma escena te ha dicho: ‘Oye, mira a esta gente, están locos’? Porque muchos músicos dicen que los fans chilenos son muy apasionados. ¿Alguien te lo ha mencionado?

Marko: Sí, sí, he escuchado que hay un gran público, especialmente en Santiago. Cuando empezamos a planear venir a Sudamérica, por supuesto que Brasil, en São Paulo, era una opción, pero Santiago también estaba ahí. Definitivamente queríamos venir a Santiago porque he escuchado buenas historias de bandas que han tocado allí.

¿Has tenido la oportunidad de conocer o escuchar bandas de metal chilenas o latinoamericanas, ya sea black metal o metal underground?

Marko: Sí, por supuesto, porque ya hacía intercambios de cintas a finales de los 80. Tenía una gran colección de demos, ensayos y presentaciones en vivo de Sudamérica y Chile. De hecho, hicimos un split EP con Death Yell en 1991 o algo así. Muy temprano. Y, por supuesto, recuerdo a Pentagram y Sadism.

La imagen promocional de la gira en Sudamérica tiene el diseño de su último álbum en vivo. Como han lanzado grabaciones en vivo de otros países antes, ¿tienen planes de grabar algún álbum en vivo o quizás una canción de la gira en Latinoamérica?

Marko: Oh, bueno, ya veremos. Esto solo fue una experiencia para hacer un álbum en vivo. Pero sí, no tenemos planes concretos. Aunque solemos grabar muchas cosas, ya sea en vivo, ensayos o en casa. Tengo muchas grabaciones. Así que, sí, podría ser una buena idea.

Hablando de su música, algo que llama mucho la atención es el mensaje que quieren transmitir con álbumes como el último. “WBRR”. ¿Es solo un sonido o tiene otro significado?

Marko: Sí, significa “World Breaking Records”. Es mi sello discográfico. No es realmente un proyecto de Beherit, es mi proyecto en solitario porque me gusta mucho la música industrial, el noise y la música japonesa. Me encanta ese estilo. Quería hacer mi propio vinilo porque después de muchos años sin una fábrica de prensado en Helsinki, mis amigos abrieron una. Así que fue un enfoque personal. Una edición muy limitada.

Claro, éste álbum y “Electric Doom Synthesis” mantienen una atmósfera oscura y mística, pero se alejan del sonido tradicional del black metal de sus canciones más conocidas. ¿Qué te llevó a este camino experimental? ¿Es cierto que te cansaste del metal?

Marko: Siempre he escuchado música experimental, incluso antes de Beherit. Bandas como Coil, Psychic TV, Skinny Puppy. Siempre ha estado ahí. Hago diferentes proyectos. Algunos son metal, otros son ambient, noise, experimental. Todo depende del momento y de cómo quiero expresarme. Y no me importa. Trabajé en una tienda de discos durante muchos años en Spinefarm, en Helsinki. Escuché muchos estilos diferentes de música. Honestamente, dejé de escuchar metal en 1992.

¿Entonces no sigues la escena actual?

Marko: Cuando escucho metal hoy en día, son los mismos discos antiguos de Slayer, Possessed y Celtic Frost. No sigo la escena actual porque hay demasiadas bandas, cientos o miles de bandas nuevas. Estoy totalmente desconectado de cualquier material nuevo.

Entiendo. ¿Has escuchado alguna banda reciente, de los últimos cinco años?

Marko: No. No recuerdo la última vez que escuché algo nuevo que me gustara. Realmente no sé qué está pasando en la escena actual.

Entonces, ¿escuchas lo mismo de siempre?

Marko: Sí, probablemente solo cinco álbumes. Escucho mi propio material también. Pero sí, puedo nombrarlos: Coil, Psychic TV, Skinny Puppy, como los mencioné antes. Probablemente esos tres y ya. No necesito un catálogo enorme. Me quedo con lo viejo, lo disfruto y me relajo.

Para finalizar, ¿cuáles son sus planes después de visitar Latinoamérica? ¿Tienen alguna otra gira o proyecto en el futuro?

Marko: Regresamos a Europa, tocamos un pequeño concierto en Italia y luego vamos al Mystic Festival en Polonia. Después de eso, tomaremos tres meses de descanso.
Luego, en septiembre, haremos una gira por Norteamérica. Y eso es todo. No haremos más conciertos.

Entiendo. Bueno, gracias por la entrevista. No tengo más preguntas. ¿Puedes enviar un mensaje a tus seguidores en Chile?

Marko: Sí, tengo muchas ganas de verlos allí.

Perfecto. Gracias, Marko.

Marko: Gracias.

Gabriel Hidalgo: “Este año grabaremos nuestro primer disco en vivo”

Por Meryth Smirnoff.

Foto Rodrigo Damiani @SonidosOcultos.

En un adelanto exclusivo para Sonidos Ocultos de su próximo show en vivo y la noticia de la grabación del mismo en formato extendido, el connotado guitarrista nacional Gabriel Hidalgo nos habló sobre el reconocimiento recibido como Mejor Banda de Metal 2024 en los premios Pulsar y sus proyectos futuros, entre otras cosas. A continuación todos los detalles:

Debo comenzar por preguntar, ¿Cómo fue para ustedes el proceso de postular y finalmente, ganar el premio Pulsar a mejor banda de metal 2024?

Esta era la tercera vez que postulamos al premio. La primera vez fue cuando sacamos el tercer disco «Lancuyen» y no quedó nominado siquiera. La segunda vez quedamos nominados con el Kelmuya y ahora la tercera vez quedamos nominados ¡y ganamos! Creo que es super importante la constancia, porque muchas veces sucede en estas instancias que uno se desmotiva cuando no gana, pero en el caso nuestro siempre hemos mantenido una actitud de hacer lo mejor que esté a nuestro alcance y se agradece cuando uno cumple ciertas metas como esta. Quedamos super contentos y hemos disfrutado mucho el reconocimiento.

¿Crees que tienen algún valor agregado ganar este tipo de premios, más allá de la prensa y todo lo mediático que hay detrás de todas estas ferias?

Creo que el valor que tiene el premio está super ligado al valor que le des tú mismo, ya que aparte del galardón mismo, uno no recibe mucho más. Sin embargo, está en manos de uno mismo usar ese momento y plataforma temporal que se genera para convertirse por un rato en una suerte de embajador del género, ya que justamente en ese momento es cuando empiezan a caer entrevistas de medios que no tienen mucha idea de lo que hacemos y eso es una oportunidad para uno poder explicar y mostrar lo que hace. Creo que sirve para desmitificar un poco la visión que pueden tener algunas personas de afuera donde quizás creen que uno se dedica sólo a carretear y tomar.
También tengo que destacar que el premio sirve como una inyección de moral a toda la banda. Llevamos tocando desde el 2006 aproximadamente y después de todo este tiempo, se siente bien que un ente externo pueda destacar el trabajo que estás haciendo

Con tus otros proyectos, como con Sadism, has realizado presentaciones en el extranjero, ¿Por qué con Hidalgo aún no han decidido viajar a algún festival fuera del país?

Yo creo que como todos participamos en distintas bandas cuesta un poco sentarnos y decir “Ya, este año vamos a viajar afuera”. Además, significa una inversión de plata importante y en general, salir a tocar afuera se convierte en algo anecdótico si no es una cosa sostenida en el tiempo. A que voy con eso, las bandas que deciden girar y tocar afuera lo ideal es que lo hagan de manera continua, no sé si todos los años pero que exista esa periodicidad, entonces yo no sé si realmente con Hidalgo tengamos los tiempos y las agendas; así como la espalda financiera, para poder mantener ese ritmo constante. Todos hemos vivido esa experiencia por separado con nuestros otros proyectos, por lo que ahora no es una prioridad. Obviamente si nos invitaran a un festival como el Prog Power en Atlanta o algo así, sería una experiencia muy interesante para nosotros sobre todo porque esta alineación está muy cohesionada lo que nos permite pensar en ese tipo de proyecto.

Hablando de esta nueva formación, la cual da vida al disco Agnicayana, ¿Sientes tú que la incorporación de Angie y esta nueva cohesión que se formó entre los cuatro ha impulsado nuevos desafíos en tu música? ¿Son ellos parte de las decisiones al momento de crear nuevas canciones?

Va a sonar super conveniente si digo que esta formación es la mejor formación que ha tenido la banda, pero sí puedo decir que con esta formación han sucedido muchas cosas y eso es innegable. Desde 2019, con la incorporación de Braulio Aspé en bajo y Angeline Bernini en voces se generó una cohesión super notable. Más encima hay que destacar el hecho de que Angie es productora musical y además audio visual, por ejemplo ella se encargó de la mezcla de este disco (los 2 discos anteriores los había mezclado yo) y eso justamente permitió aliviarme de cierta carga mental respecto al disco. No conforme con eso, ella también realizó el videoclip para el tema «Garuda» , lo cual también es todo un hito para nosotros.

Desde el tercer disco de la banda es que yo he adoptado una metodología más tipo taller para armar las canciones. Si bien yo sigo dirigiendo todo el proceso, recurro mucho a lo que pueda aportar cada músico. Por ejemplo, en el caso de la batería, yo ya no programo ninguna batería en el computador, si no que más bien le digo a Pablito qué tipo de ritmo se me ocurre, pero siempre abierto a las propuestas que pueda entregar él. Creo que de esta forma se generan canciones más interesantes y además cada músico se siente más perteneciente a la canción.

Y a raíz de eso, ¿Cómo definirías la evolución del proceso compositivo de Hidalgo a lo largo del tiempo?

Bueno, yo partí componiendo desde la base rítmica, es decir, armaba una batería y un bajo y sobre eso iba construyendo la canción, pero esa forma de componer siempre te lleva a un resultado similar. A través de los años he ido cambiado ese proceso, a veces parto desde la progresión de acordes o ahora más recientemente, por ejemplo, con Violent Passion Surrogate agarramos el sonido de una máquina como una excavadora o un resonador magnético y lo convertimos en canción.

¿Cuál fue la inspiración de su último álbum y en que se basaron para crear el arte visual que lo acompaña?

Musicalmente, este álbum siento que recoge elementos de todos los discos anteriores, sobre todo el elemento melódico. Resulta que desde el 2014-2015 que yo uso una afinación muy diferente para la guitarra (OpenC) y si bien eso ha ayudado un montón con el tema de los acordes que se pueden generar, es super complicado para armar melodías con la guitarra. Es por lo que el Kelmuya (2019) es súper ambiental y cargado a los riffs. Afortunadamente ya en este punto llevo aproximadamente 10 años usando esa afinación y por fin siento que puedo expresarme más con las melodías y solos, los cuales están incluidos en este nuevo disco.

En cuanto a las temáticas, este álbum se concentra en el hinduismo, tales como sus dioses y conceptos sobre la circularidad del tiempo. Si bien desde hace varios discos veníamos recogiendo el tema latinoamericano y las culturas originarias, me parece que el concepto se ha saturado un poco y mi tendencia natural es querer alejarme un poco. Ojalá no me malinterpreten, ya que me encanta que haya bandas que puedan integrar elementos de la música latinoamericana y culturas indígenas, pero yo personalmente siempre voy a tratar de encontrar algo que pueda diferenciarse de la tendencia del momento.

¿Quién dirías tú que es tú mayor ídolo si pensamos en guitarristas de todos los tiempos?

Yo creo que va a depender de las épocas, pero probablemente uno de los guitarristas que más me inspiró cuando estaba empezando a aprender era Jason Becker, porque es extremadamente talentoso y su historia es súper trágica, pero a la vez inspiradora lo que me motivó a aprovechar más el tiempo porque en el fondo te deja sin excusas para no aplicar con lo tuyo.

También debo agregar la primera visita de Paul Gilbert a Chile el año 98, donde pude ver en primera persona a uno de los llamados «virtuosos» de la guitarra eléctrica. Claramente fue un punto de inflexión para mí.

¿Y en la actualidad?

Hoy en día yo diría que Spinetta, Robert Fripp (King Crimson), Pat Metheny,Fredrik Thordendal (Meshuggah), Geordie Walker (Killing Joke), Justin Broadrick (Godflesh), Mattias ‘IA’ Eklundh (Freak Kitchen) y Devin Townsend. Todos ellos marcan harto de lo que yo hago, pero cada vez más puedo ir distinguiendo lo que es mío de lo que es prestado o influenciado por ellos.

¿Existe algún músico chileno que tu consideres referente importante dentro del mundo de las guitarras?

Si hablamos de la guitarra eléctrica instrumental en Chile, es imposible no mencionar el trabajo de Alejandro Silva. Él básicamente fue el primero que se atrevió a un proyecto musical de esta naturaleza y de alguna forma fue pavimentando el camino para otros músicos como Claudio Cordero, Benjamín Lechuga, Gonzalo Sanhueza, yo y varios más.

Volviendo a Hidalgo, ¿Viene algún nuevo proyecto en el futuro cercano ya sea nuevo álbum o alguna presentación importante para ustedes?

El proyecto más ambicioso que nos queda para este año es hacer la grabación de nuestro primer disco en vivo. Esto se llevará a cabo en la sala SCD Plaza Egaña el día 26 de octubre a las 17.00 horas. Será un show de larga duración donde haremos un repaso de toda nuestra discografía y además tocaremos canciones que jamás hemos montado en vivo. Por si fuera poco, también vamos a agregar un segmento unplugged, que sólo lo han visto las personas que asistieron a los shows acústicos de Soen y Paul Masvidal el 2023 y 2024 respectivamente.

Finalmente, Sonidos Ocultos estará cumpliendo 14 años desde su creación, ¿Podrías enviar un saludo a todos los lectores que nos han acompañado en este viaje musical y aprovechar de invitarlos al próximo show de Hidalgo?

Los felicito por llevar todo este tiempo dedicado a difundir la música que se hace en este país. Yo sé que a ratos ser un medio independiente tiene momentos super ingratos y por ello tienen todo mi respeto. ¡Qué sean muchos más! ¡Nos vemos el 26 de octubre!

Adam Janzi de VOLA: “Tocar en Chile es como un caos en el buen sentido”.

Por Meryth Smirnoff.
Fotos Rodrigo Damiani @SonidosOcultos.

El próximo 6 de abril se celebrará en el Teatro Caupolicán la segunda versión del festival de Metal Progresivo, CL Prog. el cual contará con la presencia de bandas de distintos países como Riverside (Polonia), Mono (Japón), VOLA (Dinamarca),Orphaned Land (Israel), Gong (U.K.) y Octopus (Chile) gracias a Stgo Fusion.

Pudimos conversar en extenso con Adam Janzi, baterista de la banda danesa VOLA y esto fue lo que nos dijo:

Hola Adam, ¿Cómo estás? Muchas Gracias por esta entrevista.

Muy bien y a ti ¿Cómo te va?

Todo muy bien, gracias. Adam, por lo que tengo entendido hace poco terminaste de grabar la batería para todos los temas del siguiente álbum de VOLA, ¿Qué me puedes contar sobre este nuevo disco?

Sí, así es. Para este álbum ya hemos lanzado nuestro primer sencillo “Paper Wolf” y me emociona mucho ya que lleva la música de VOLA hacia una nueva dirección, por decirlo de alguna manera es algo mucho más emocional. Hemos decidido ampliar un poco el sonido de Witness profundizando aún más en las diferentes historias de cada canción y creo que es un poco más sombrío y melancólico; en ciertos aspectos se torna oscuro y en otros esperanzador. Estoy curioso por ver hacia donde va el álbum una vez que se estrene.

¿Ya hay fecha de estreno para este nuevo trabajo?

No, nada público todavía, pero tendremos muy pronto algunas novedades para todos acerca del disco, pero aun no puedo decir qué es.

Hablando del sencillo “Paper Wolf”, es una canción realmente pegadiza que comienza con mucha sonoridad electrónica y tiene muchos aspectos técnicos en el desarrollo de la canción. ¿Cómo crees que fue la aceptación del público en general a esta nueva vereda musical?

Creo que ha sido muy buena, la gente es muy comprensiva al escuchar nuestra música, no son tímidos a la hora de demostrar su apoyo y amor por lo que hacemos, y para mí esa es una de las mejores partes de esto. En cuanto a la batería también recibí mucho apoyo, así que eso fue súper genial de ver.A veces me gusta ver, los diferentes canales de reacción en YouTube para ver la reacción inicial que recibe la gente a una canción y después de haberlo visto para “Paper Wolf” puedo más o menos saber como han recibido la canción esas personas.

Así que ha sido muy bueno y me emociona la idea de ver como reacciona la gente ante las otras canciones del álbum porque será un poco diferente. En el caso de “Paper Wolf”, puedo decir que es un tema de transición entre Witness y lo que haremos en el nuevo álbum, mientras que las demás canciones serán algo diferente.

¿Y cómo describirías el proceso creativo del disco? ¿Siempre graban por separado los instrumentos?

No. Cuando escribimos las canciones, lo hacemos principalmente en línea porque yo vivo en Suecia y ellos viven en Dinamarca lo que requiere un poco de viaje, pero también funciona bien para nosotros hacerlo de esta manera. Luego, a veces, nos reunimos y componemos juntos.

Luego, cuando grabamos, por lo general grabamos primero la batería y posterior a eso entramos en el estudio. Esta vez fue en el estudio de Jacob Hansens en Dinamarca quien ha grabado con bandas como Volbeat, Arch enemy, Amaranth y un montón de otras bandas geniales, así que en este lugar grabamos la batería con toda la banda presente para dar su opinión de que tal iba sonando mientras yo tocaba. Después de eso se graban guitarras, bajo y voces, pero lo hacen por su cuenta, quizá bajo y guitarra lo hacen a veces juntos, pero en general es así como lo hemos estado haciendo siempre.

Y en cuanto a las letras, ¿Toda la banda contribuyó en estas o solo una persona escribió todas letras del álbum?

Solo una persona escribió las letras, Asger, quien canta en la banda y pienso que de esa manera funciona mejor porque obtienes la versión de una sola persona y no tienes “Demasiados chefs en la cocina”.

Muchos Volatiers en Chile me han pedido que te pregunte ¿Qué significa la palabra VOLA y porque decidieron ponerle ese nombre a la banda?

Esa es en realidad una buena pregunta y es una pregunta que es divertida de responder porque se relaciona con nuestro sonido. VOLA proviene de la lengua latina para hacer referencia al vuelo o a volar. Creo que al comienzo de la banda hace muchos años atrás, uno de sus creadores que ya no se encuentra en la agrupación, estaba pensando en el idioma italiano cuando eligió el nombre, pero al final todas las lenguas latinas tienen este mismo significado y queríamos que esta sensación se transmitiera en nuestra música, especialmente en los estribillos en donde la canción se abre y pareciera que vuelas un poco o sientes como si la música te llevara a volar, así que eso, en esencia, es lo que significa VOLA, es como una insinuación hacia la sensación de liviandad.

Cada uno de ustedes tiene diferentes gustos musicales, por ejemplo, a Martin le gusta la música electrónica, Asger es más fan de bandas como Meshuggah,¿Cuáles serían tus inspiraciones para crear música hoy en día?

Me gustan muchas cosas diferentes, pero hoy diría que me ha gustado, ya por los últimos años, la música un poco más oscura como lo que hace Chelsea Wolfe ,siempre la nombro porque me gusta bastante, pero también está una de mis bandas favoritas que es Korn y también Metallica, por supuesto. Tenemos una lista de reproducción de Spotify donde agregamos cada mes canciones que nos gustan a cada uno y ahí agregué a una banda llamada Bab L´Bluz que es algo así como Blues del Medio Oriente lo cual es muy interesante, así hay un poco de todo y como mencioné Italia hace un rato, por supuesto Lacuna Coil también es uno de los favoritos.

Y si tuvieras que definir el sonido de VOLA en una sola frase, ¿Cómo sería?

Normalmente respondería lo que ya hablamos del nombre y la sensación de volar, pero si solo fuera una frase que describiera nuestro sonido sería una mezcla entre Meshuggah y Depeche Mode.

Cambiando de tema, ¿Qué es lo que más recuerdas de la primera vez que tocaste aquí en Chile?

Son muchas cosas, fue súper cool. Fue la primera vez que estuve en Chile, la primera vez que estaba en América Latina y la primera vez que tocábamos ahí. Recuerdo que la multitud era muy, muy intensa, cálida y acogedora. El apoyo que realmente recibimos nos demostró que nos aman, lo cual es increíble.

En esa ocasión, Martin me dijo que el público chileno era muy, muy ruidoso. Desde tú perspectiva ¿Cuál es la principal diferencia con el público europeo, por ejemplo?

Va a depender del lugar de Europa en el que estés porque si vas al sur en donde tienes los países más latinos de Europa como Francia, Italia, España y Portugal, tendrás un clima más cálido que se refleja en el público con multitudes más ruidosas e intensas. Chile es eso, pero amplificado. Por otro lado, si vas al norte de Europa, que es de donde somos nosotros, el clima es mucho más frío y se transmite en la forma en que se expresa la gente, aquí aplauden y algunos gritan un poco, pero eso sería todo. En Chile es como si fuera un caos en el buen sentido.

Cuando tocaron en Chile, lo hicieron en un recinto pequeño y acogedor, pero en este nuevo show lo harán para el CL Prog. en el Teatro Caupolicán que es enorme y además, compartirán escenario con Riverside, MONO, Gong y Orphaned Land, ¿Cuáles vendrían siendo tus expectativas sobre este festival?

Me da muchísima curiosidad por saber como será conseguir realizar el show ante una multitud chilena mucho más grande. Definitivamente espero con ansias ver el mismo tipo de intensidad y calidez, y espero que Martin quedé aún más impresionado de lo ruidoso que es jajajaja.

La verdad es que estoy muy emocionado de ir, va a ser muy genial. Además, me gusta mucho la cultura social en general, parece que la gente es muy abierta y es realmente distinto a como vivimos aquí, lo que es siempre bueno de explorar.

¿Y qué pueden esperar los Volatiers chilenos del espectáculo? ¿Habrá sorpresas?

Por lo general, cuando tocamos en shows en los que somos los músicos principales hacemos un Meet & Greet con los Volatiers, pero como ahora es un festival se hace un poco más difícil organizar algo así por lo que es probable que no lo hagamos. Lo que intentaremos hacer en Chile es al menos documentar todo el viaje, todo lo que vaya pasando, detrás de escena y todo eso para poder compartir nuestra experiencia y ojalá la próxima vez que regresemos a Chile podamos hacer un show principal y así poder tener este encuentro con los Volatiers chilenos como lo haremos en México en donde si podremos hacerlo en esta ocasión ya que al ser un show principal tenemos más control sobre el horario, el lugar, nuestra agenda del día, pero en un festival es más difícil porque son varias bandas lo que hace que todo sea más rápido.

De todas formas, siempre intentamos pasar un rato con los fans para poder conocerlos, incluso si se trata de festivales, por lo que estoy seguro de que algo podremos hacer. Nos gustaría disfrutar del festival y ver a las otras bandas desde la multitud, eso nos da la oportunidad de conocer a algunos de los fans, tomarnos algunas fotografías y firmar algunas cosas, simplemente pasar el rato y conocer a los fanáticos chilenos. Creo que sería una lástima no encontrarnos con alguno de nuestros fans estando allí.

Para finalizar, ¿Podrías enviar un saludo para Sonidos Ocultos y para todos los Volatiers chilenos que están esperando emocionados este nuevo show de VOLA en nuestro país?

Sí. Muchas gracias por esta gran entrevista, ha sido increíble y espero poder reunirnos en persona cuando esté en Chile. Y para todos los chilenos que irán al festival y para los lectores de Sonidos Ocultos, quiero dar las gracias por todo el cálido apoyo, por todos los comentarios pidiéndonos que vayamos a Chile, y también, por supuesto, a México y Argentina y a otros lugares de América Latina en general, en donde nos apoyan mucho. Muchas gracias a todos los que muestran su apoyo. Estoy muy emocionado y no puedo esperar a estar de vuelta en Chile muy pronto. Quedan 2-3 semanas así que es súper emocionante.

Gracias Adam por todo tu tiempo, nos vemos pronto.

Mark Osegueda de Death Angel: “Cuando escuché a la multitud, supe que no quería que terminara”.

Por Meryth Smirnoff.

Conversamos con el vocalista y frontman de la legendaria banda de Thrash Metal californiano, Death Angel quienes se presentarán en nuestro país este 8 de abril en el Teatro Coliseo gracias a Spider Prod.

Ya han pasado 14 años desde la última vez que Death Angel tocó en Chile. ¿Qué se siente al volver después de tanto tiempo?

Es que no podemos esperar. Han pasado 14 años y no se debe a nosotros, hemos estado diciéndoles a los agentes durante años que nos lleven de vuelta a Chile, que nos devuelvan a América Latina, pero ninguno, por alguna razón, pudo hacer que sucediera, pero queríamos venir y ahora finalmente pudimos hacerlo. De alguna manera, decían que era por los promotores o algo así, pero todos nuestros amigos iban a tocar y nosotros veíamos eso. Así que ahora por fin tenemos nuestra oportunidad después de 14 años; no podemos esperar para volver y ya era tiempo; tenemos 4 discos nuevos desde que fuimos la última vez, ya es tiempo de ir a tocarlos y darles un verdadero show de Death Angel Thrash.

¿Y qué recuerdas del último show y cuáles son tus expectativas para este nuevo?

Recuerdo del último que el público era absolutamente maniático. Estaban locos y eso me encanta. Quiero decir que la multitud era enorme, la pasión con la que cantaban y coreaban en la cancha era enorme. Y recuerdo que pensé, nos están dando mucha energía.

Y lo que fue una locura fue que fue el primer disco que salió con la alineación con Will Carroll y Damien Sisson fue Relentles Retribution (2010) y el disco solo había estado disponible durante tres o cuatro días por lo que mucha gente no lo tenía o ni siquiera sabían quién era Will o Damien, pero nos estaban dando una respuesta increíble. Así que ahora creo que las expectativas que tengo van a estar por las nubes, porque ahora todo el mundo sabe quiénes son Will y Damien. Todo el mundo conoce el material con ellos y ahora podemos darle a Chile un set de Death Angel en vivo que cubre todo, desde The Ultra-Violence (1987) hasta los tiempos modernos, y será magnífico. Así que creo que todo va a funcionar para que sea increíble.

También lanzaron el disco “The Bastard Tracks”, ¿Existe la posibilidad de que toquen en vivo algunas de estas canciones “Menos Populares”?

Sí, sí, sí. Seguro. Irónicamente, cuando lanzamos ese disco no habíamos tocado muchas de esas canciones en vivo y por eso lo lanzamos. Aprendimos esas canciones y desde entonces, mucha gente las ha estado pidiendo en vivo, así que algunas de esos temas se han colado en el set de Death Angel desde que terminó la pandemia, así que definitivamente puedo decir que uno o dos temas probablemente aparecerán en el set que tocaremos en Chile con seguridad.

Y, ¿Cómo sientes que fueron las críticas hacia este álbum y la recepción por parte de los fans e incluso de tus colegas músicos? No es muy común lanzar un disco con canciones que básicamente nunca tocan.

Sí, lo loco fue que surgió durante la pandemia, estábamos tratando de pensar en algo que hacer y lo que hicimos fue armar algunos shows en vivo por streaming donde alquilamos el Great American Music Hall, un hermoso salón en San Francisco y a Ted se le ocurrió esta idea, ¿Por qué no tocamos canciones que nunca tocamos en vivo o
que no hemos tocado en vivo en años? Así que pensamos que era una gran idea, y nos lanzamos a por ella.

Cuando salimos de la transmisión en vivo, la gente estaba muy entusiasmada con eso y nos dejaban comentarios de que deberíamos publicarlo, cosa no habíamos realmente pensado cuando hicimos la transmisión. Luego, cuando tuvimos la grabación del show y tuvimos tiempo libre para escucharnos nos dimos cuenta que la calidad del sonido
era realmente buena, así que lo hicimos y terminamos lanzando el nuevo paquete y la respuesta a él fue abrumadoramente buena, mucho mejor de lo que pensábamos que sería. No es que pensáramos que sería horrible, pero simplemente no lo sabíamos porque eran canciones más antiguas o, ya sabes, canciones que no habíamos tocado en vivo y la respuesta fue genial.

Y Muchas bandas amigas, nuestros contemporáneos nos dijeron que fue una idea brillante. Entonces, sí, la gente nos elogió por eso. Si yo miro hacia atrás es lo que me gustaría escuchar de una banda porque soy muy fanático de la música, ya sabes, y cuando voy a ver a una banda en vivo por lo general sé que van a tocar estos éxitos que todo el mundo quiere escuchar, y sé que muchos de nosotros escuchamos música pesada o música extrema, pero al final siempre sabemos lo que van a tocar, pero me pasa que cuando estoy con mis amigos viendo tocar a una banda que todos hemos amado durante mucho tiempo y, de repente, tocan una canción que no te esperabas, ya sabes, dices Oh, me encanta esa canción pensé que nunca escucharía eso en vivo y cuando la empiezan a tocar, con mis amigos al lado estamos como “¡Dios Santo, están tocando esta canción!” y así fue como lo pensé. Lanzar un disco completo de esas canciones es genial y creo que algunas de esas canciones definitivamente llegarán al set y la gente, los verdaderos fans de Death Angel obtendrán una sorpresa tremenda.

Vienen creando música desde los 80´s, ¿Cuál dirías tú que ha sido el mayor desafío de Death Angel hasta ahora?

Wow. Sí, hemos estado haciendo música desde que salió el primer disco de nuestro debut en el 87. Creo que habría dos grandes desafíos que en algún sentido son paralelos entre sí en relación con la misma situación. Creo que la más difícil fue componer, grabar y lanzar The Art of Dying, que fue el primer disco de regreso después de que Death Angel se había separado durante más de una década, y la parte más difícil de eso fue volver a estar juntos porque una cosa era aprender las canciones de los 80´s y luego volver a salir de gira, pero otra cosa es aprovechar esa energía después de más de una década y escribir nueva música bajo el nombre de Death Angel y tratar de plasmar eso para hacer que la gente lo identifique y vea una familiaridad en él, y luego lanzarlo, y esperar que a la gente le guste. Y eso fue, fue realmente muy difícil y para ese con el disco en sí, hay algunas canciones destacadas, pero aún puedes ver que era una banda que se estaba reencontrando a sí misma.

Y luego diría que a la par con eso fue la composición, el lanzamiento y la grabación de la Relentles Retribution porque eso fue cuando ya estábamos restablecidos con la alineación de regreso, pero perdimos a Andy y Dennis. Luego obtuvimos a Will y Damien y la gente en ese momento, una vez que perdimos a Andy y Dennis, decían
que definitivamente Death Angel debería renunciar y Rob y yo estábamos como de ninguna manera. Entonces nos propusimos que no íbamos a parar, que íbamos a encontrar a algunas personas, Ted tenía la misma postura y luego encontramos a Will y Damien así que volvimos a estar todos y empezamos a escribir.

En cierto sentido, eso fue un gran desafío. En ese disco, creo que Rob y yo hicimos la mayor parte de la composición, es mucho más refinado en cuanto a la visión y cuando salió hubo mucha gente que era detractora, pero la gente terminó amando ese disco, aunque siempre hubo gente que se mostró escéptica al respecto, y ahora esa formación terminó siendo la formación más larga que Death Angel haya tenido, y hemos lanzado la mayor cantidad de discos con esa alineación. Así que diría que esos son los dos momentos desafiantes que definen nuestra carrera, los más importantes.

También se reunieron para The Thrash of the Titans Festival en apoyo a la lucha de Chuck contra el cáncer, ¿Qué recuerdas de esa época?

Sí, recuerdo que fue absolutamente increíble. Recuerdo que al principio se me acercaron y escuché algo de que el espectáculo estaba sucediendo y yo estaba, estaba como nah, y desconfiaba de él porque no sabía si la gente iba a responder a eso y no sabía si realmente podríamos lograrlo. Ya sabes, habíamos pasado mucho tiempo separados y yo estaba escéptico. Y luego, eventualmente, Chuck llamó a Rob y hablaron por teléfono y Rob realmente se preocupó por eso, así que Rob se acercó al resto de los ex miembros restantes de Death Angel, y cuando se acercó a nosotros, finalmente nos convenció de que lo hiciéramos. Yo era el último que se resistía, pero finalmente me convenció de que lo hiciera también. Y luego ensayamos solo unas pocas veces, como creo, dos o tres veces. Sí. Y luego, ya sabes, estábamos en el escenario y recuerdo la reacción del público cuando nos anunciaron cuando se apagaron las luces y la oleada de adrenalina que me golpeó. Y cuando escuché a esa multitud, recuerdo que en los primeros 3 minutos, simplemente quise que nunca terminara y, hasta cierto punto, no lo ha hecho. Así que fue un evento espectacular para una gran causa y es lo que realmente unió a Death Angel y me alegro de que lo haya hecho.

Entonces para ti, ¿Ese momento en particular inspiró a Death Angel a seguir haciendo música y continuar haciéndolo hasta ahora?

Absolutamente. Fue en ese momento, ya sabes, sin ese hito Death Angel nunca se habría reformado. Antes de eso se nos habían acercado promotores y demás de Europa y América del Norte y siempre dijimos que no y luego pensamos que, sí alguna vez lo íbamos a hacer, sería este momento por una gran causa, para Chuck y luego, como dije, la reacción fue maravillosa. Después de eso los promotores comenzaron a ponerse en contacto con nosotros y pensamos, bueno, ya conocemos las canciones y luego, se convirtió en una bola de nieve a partir de ahí. Y sí, estoy muy contento de que lo haya hecho porque me encanta tocar, crear música y me encanta tocar en vivo. Ha sido espectacular desde entonces, sí.

Y ahora, ¿Están trabajando en música nueva o simplemente concentrándose en la gira?

Tenemos esta gira latinoamericana por venir, pero ya estamos trabajando para el próximo disco. Hace mucho tiempo que salió Humanicide en el 2019, así que es el momento oportuno. Hay un nuevo disco de Death Angel y lo estamos escribiendo activamente ahora, Rob y Will se han estado reuniendo en el local de ensayo un par de veces a la semana y Rob ya grabando la batería de Will en muchos demos que ha escrito. La semana pasada, estuve en la casa de Rob, su estudio casero, y puse algunas voces para un demo de una nueva canción de Death Angel. Así que sí, está sucediendo.

¿Quizás para el próximo año?

Sí, quiero decir, todavía no tenemos una fecha sólida, ya sabes, en piedra. Pero el objetivo está y veo que estamos alcanzando ese objetivo. La meta es estar de vuelta en el estudio de grabación a finales de año y esperamos un lanzamiento a fines de la primavera del próximo año. Así que ya veremos. Pero sabemos que es el momento y hay mucho material escrito, pero queremos redactar aún más para poder elegir las
mejores canciones y partir de ahí, sí.

Además, estás grabando con Kerry King para su nuevo álbum fuera de Slayer llamado From Hell I Rise. ¿Cómo fue la experiencia de trabajar con él?

La experiencia fue increíble, y sigue siendo increíble todo, yo estaba encantado de que me lo pidieran, trabajé duro para conseguir ese trabajo, no sucedió de la noche a la mañana, y cuando finalmente lo conseguí, estaba muy, muy emocionado y todavía estoy feliz de ser parte de él. La experiencia de grabación con Josh Wilbur fue
maravillosa, él lo produjo. Kerry escribió unas canciones increíbles y armó una banda que sabía que podía entregar lo que escuchaba en su cabeza y cuando entramos en el estudio todos íbamos en serio y nos encerramos un par de semanas y lo hicimos.

Lanzamos el primer sencillo, “Idle Hands” y el 17 de mayo se estrena el disco From Hell I Rise a través de Phoenix Music y la gente cuando lo escuche se sacudirá hasta la médula, es un disco vicioso y nos superamos a nosotros mismos. Es algo de lo que Kerry King y todos nosotros estamos muy orgullosos y creo que los fans del Thrash se van a sorprender gratamente de lo brutal que es. Estas canciones están hechas para ser tocadas en vivo y no podemos esperar para salir de gira. Ya tenemos prácticamente de mayo a agosto todo reservado con giras, y habrá más por venir. Mucho más por venir y no podemos esperar.

Espero que puedan venir a Sudamérica.

Sí, por supuesto. Algunos de los fans más apasionados del mundo están aquí, así que tenemos que venir.

Hablando de los fanáticos, hay una nueva generación de metaleros para los que esta va a ser la primera vez que vean a Death Angel en vivo, ¿Qué les puedes decir sobre lo que tienen que esperar de este show?

No puedo esperar. Puedo decirte que van a ser testigos de una verdadera banda de Thrash crudo, ¿sabes? Y eso es lo que es, sobrevive de la energía humana y nosotros trabajamos gracias a la energía de la multitud. Me encanta que haya una generación más joven de fanáticos del Thrash porque están en la multitud y lo dan todo y nosotros nos alimentamos de esa energía y la devolvemos toda a través de nuestra música. Así que va a ser una verdadera noche de Thrash de Death Angel en nuestro propio estilo personal y no puedo esperar para darle rienda suelta.

Y, por último, ¿Podrías enviarle un breve mensaje a Sonidos Ocultos y a todos tus fans que están esperando el show?

Hola, chicos. Es Mark Osegueda de Death Angel. Solo quiero agradecerles por sintonizar y leer Sonidos Ocultos. Estamos ansiosos de volver a Chile después de 14 años este 8 de abril en el Teatro Coliseo y no podemos esperar para volver allí y ofrecer un verdadero espectáculo de Thrash Metal del Bay Area. Así que sal y enfurece con Death Angel.

Muchas gracias y nos vemos en el show.

Osvaldo López (Diametral)» Lo visual es de igual importancia que la música» (2024)

Por Rodrigo Damiani @SonidosOcultos

Diametral es una de las bandas nacionales que mas ruido han realizado mediáticamente desde hace un par de años hasta la fecha. Este grupo en sus largos años de vida ha logrado posicionarse en la difícil industria de la música chilena, lo motivos varios. Un grupo que tiene un estilo propio y que desarrolla buenas canciones, algo que suena fácil de hacer pero que solo pocas bandas lo logran. A pocos días de abrir el show de Asking Alexandria (Inglaterra) a realizarse en Teatro Coliseo el próximo 27 de febrero, es que pudimos conversar con el vocalista del grupo Osvaldo López, quien también esta a cargo de la parte visual del proyecto. De esto y mucho mas a continuación….

SO:  ¿Con respecto al nombre del grupo cómo se gestó?

Osvaldo López: Para ser bien honesto yo no soy fundador de la banda por lo que dicho nombre ya existía cuando llegue. Esta denominación partió desde los hermanos Torres (batería y guitarra) y tiene que ver con el inicio del proyecto el cual estaba inspirado en el sonido de bandas como Fear Factory, Meshuggah con un sonido bien mecánico por así decirlo. Miguel Torres es ingeniero mecánico  por lo que el tema del diámetro de los engranajes para funcionar de las máquinas servirían de inspiración.  Desde ahí saldría la inspiración para el nombre de DIAMETRAL. Lo interesante es que este nombre sirve tanto en inglés como en español, ya que se escribe y se dice de la misma forma.

SO: ¿Para quienes no los conoces, cuáles son los trabajos oficiales que tienen como DIAMETRAl?

OL: Para ser bien honestos hemos sido bien flojos a la hora de grabar, no por que falte creatividad si no mas por que quienes nos dedicamos al arte sufrimos el síndrome del impostor, es decir somos muy autoexigentes y eso nos privo de no estar constantemente sacando material nuevo ya que queremos estar al nivel y los altos estándares que la gente espera.

Por lo anterior es que tenemos dos EP oficiales, Mente Opuesta (2014) y Resistiendo el Olvido (2022) y dos singles oficiales:  Sentenced (2019) y Hell In Me (2023) . Si ustedes juntan los dos EP seria el primer larga duración del grupo. El último single es el adelanto de nuestro próximo disco, el cual esperamos sacar durante el primer trimestre de este 2024. De hecho ya estamos viendo los últimos arreglos y detalles. Ya se encuentra la grafica lista y el disco se va a llamar « The Roots Of Modern Sins».

SO:  ¿Cómo crees tu que Diametral a pesar de no tener tantos trabajos discográficos en estos 10 años de existencia ha logrado posicionarse bien en la escena nacional?

OL: Hay dos cosas claves para este tema , una es sacarle el máximo jugo posible a la música ya disponible, por lo menos nosotros cada vez que sacamos algo tratamos de darle la mayor difusión posible. Creo que es una buena enseñanza del pop y la música  urbana de liberar de apoco los temas, ya que si uno entrega de una 12 temas a medios y a la sociedad puede que no se logre el objetivo final, y este solo se termine reconociendo 3 o 4 tema de los 12. Todos hoy en día consumimos temas desde diversas playlist .

En segundo lugar la forma de involucrarnos con las productoras y medios siempre ha sido bien profesional. No solo hay que sonar como Metallica, sin o también verse como Metallica guardando obviamente las proporciones. Lo que quiero decir es que lo visual es de igual importancia que la música y considero que nosotros hemos realizado bien ese trabajo. Por lo anterior es muy importante que las bandas tengas secciones de fotos y un buen presskit de prensa. Es bastante diferente como te ve la audiencia, las productoras y medios cuando ven que un grupo se toma enserio todos estos detalles. Por lo mismo se nos han ido abriendo las puertas sin necesariamente tener una discografía tan amplia.

SO: ¿Hay alguna tocata de Diametral que recuerdes en especial?

Para mi personalmente fue una vez que tocamos con CRIMINAL. Para mí es la banda más importante a nivel musical en CHILE. Yo crecí escuchando su música y la primera vez que tocamos con ellos fue muy loco y especial.

Y otra de las fechas que recuerdo con mucho cariño es una  que se realizó para ayudar a la gente de Valparaíso , producto de un incendio forestal. El evento se llamaba Rock por Valpo , donde nos toco participar después de DORSO y estaba muy lleno de ARENA RECOLETA y creo que nunca habíamos visto un mosh tan grande…

SO:  ¿Cómo podrías calificar el estilo musical de DIAMETRAL, para alguien que nunca los ha escuchado?

Diametral es una banda de metal y eso significa que dependiendo de nuestras ideas creativas y la gente que escucha la música es donde nosotros vamos a tratar de llevar nuestro estilo. Al principio éramos por decir  death metal bien técnico pero a la vez es un poco extraño por que se encuentran chispazos de otros estilos. Cada uno de los integrantes tiene sus propias influencias musicales y nosotros somos bien sociales a la hora de componer. A diferencia de otras bandas nosotros componemos juntos por lo mismo quizás nos demoramos en sacar material.

Hoy en día DIAMETRAL tiene un tinte de metal mas moderno, un poco alejado del metal mas tradicional por así decirlo. Sin dudas tiene que ver con el cambio generacional .El publico más moderno esta  abierto a escuchar nuevas propuestas, son mas perceptivos a la hora de escuchar. La gente mas nueva también es mas intensa a la hora ver un show en vivo. Si uno va a una fecha de metal mas antiguo o tradicional la gente siempre esta enojada y poco perceptiva a escuchar cosas nuevas. Siempre buscando la pifia o ver el error del musico en escena.

En cambio a esta escena mas moderna se entrega a full por lo mismo aceptamos la invitación a telonear a ASKING ALEXANDRIA que sin dudas es una apuesta para nosotros. En el fondo no somos de la misma linea musical pero si nos sentimos bastante cómodos con dicho publico por lo conversado anteriormente. Este hecho y el haber tocado con CARNIFEX por ejemplo nos ha ayudado para que gente nueva nos conozca y es justamente lo que estamos buscando.

Sentimos que DIAMETRAL musicalmente entrega una propuesta fresca y novedosa. Si bien no inventamos la rueda creemos que tenemos nuestro estilo particular. Muchos amigos nos dicen que tocamos metal pachanga, ya que la gente y nosotros logramos pasarlo muy bien en los escenarios.

SO: Además de la apertura de Asking Alexandria el próximo 27 de febrero en Teatro Coliseo ¿Qué otros show ya tienen agendados para el primer semestre?

El 15 de marzo vamos a estar tocando con CRIMINAL en Concepción (LA BODEGUITA), el 25 de mayo en Santiago en CLUB RBX con ILLDISPOSED (Dinamarca), el 26 de mayo en Concepción también con los daneses en ESPACIO MARINA. También se vienen varias fechas mas pero aun faltan algunos detalles para confirmar, así que podrán revisar nuestras redes sociales para más información.

SO:  ¿Cómo se prepara DIAMETRAL para sus shows en vivo?

La clave es en primer lugar es tener un equipo de trabajo ad hoc para cada fecha. Un equipo que de el ancho en situaciones complejas. Al abrir a bandas extranjeras siempre puede ocurrir algún imprevisto, desde el Backline a otros detalles… en segundo lugar mucho ensayo. En cualquier tipo de arte la práctica es fundamental. Por lo mismo ensayamos 3 veces a la semana. Ahora que estamos preparando el nuevo disco ensayamos en jornadas maratónicas sobre todo los fines de semana. Hay que verse y sentirse profesional y eso va desde el equipamiento hasta las horas de ensayo.

SO: Han pensado en ir a tocar fuera de Chile, ¿Tienen planes de proyección?

En particular nosotros hemos conversado harto este tema . La pregunta que invito a los músicos que se hagan es para qué salir. ¿Tocar fuera de Chile para ir a una especie de Bar Oxido para 20 personas y dormir en una van para estar en malas condiciones y cumplir un sueño?. La clave creemos nosotros para salir fuera del país es que se abran las puertas para los festivales . Y eso es muy difícil, yo creo que la fórmula es que conozcas al productor o que trabajes con algún Booking importante. Por ejemplo acá las bandas chilenas que abren grandes conciertos son bandas seguras por así decirlo. Las productoras contactan a las que tienen buena espalda y que se sabe que son profesionales a la hora de tocar en vivo y por eso casi siempre son las mismas. Para ir a tocar afuera es algo parecido. Necesitas el espaldarazo de alguna entidad importante.

El abrir a bandas extranjeras es una oportunidad de viralización y hacer contactos para un futuro viaje al extranjero.

SO: Tú también eres responsable de la parte visual del grupo qué se siente.

Bueno como muchos saben el diametral es bastante democrático. A mi me gustan mucho las calaveras soy fanático. Pero muchas veces la parte visual no puede ser tan brutal, por lo mismo acepto la visión de mis demás compañeros. Nuestra banda es un producto y debe verse bien y trasmitir con precisión nuestras letras y nuestra visión. Desde la elección de colores para nuestro logo y poleras no son tradiciones y eso en un folleto llama la atención y eso logra captar a nuevos públicos.

SO: ¿Dónde se puede encontrar el material del grupo?

Se puede encontrar desde nuestro Spotify oficial.