Pablo “Bicho” Coronado – Director de Rock en Tiempos de Pandemia: “El impacto ha sido tan grande que muchas bandas están interesadas de participar en esta iniciativa”

Por: Nicolás Barría

El mundo de la música y de los espectáculos sin duda alguna ha sido uno de los sectores más golpeados por la crisis sanitaria provocada por el Covid-19, es por ello, que muchas agrupaciones o artistas han debido reinventarse para seguir difundiendo su música, tal es el caso del colectivo cultural Torrencial, quienes con mucho esfuerzo y autogestión han logrado ser uno de los pioneros en realizar diversos shows online de primer nivel en el sur de nuestro país.

Sonidos Ocultos conversó con Pablo “Bicho” Coronado, uno de los gestores detrás de esta iniciativa. Dentro de esta breve pero concisa conversación, pudimos conocer toda la historia y detalles de producción detrás “Rock en tiempos de pandemia”.

SO – Según tengo entendido ustedes son unos precursores en implementar shows vía streaming en la ciudad de Puerto Montt, cuéntenos ¿Cómo nació la idea de “Rock en tiempos de pandemia”?

Pablo – Esta idea la teníamos hace tiempo, antes que comenzará todo el tema de la pandemia. Comenzamos haciendo entrevistas en vivo y al ver los buenos resultados se nos vino la idea hacer shows online, la idea en su momento quedó pausada por falta de recursos. En marzo logramos reunir los fondos y adquirimos el equipo que nos permite realizar entrevistas y conciertos con 4 cámaras en distintos ángulos al mismo tiempo.

 La iniciativa  nació por la disminución de las matrículas de nuestra escuela de rock que tenemos como colectivo, lo cual dificulto el pago de los gasto del espacio que tenemos arrendado, todo nació por necesidad. En un principio los shows iban a ser gratuitos pero debimos cobrar para cubrir los gastos básicos como son el arriendo de nuestro espacio, el arriendo de equipos y el pago del personal que nos apoya.

SO – Colectivo Torrencial ha sido uno de los principales promotores de música en Puerto Montt durante esta pandemia ¿Han recibido algún tipo de ayuda económica por parte de las autoridades culturales municipales o regionales?

Pablo – Postulamos a algunos fondos pero nunca hemos ganado nada. Mira en realidad, siempre nos hemos caracterizado por la autogestión y casi nunca hemos recibido apoyo externo, todo lo que hemos logrado ha sido gracias solo a la autogestión y la unión de nuestro colectivo.

SO – ¿Que creen ustedes que ha provocado que no se adjudiquen algún fondo?

Pablo – Nosotros, como Torrencial estamos funcionando desde el año 2016 promoviendo la música y sobre apoyando al mundo del underground. No sé por qué será, pero siempre los proyectos se los ganan agrupaciones que ya han ganado proyectos antes.

Esperamos alguna vez ganar algún proyecto. Igual siempre nos han dicho que hagamos lobby con quienes están a cargo de la entrega de estos fondos pero nosotros no trabajamos de esa forma.

SO – Ya llevan 2 capítulos y el tercero ya está confirmado ¿Qué tal ha sido la recepción de la audiencia hasta ahora?

Pablo – Mira qué quieres que te diga, nos ha ido excelente, desde el primer capítulo mucha gente los está viendo de otros países y ciudades de Chile. Si te soy sincero, no esperaba mucho, pero el impacto ha sido tan grande que muchas bandas están interesadas de participar en esta iniciativa. Igual aclaro que todas las agrupaciones que se han presentado hasta el momento lo han hecho por gestión propia.

La interacción del streaming lo hace todo más entretenido, la gente participa mucho comentando, enviado sus fotos e incluso muchos se juntan en familia para ver los shows. De momento hemos solo recibido puros buenos comentarios.

Tratamos de hacer el show de la manera más profesional posible tomando los resguardos sanitarios adecuados junto con coordinar la solicitud nuestros salvo conductos correspondientes.

SO – Hablemos de la producción que hay detrás de “Rock en tiempos de pandemia” ¿Cuáles han sido sus mayores dificultades?

Pablo – Lo más difícil fue el tema de las cámaras, encontrar las que nos sirvan fue un reto. Probamos con más de 10 cámaras distintas y no nos sirvieron, a raíz de eso, tuvimos que conseguirlas con la agrupación cultural La Logia y con otros 2 amigos.

SO – ¿Por cuánto tiempo planean realizar ésta nueva modalidad de shows?

Pablo – Estamos confeccionando un calendario, y de momento, sin contar la banda que tocará la próxima semana, tenemos 3 agrupaciones confirmadas. La idea es hacer 2 shows cada mes, y bueno tenemos que ver cuánto dura esta pandemia.

SO – ¿Cuándo será el próximo show y quien es el artista?

Pablo – Es el día sábado 11 de Julio a las 23:00 horas y tocará A La Mala es una banda que se ha hecho de poco a poco conocida a nivel nacional.

SO – Pablo para ir cerrando la entrevista, teniendo en cuenta que esta pandemia probablemente extenderá hasta finales de año ¿Es posible que “Rock en tiempos de pandemia” de espacio a otros tipos de expresiones artísticas?

Pablo – Nuestras herramientas están abiertos a todos, obviamente teniendo en cuenta que es igual es un trabajo. Lo que nosotros pedimos es súper poco, prácticamente es algo simbólico.

De momento ya se nos han acercado personas del mundo del teatro, también damos espacios a otros estilos que no sean rock. En realidad las ideas nuevas de gente externa igual las escuchamos, la idea de todo esta iniciativa es apoyarnos entre artistas.

MKatana (Osorno) “En Haiku es visible el tiempo y dedicación que le hemos dedicado a nuestro proyecto

Por: Nicolás Barría.

“Nadie dice que fácil, es duro y difícil vivir aquí” nos dice fuerte y claro MKatana en su canción “Sigo Mi Camino”, estas mismas dificultades los han ayudado a hacerse más fuertes y convertirse en una de las agrupaciones de rap más prometedoras de la ciudad de Osorno. El proyecto conformado por FrankyBoy (MC), Saga (MC y productor), Toby (Baterista), KevinBass (Beatmaker), Pelodelobo (Arte y diseño) y Disparos Lentejas (Fotografía), se dio el tiempo de conversar con SO. En esta plática, la banda dejo ver su lado más personal, mostrando sus emociones y sensaciones de los logros que han conseguido en tan solo 2 años.

SO – Me llama profundamente la atención su estilo en el cual mezclan Neo Rap con cultural y filosofía oriental ¿Por qué deciden combinar 2 mundos tan diferentes entre sí?

Saga – Y yo, por mí parte, no los veía tan distantes uno del otro. La decisión nació casi de manera espontánea, porque el Franco y yo teníamos casi los dos mismos gustos por la animación japonesa y todo lo que viene de esa cultura, además, ambos crecimos escuchando artistas como Kris Kross y Tiro de Gracia, que influyeron en nuestro estilo.

FrankyBoy – Queríamos hacer algo que fuera bien real y mostrar lo que nosotros vivimos en nuestras infancias, como por ejemplo mirar Dragon Ball, ver anime o jugar en la Super Nintendo. Nos inspiramos harto en las ñoñerías en general y creemos que hay harta gente que se identifica con eso de nuestra música.

Detrás de estas animaciones que te decimos, hay toda una cultura y un discurso filosófico.

SO – En base lo que me señalan ¿Cuál es el mensaje tratan de transmitir con su música?

Saga – Tratamos de transmitir valores transcendentales en la vida como la honestidad y el esfuerzo. Igual queremos que la gente se inspire en con nuestras canciones a tratar de hacer las cosas bien en su vida.

FrankyBoy – Tratamos de mostrar como las buenas acciones nos ayudan en la vida, el karma existe, es por eso que hay que actuar de buena manera siempre, estos mismos valores todos los integrantes de MKatana tratamos de actuar 24/7 basándonos en estos valores.

SO – Entonces ¿Se consideran consecuentes con lo que transmiten?

Saga – Si, todo nace de manera natural porque nosotros intentamos llevar nuestras vidas de esa manera dentro de nuestra familia, en el trabajo, con amigos.

Me causa ruido el titular con que Chilefunk los presenta: “El grupo que viene a demostrar que en Osorno se cultiva un buen rap” ¿Están de acuerdo con esta afirmación?

FrankyBoy – Yo creo que sí. Si bien en el sur de Chile hay varios buenos exponentes, yo diría que en MKatana es uno de ellos, porque igual considero que entrenamos tanto nuestra música que el nivel que logramos es excelente. Igual Osorno tiene muchos músicos de calidad, los cabros que hay aquí tienen mucho talento.

Saga – Es la perspectiva de ellos y estamos agradecido de ese comentario. Siempre se ha hecho buen rap en el sur como en Puerto Montt y Valdivia.

Trabajamos mucho y por eso creemos que hemos generado ruido, igual es bueno que se fijen en una banda, eso ayuda que en un futuro se puedan fijar en otros grupos del sur, por eso es súper valorable y se agradece todo lo que nos está pasando.

SO – ¿Creen que los músicos del sur de nuestro país han sido un poco olvidados?

FrankyBoy – Eso es lo penca de todo, y bueno por eso es súper bacán que SO este cubriendo la escena del sur. Actualmente tenemos una agrupación de músicos, con ella pretendemos hacer crecer a la escena y generar más espacios de difusión musical. Queremos luchar contra la injusticia que muchas veces se da en la música, todo prácticamente está en Santiago.

Saga – Todo esto hace que sea más difícil hacerse conocido a nivel nacional.

SO – Cuéntennos más sobre su agrupación.

Saga – MUDO es creada por Franco y Pablo Miranda (Integrante de La ConCuerda) para generar nuevos espacios, postular a proyectos en apoyo de la música local y darle la oportunidad que nosotros no tuvimos a nuevos talentos.
FrankyBoy – Siempre tratamos de darle espacios a bandas emergentes, queremos que la música siga viva en nuestra ciudad.

2019  Probablemente ha sido uno de los mejores años de su carrera, marcado por el lanzamiento del EP “La Gran 5° Guerra” y haberse hecho ganadores del proceso formativo de Escuelas de Rock de la región de Los Lagos dándoles la opción de participar en el Rockodromo 2020 ¿Alguna vez imaginaron que llegarían tan lejos?

Saga – Te voy a ser muy honesto. Cuando uno participa en Escuelas de Rock vas con la ilusión de ser el vencedor, pero no puedes darte como ganador, pero fuimos con la fe. Había grandes exponentes de la región participando como La ManoFayuka, José Miguel Gutiérrez y otros artistas muy buenos. Nosotros fuimos a rapear y ganamos, en un principio no lo creíamos pero era verdad.

FrankyBoy – Esto es un reconocimiento a nuestra constancia y que hacemos bien las cosas. Igual esa vez fuimos a tocar con un batero, el Toby, y eso le dio otra fluidez, otro flow y otro ambiente a nuestra música.

Recientemente lanzaron de manera oficial su nuevo EP “Haiku” ¿Qué lo diferencia del anterior?

Saga – La Gran 5ª Guerra y Haiku son un yin y un yang entre sí, los dos trabajan conceptos totalmente distintos. En el caso del primer EP usábamos harto sound play y cortes de batería, se notaba mucho que recién estábamos comenzando; por el contrario Haiku es algo totalmente nuevo, tiene muchos arreglos y pistas hechas minuciosamente, las letras hablan de temas totalmente nuevos y son mucho más maduras. En Haiku es visible el tiempo y dedicación que le hemos dedicado a nuestro proyecto.

FrankyBoy – Decidimos usar la métrica del Haiku en todos los coros, es decir, que usamos 5, 7 y 5 sibilas en cada coro, eso fue un verdadero reto, igual escribir coros de 3 frases como lo hacen los Haikus es súper difícil.

Saga – Pese a las dificultades siento que lo logramos porque los coros suenan pegajosos y se entiende todo lo que tratan de transmitir.

FrankyBoy – Queremos sacar una libro que recopile todos los haikus que quedaron fuera del EP, la idea es reciclar ese material y que no se pierda.

Hablemos de actualidad, en su posición como músicos ¿Cómo han afrontado la crisis sanitaria? ¿Ha sido un espacio de creación musical?

Saga – Esta cuarenta nos sirvo para descansar porque igual veníamos de un año ajetreado, gracias al reposo que nos dio la cuarentena pudimos sacar un nuevo tema que teníamos grabado llamado “DMT” esta nueva canción tratamos de experimentar con nuevos ritmos, beats y estilos.

FrankyBoy – Sabes he aprendido varias cosas gracias a esta cuarentena, me estoy profesionalizando en la producción musical y escribiendo nuevos temas. Estamos tratando de adaptarnos, igual tenemos algunos proyectos en mente y uno de ellos es sacar 2 canciones nuevas.

Para finalizar ¿Qué planes tienen en un futuro próximo?

FrankyBoy – Tenemos 8 temas grabados y queremos sacar un disco con canciones inéditas de nosotros. Igual teníamos planeado sacar un nuevo EP enfocado al concepto del I Ching, que es un oráculo de origen chino, pero lamentablemente por la pandemia no se pudo realizar.

Saga – Estamos haciendo presentaciones online, debido a que no se pueden hacer tocatas. Igual queremos seguir incluyendo nuevos músicos a nuestro proyecto. Aprovecharemos esta pandemia para seguir entrenando nuestra música.

Kano Álvarez y el legado de Panzer: “Mi papá murió con las botas puestas por el metal”

El 10 de febrero de 2020, la vapuleada comunidad del rock y el metal nacional se enteró de la repentina muerte de Juan Álvarez. A sus 69 años, el fundador de Panzer, uno de los grupos pioneros del género en el país, perdió la batalla contra un agresivo cáncer al riñón que lo alejó de la música y su preciado proyecto educativo, el Semillero Rock.

Al teléfono, su hijo y compañero de banda desde 1991, Kano Álvarez (45), habla sobre “Juanzer” con admiración y entusiasmo, como si solo a ratos recordara que ya dejó esta dimensión. Quizás es porque, según relata, su padre se siente presente en todos los rincones, sobre todo en la Fender Telecaster negra que le dejó y que usa a veces para sus constantes prácticas. “Él me inculcó que, si quería tocar heavy metal, debía ser lo más dedicado posible”, explica tras ser interrumpido para esta entrevista.

Repartiendo su tiempo entre la pega y mantener la leyenda familiar, Kano dice que le ha sido complejo retomar su vida: “No existe otra persona que pueda continuar con su legado, siempre fuimos uno solo. “Tierra De Metales” (1989), es el único disco que no compusimos juntos y aún así participé de las grabaciones, yo siendo un cabro chico de como 12 años”.

Sonidos Ocultos: El fallecimiento de Juan fue algo sorpresivo, dado que muy pocas personas sabían de su enfermedad. ¿Cómo fueron sus últimos meses y de qué forma sobrellevó ese período?

Kano Álvarez: En octubre, descubrimos que mi papá tenía un tumor en el riñón derecho. Ahí fue súper decadente todo, yo creo que uno se contamina con una noticia así, te golpea la cabeza y sobre todo a él, que no entendía por qué estaba adelgazando tanto. Con mi hermana, Gaby, quedamos para adentro. Era bien activo y siempre metido en el rock, así que era súper extraño vivir con él esa etapa tan cruel.

SO: ¿Estuvo acompañado solo por ustedes?

KA: Yo y mi hermana fuimos su grupo de contención, además de mi mujer. Él no buscó más compañía, era un lobo estepario y además decidió no contarle a nadie. Una de las cosas más potentes fue que nunca quiso reconocer o decir, “¿sabís qué? Tengo esto”, pero entre tanta ida y vuelta se convenció de que estaba enfermo. No es menor lo que tenía, de hecho, después de que falleció descubrimos que tenía el cáncer metastasiado.

Llevo 28 años tocando en Panzer, de los 34 que tiene la banda, por lo que fuimos compañeros, amigos, compositores y creadores. Como digo siempre, con mi viejo comimos caviar y mierda.

SO: ¿En qué ocupó sus últimos días?

KA: Él no se tomó la cosa de forma dramática y nunca estuvo inactivo, siguió yendo al Semillero Rock hasta el último viernes antes de fallecer, aunque las condiciones físicas no lo acompañaban. Vivíamos juntos y conversamos sobre muchas cosas, de la música y lo que podía suceder con todo esto. Me dijo: “loco, yo me saqué la cresta por esto y cuando tú llegaste a la banda el ‘91, nos empezamos a sacar la cresta juntos. No puedes dejar botado el trabajo que hicimos”. Creo que ese fue motivo de inspiración y de humildad frente a toda su pega.

Nos dijimos muchas cosas, que nos amábamos, le hice mucho cariño y nos besamos harto hasta el último día. Traté de hacer un funeral lo más coherente posible a su espíritu, armamos un escenario con sus guitarras y flores alrededor, su féretro al medio y después lo cremamos. Él sigue estando en el Semillero, pero está la idea de depositar sus cenizas en el puerto de San Antonio, que le encantaba.

SO: ¿Cómo recuerdas tu infancia con él?

KA: Mi viejo venía saliendo del tema del Festival Piedra Roja, tocando con Lágrima Seca, él era hippie. Tengo buenos recuerdos de cuando era chico, de él siempre apoyándome, igual con mi mamá eran bien estrictos y me exigían harto en el colegio, pero constantemente me hablaba de música.

Una tarde en la que andaba con mi abuela y mi papá, en las fondas que se hacían al lado del Estadio Nacional, me dijo: “¿Sabís qué, Kano? Voy a llevarte al primer recital de tu vida”. En ese tiempo, él tocaba con Feedback y me llevó a un show en la Discoteque Órgano, que quedaba en el Portal Vitacura. Fue bien choro, tenía 8 años y desde ahí no paré nunca más, lo iba a ver al Manuel Plaza, después en su transición con Panzer.

SO: O sea que te metió en el cuento desde cabro, ¿viste algo que te sorprendiera?

KA: Yo tenía 10 años en 1985, cuando mi papá trajo a Riff, que tocaron primero en el Estadio Chile y después en el Fortín Prat, Valparaíso, con Feedback. Ahí vi a Vitico, Jaf, Moro y Pappo, quien terminó hecho bolsa y yo le tuve que buscar la palanca de la guitarra, que se le había caído al suelo.

SO: Comenzaste a tocar con Panzer en 1991, justo para un viaje a Argentina, en el que reemplazaste al anterior bajista. ¿Cómo fue esa experiencia?

KA: Mi papá, con lo movido que era, se consiguió aparecer con el tema, “La Jaula”, en el compilado, “Latinos y Metálicos”, con bandas de otros países. El disco se iba a presentar en el estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires, cuando justo este bajista dice que no puede seguir, así que me propuso el puesto. Me aprendí las ocho canciones que presentaríamos y fuimos, fue una aventura súper loca e increíble.

Yo llegué con 15 años y los argentinos me miraban. Más encima yo, el saco de hueas, ese día en una prueba de sonido me senté arriba de un cabezal Marshall, que estaba sobre un gabinete. De repente, llegó El Carpo y me dijo: “¿qué hacés, pendejo, arriba de mi Marshall? ¡Hijo de puta, salí de acá!”. Ahí apareció mi viejo, le pidió disculpas y Pappo dijo: “bueno, pero decíle al Benjamín ese que se salga de encima”. Después, en la noche los argentinos cuando me vieron tocar me querían dejar allá.

SO: Hay una larga lista de teloneos y festivales en los que compartieron cartel con Judas Priest, Deep Purple, Accept, Iron Maiden, Megadeth y AC/DC, por nombrar a algunos conjuntos. ¿Hay alguno en especial que recuerdes?

KA: Mi viejo era muy amigo de Carlos Geniso (fundador y actual CEO de DG Medios), así que cuando trajo a Megadeth a Chile por primera vez, en 1994, le propuso a Panzer telonear. Hoy en día, las bandas que participan de un festival se tratan de igual a igual, pero en ese entonces, ¡las pelotas!, así que cuando llegamos al Estadio Chile, no teníamos ni camarín. De ahí llegó Carlos, quien nos vio en el pasillo con todos nuestros instrumentos y sin haber probado sonido. Dijo: “Juancito, ¿qué hacés acá?”, a lo que mi papá le respondió: “Aquí estamos, nos tiene botados X personaje (un hijo de puta)”.

Nunca había visto a un jefe putearse tanto a un empleado, como lo hizo Carlos con ese boludo. Nos pasaron un camarín cercano al de Megadeth, además su manager nos dijo que teníamos una hora y media para probar sonido. Después, cuando estábamos vistiéndonos y preparándonos para salir, tocaron la puerta y era Dave Mustaine, David Ellefson, Marty Friedman y Nick Menza, para darnos buena suerte en el show. Nosotros los recibimos casi en pelotas, nos regalaron parches, cuerdas y nos dieron un abrazo a todos, en muy buena onda.

SO: ¿Fue tu viejo quien te enseñó a tocar la guitarra o aprendiste en otros lados?

KA: A él no le gustaba que yo dijera eso. En el segundo año que llevaba como bajista en Panzer, agarré una guitarra eléctrica sin haber tomado una nunca y comencé a tocar el riff de “For Whom The Bell Tolls”, de Metallica. Así fui aprendiendo solo, perfeccionándome mientras en paralelo veía a mi papá y su escuela. Él me enseñó a hacer clases, que es una hueá súper bonita, me transmitió la metodología que le pasaba a sus alumnos.

Mi viejo fue el norte y la luz que yo vi, él me hizo enamorarme de los escenarios más que del metal. Me dijo: “tú puedes llegar acá y si quieres hacerlo, yo te puedo ayudar”. Me instruyó en la lectura musical, la parte teórica, en mis primeras pentatónicas y también algo súper importante: “primero que todo, tienes que ser humilde”.

SO: En ese sentido, ¿cómo ves la escena actual nacional, existe esa humildad?

KA: Yo creo que hay mucha soberbia en la música y el metal, mucho chaqueteo, lo dije en el funeral de mi viejo y lo digo ahora: basta de eso y del pelambre. Insisto, quiero que haya un antes y un después de su muerte. Me han contado que hay quienes han hablado mal de él y sí, yo sé que él no era una moneda de oro y yo tampoco, pero al menos podrían decirme las cosas a la cara.

Mi viejo era un hueón frontal y esa fue otra clase que me dio. Eso le brindó beneficios y decepciones, lo que a mí también me ha pasado. Cuando se fue, yo despedí al 50% de Panzer, porque no me servían, así de simple. Estaba aburrido de tener personas a quienes yo tuviera que arrastrar, eso lo hablé con ellos a la cara. No me gusta perder el tiempo ni hacérselo perder a la gente, sobre todo ahora que tengo la responsabilidad de componer el disco nuevo.

SO: Ese álbum, que Juan anunció bajo el nombre de “Anticorrosivo”, ¿en qué etapa está?

KA: Yo creo que le voy a cambiar el nombre, a él le gustaba, pero no le mataba. Adelantamos dos canciones nuevas, “Volver A Renacer” y “Furia”, que vamos a regrabar para lanzar el disco el 4 de mayo de 2021. El primer tema tiene riffs y pistas registradas por mi viejo, que es lo que alcanzó a hacer. El ideal es tener 10 canciones y quizás se sumen bonus tracks, temas en vivo, qué se yo.

SO: Dado que debiste suspender los planes de conciertos para despedir a tu viejo, por la cuarentena, ¿qué piensas hacer cuando termine la pandemia?

KA: La idea es hacer todos los homenajes habidos y por haber. Me han ofrecido varias cosas y yo digo que vamos a todas partes, yo creo que todo lo que se haga en adelante con Panzer, va a ser en homenaje a mi viejo. Una de las cosas más difíciles va a ser tocar sin él en vivo, después de 28 años presentándonos juntos.

SO: ¿Vas a sumar a alguien en ese puesto o la banda seguirá con solo una guitarra?

KA: No, ya tengo el grupo armado con músicos nuevos y estamos trabajando harto. Tengo un acuerdo de no anunciar sus nombres todavía y debo respetarlo, pero el único que continúa de la formación anterior es el vocalista, Beto López. Juan siempre estará ahí, de hecho, voy a tocar un par de temas con su Telecaster.

SO: Tu papá, como dijiste, tocaba con bandas hippies, pasando por el rock & roll y después el heavy metal. ¿Cómo describirías su estilo en la guitarra?

KA: Él era multinstrumentista y yo seguí esa senda, también toco bajo, batería y algo de piano. Al volver a escuchar sus canciones, creo que era un rockero, así de simple lo defino, uno real que sabía muy bien dónde aplicar la nota justa en el tiempo justo. No importaba si tocaba blues, hard rock, heavy metal, pop o cumbias, pues mi viejo militó en muchas bandas.

Mi papá murió con las botas puestas, no he conocido ningún rockero en Chile que las haya tenido tan puestas como él por el metal y su gente. Él amaba a su público y yo también, para mí el seguidor de Panzer es el alimento que yo necesitaba para poder seguir adelante con esto.

SO: “Panzer es mi pasión, pero el Semillero me dio la vida”, fue una frase que dijo Juan. ¿Cuál es el futuro de ese proyecto, va a seguir funcionando?

KA: Con mi hermana, estamos planeando celebrar el lanzamiento de la Fundación Rock Chile, que él nos dejó de herencia. Queremos amparar a los músicos que estén en situaciones difíciles, no solo de ese estilo, buscando fórmulas para ayudarlos, ese es el objetivo. Hay un montón de metodologías, que ya tenemos planificadas, para que sea el siguiente Semillero, el cual en paralelo está siendo súper bien administrado por la Gaby.

Por ahora, no se puede ir a ensayar, pero sigue funcionado y más adelante queremos que también sea un coworking. Por ejemplo, si hay un profesor de guitarra, bajo, batería o canto que quiera utilizar el espacio, que pueda usarlo y lleve a sus alumnos. Queremos que sea un aporte cultural y añadir una exhibición de la historia de mi viejo.

SO: Hace unos años, salió una reedición en vinilo de “Tierra De Metales”. ¿Hay algún plan de volver a sacar otros discos en formato físico?

KA: En 2018, hice una jugada con un amigo finlandés y seguidor de Panzer, con quien hicimos copias para Finlandia, Alemania, Estados Unidos y Japón, tanto en vinilo como en CD. Ya lo he hablado con él de nuevo y hay planes para el resto del material, no es fácil y va a venir una crisis económica fuerte, pero yo tengo en la cabeza sacar la discografía total e íntegra, sea en Chile o afuera. El álbum nuevo, de hecho, viene con etiqueta extranjera.

En paralelo, ya estamos en Spotify, tenemos un canal de YouTube, Panzer Chile y también está empezando a desarrollarse la página web. Con los músicos de la banda, estamos trabajando para la gente y homenajear el legado de mi papá.

Foto 1: Juan Álvarez con Lágrima Seca, en el Festival Piedra Roja, 1970. Foto: Paul Lowry

Foto 2; Juan Álvarez y Kano en el bajo.

JUNGLA PROD (Osorno) “Este primer EP para nosotros es el punto culmine para comenzar a profesionalizar lo que hacemos.”

Por: Nicolás Barria

“Aptitudes Salvajes” es el primer EP grabado profesionalmente por la agrupación osornina Jungla Prod, este nuevo proyecto compuesto por los artistas locales Chevy (Sebastián Azócar), Dvago (Diego Vásquez), Chonga (Gonzalo Carrasco), Syckoh (Francisco Naranjo), el beat maker PaulmBeat (Paul Muster) y su encargado de audiovisual Caicai (Elías Barría), busca seguir profesionalizando el rap underground en Osorno.

Sonidos Ocultos conversó con Jungla Prod para conocer más detalles de su historia y del EP. Esta extensa conversación estuvo marcada por la autocrítica y las ganas de seguir profesionalizar el rap osornino.

SO – Jungla Prod es un proyecto bastante antiguo según tengo entendido, pero solo recién este año lanzaron su primer trabajo de estudio ¿Cómo nace este proyecto?

Syckoh – Partimos el año 2012 aproximadamente, éramos compañeros de liceo. Este proyecto nace principalmente por el gusto por el rap y la música urbana. Cuando Chevy se compró un micrófono y Paul empezó a meterse en la masterización y crear beats, comenzamos a grabar algunos temas, todo entre amigos.

Paul – Por mi parte era muy ajeno al rap chileno, era muy apegado al norteamericano. Pero comencé tanto juntarme con los cabros que decidí meterme al mundo de las pistas.

Syckoh – Nunca buscamos mostrar la música más allá de nuestro círculo cercano. Partimos subiendo los temas que grabamos a SoundCloud solamente con poca discusión, pero eso sí, grabamos casi todas las semanas.
Tuvimos una gran pausa, debido a que muchos de los integrantes debieron irse a otras ciudades a estudiar, pero el año pasado nos sentamos a conversar sobre profesionalizar el proyecto, tanto en producción como en calidad musical, y bueno así nació la Jungla Prod.

SO – ¿Por qué dejaron pasar tanto tiempo para lanzar un material?

Syckoh – Siempre nos limitó el temor de mostrar nuestro trabajo a personas que no eran cercanas y que estás nos criticaran, siempre rondábamos en nuestra zona de confort.

Paul – En ese tiempo no había mucha gente que te grabara una sesión y masterizar un tema, así que nunca aspiramos a más. Igual siempre tuvimos inseguridad y miedo al que van a decir.

Syckoh – Igual creemos que todo se debió a inseguridad de cabros chicos, nos hemos dado cuenta que nuestras letras no son malas, igual Paul se ha sacado la chucha aprendiendo a mezclar para hacernos buenas pistas, hemos comenzado a creer en nuestro trabajo.

SO – Respecto a su EP “Aptitudes Salvajes”, nos gustaría conocer más detalles detrás de este trabajo.

Paul – Cuando tuvimos esta reunión que te contábamos anteriormente, surgió la idea de sacar el EP con el objetivo de mostrar los que hacemos. Igual es importante señalar que tanto el nombre del grupo como el título y la esencia de EP, retrata la variedad de musical que tenemos.

La gracia del EP es que tiene temas en conjunto y los otros en solitario, cada canción tiene tallada la personalidad de cada uno. Estuvimos trabajando tres días a full en la casa de un amigo (Dvago) y logramos grabar parte importante del trabajo, todo el proceso de grabación y la difusión ha sido auto gestionado.

Lo que más destaco es que todo salió súper fluido a la hora de grabar, hubo temas que grabamos para ser publicados fuera del EP como por Ejemplo “Se Acabó” y salieron tan bien que los agregamos.

Syckoh – En este EP cambian todas las pistas, ritmos y métricas, es muy variado. A la hora de grabar salimos de nuestra zona de confort y nos fuimos a un retiro para grabar y componer, este primer EP para nosotros es el punto culmine para comenzar a profesionalizar lo que hacemos y salir del SoundCloud, llevando nuestra música a nuevas plataformas como Spotify.

Chevy – Este EP es una mezcla de distintas cosas pero todas tratan de representar la actitud de los humanos, tenemos temas con diversos mensajes, por ejemplo, algunos que hablan de la contingencia política, sobre el cuestionamiento propio otros más románticos. Lo bueno de todo es que pudimos llegar a un objetivo en común.

Sobre la portada del EP ¿Qué tratar de transmitir esta?

Paul – Algo que nos inspiró mucho para hacer la portada es la cultura mapuche, por eso está presente la araucaria en ella. Si lo vemos de una forma más metafórica esa araucaria en los años que comenzamos (2012) recién estaba plantada, luego de 8 años este árbol creció y comenzó a dar sus frutos.

Syckoh – Esta portada muestra que nuestros orígenes nunca se tienen que perder. Buscamos también rescatar esa naturaleza indomable que mostramos dentro de nuestro trabajo, no tenemos leyes ni hay reglas a la hora de hacer lo que nos gusta.

El ave y el destape del cerebro que están en la portada, tratan de mostrar nuestros inicios hasta lo que hemos logrado gracias a la música.

Paul – En síntesis, este EP trata de decir “No es necesario esperar, no tienes que quedarse encerrado en una espera que a veces se crea uno mismo de la cual cuesta salir”.

¿Qué tal ha sido la recepción del EP?

Chevy – Yo creo que ha sido buena, pero todavía falta. Se ha escuchado, se ha difundido pero siento que aún falta por trabajar.

Paul – Si bien tenemos nuestros amigos fieles que siempre nos apoyando, también nos llevamos gratas sorpresas. Pero claro, quizás no jugó en contra, el haber estado mucho tiempo en el anonimato y eso nos ha limitado a lo hora que la gente compartan lo que hacemos, pero esperamos seguir trabajando y seguir difundiendo nuestro trabajo.

Syckoh – Hay gente que no es muy cercana al rap que le ha gustado el trabajo que estamos haciendo. Bueno, obviamente falta público y más seguidores, pero se están ganando poco a poco.

Sobre la música a nivel local ¿Cómo han visto la evolución del rap o hip hop en Osorno?

Chonga – La verdad, yo encuentro que más que una evolución ha habido un estancamiento en cuanto al rap. El año 2012 aproximadamente fue el boom del rap, habían tocatas, batallas, se salía a rayar, etc. Como toda moda que se acaba, suelen solamente quedar los que debe verdad se comprometieron con el estilo. Ya no hay talleres de rap como los había antes.

Chevy – Yo creo que más que un estancamiento como dice Chonga el rap se ha volcado a otras ramas musicales, como por ejemplo el freestyle.

Syckoh – Hay que destacar que el freestyle ha hecho que Osorno se muestre a nivel nacional, siempre está viajando gente de aquí a campeonatos nacionales, por lo menos en esa área si se ha crecido. La escena del rap no ha muerto ni desaparecido en Osorno. La misión de la Jungla es seguir propagando el rap osornino, tratamos de entregarle las herramientas que nosotros no tuvimos a otros.

Para finalizar ¿Qué podemos esperar de la Jungla en un futuro? ¿Cómo la gente puede contactarlos o buscar su trabajo?

Chonga – Bueno por mí parte tengo planeado sacar un EP con unos 6 o 7 temas junto a algunos de los chicos de la población donde yo vivo, ellos nunca han tenido la oportunidad de grabar algo y eso me ilusiona.

Paul – Bueno actualmente queremos darle mucha difusión al EP que sacamos, pero vamos a estar trabajando en componer algunos temas nuevos para lanzarlos cuando pase todo el tema del Covid-19.

Syckoh – Queremos igual grabar un videoclip de alguno de los temas para darle espacio a lo audiovisual en el proyecto. De igual forma, vamos a sacar un tema con el artista canadiense JawnRaw y bueno el que nos va a representarnos será Chevy, el hecho de haber podido traspasar las fronteras nos pone muy felices.

Paul – Sobre el cómo buscar nuestro trabajo, nuestra principal red social es Instagram también pueden buscarnos en Facebook, YouTube, Spotify como Jungla Prod.

Jellyhead (Argentina): “Siempre hicimos música por fuera del mainstream”

Desde Argentina Jellyhead presenta «Amarlasalmas», su nueva aventura psicodélica.

Tiempo atrás en Sonidosocultos.com repasábamos el camino de culto del grupo Aguas Tónicas a un costado de los ribetes de la industria musical argentina.

Siguiendo en la provincia de Santa Fe, más precisamente en Rosario -la misma ciudad que vio nacer a Aguas Tónicas- encontramos una banda llamado Jellyhead, surgida sobre la primera mitad de la década pasada.
Jellyhead está integrado por Sebastián Caliva en teclado y sintetizador, Vito Spatafore en guitarra, Fernando Morelli en guitarra y voz, Francisco Morelli en batería y Francesco Spadoni en bajo.

El grupo supo ser parte de JÚBILO, sello independiente que desde hace tiempo se encuentra en stand by, pero aún cuenta con un catálogo que se revaloriza con el transcurso de cada año. Desde entonces caminan de manera autogestiva, produciendo encuentros, fechas y contenidos audiovisuales.

El quinteto marcha en el lado silencioso de la fuerza, desarrollando una trayectoria corrida de todo: de la pseudo industria musical del interior argentino; de los productores; los sellos mainstreams y los espacios para tocar. Por supuesto, sus movimientos también logran evadir a las inflexiones que el paradigma contemporáneo de consumo cultural propone. En palabras más sencillas: Jellyhead no participa en la carrera de novedades y lanzamientos constantes, tratando de mantenerse en el candelero capturando algo de atención en los dispersos tiempos que vivimos. Jellyhead no juega ese partido. No le interesa. Tampoco podríamos describir al núcleo de sus seguidores como habidos consumidores de golpes de efecto. Alrededor de la mística silenciosa de Jellyhead habitan fans devotos que saben apreciar cada gesto del grupo.

Al pensar en Jellyhead debemos considerar un viaje psicodélico y atmosférico donde los riffs son fundamentales, pero no protagonistas principales. Se trata de energía canalizada a través del deseo de viajar, donde los climas varían, pudiendo ser tan abrasivos como aterciopelados.

Sumergirse en las canciones del quinteto excede lo sonoro: el viaje permite captar muchas referencias, influencias y guiños. Sin embargo, nada es explicito. La música tiene la capacidad de dirigir y estimular nuestra mente hacia nuestro propio marco referencial donde las líneas se trazan de manera subjetiva, pero conectan en un panorama colectivo. Las canciones transmutan en algo más, una química extrasensorial que hermana a la gente presente en sus recitales.

Parece haber una premisa más allá de los instrumentos, una nutrición de abunda en páginas de ciencia ficción, fotogramas y secuencias cinematográficas, enclaves hipnagógicos, humanismo, tecnología en pos del trip y la lista puede seguir. Se torna fundamental una pregunta:

¿cuáles serían los componentes definitivos que nutren a Jellyhead? De manera colectiva y anónima, los integrantes del grupo responden la distancia del lockdown sanitario.

“Me gusta tu pregunta porque siempre creímos que todos los seres humanos somos mucho más de lo que mostramos, o de lo que ponemos en juego a veces. Jellyhead es una enorme licuadora en constante movimiento, en el que van cayendo elementos. Es algo completamente ecléctico y heterogéneo. Buscamos poder naturalizar nuestros gustos e influencia, que para cada uno son distintas y generar algo armónico entre sí. Es un poco transmutarse uno a través del arte. Y ahí aparece una visión de las cosas, que va más allá de las canciones. Es la idea de poder incorporar para expandir toda posibilidad, aún más allá de lo pensado, o imaginado. La composición como un estado de apertura, podríamos decir”.

“Uno de los componentes que nutre a Jellyhead creemos que es la Internet. Somos todos frikis hijos de una era donde la información se volvió más rápida que la luz, y donde el acceso a la información se democratizó de una forma impensada. Pasamos de la dictadura musical de lo que podíamos comprar y nos daba la radio, la televisión, a poder elegir otros caminos para explorar. Después podemos hacer una lista larguísima, de cosas que identifican a cada uno, y que luego en el conjunto se integra en su propia manera. Nos conforman: Plantas, drogas, hacer pan, algo de fútbol, ocultismo, la cadetería, la pintura y el dibujo, series, cine, viajar, ensayar sin parar, los animales, ser padres, hijos, nietos, primos, novios, amigos. Jellyhead es un polígono de innumerables aristas”.

Jellyhead es una banda de culto. Su música no acumula cientos de miles de reproducciones en la Internet. Su información se promueve lentamente, de boca en boca. No tienen titulares de prensa casi en ningún lado. Aparecen esporádicamente en sitios especializados, generalmente impulsados por alguna pluma curiosa que quiere contribuir a esparcir la magia envolvente de la banda. Tampoco tienen posiciones de preferencia en los conteos de novedades en Spotify ni otros servicios de streaming. Jellyhead está más allá de eso. El grupo siempre tuvo un perfil bajo, casi enigmático. Solo rompen el silencio para comunicar sobre una fecha o sobre nueva música. Cuando tocan, la gente responde sin falta. Cuando aparece un nuevo disco, inmediatamente genera feedback ante una audiencia cautiva. Teniendo en claro sus valores y posibilidades, la banda genera acciones que van más allá de lo estipulado para “una carrera”: Fechas propias, noches compartidas, festivales donde pueden lucirse en gran forma y bajo su criterio, invitar a otros artistas a sumarse al viaje, quizás por una noche. Desde su discreción Jellyhead siempre está activando.

Al costado de los caminos habituales, Jellyhead prefiere enfocarse en producir algo real, distantes del clamado de atención constante de las redes sociales. Alrededor de toda esa mística que se percibe desde afuera no existe más que la naturalidad de priorizar la música: “Es interesante ver la construcción que planteas porque no fue ideada, sino que somos una serie de individuos que siempre hicieron música por fuera de lo mainstream, redes sociales incluidas. Realmente descubrimos que nos identificamos con el under, y su forma autogestiva de pensar el mundo. Creemos en una realidad presencial, colectiva, de trabajo y militancia artística. Gran parte de la identidad de la banda es su show en vivo y seguimos reforzando eso, que es lo que sentimos que nos hacía crecer y potenciaba nuestro mensaje. Estar ahí en ese momento único e irrepetible. Finalmente, y sin buscarlo, hablar lo justo y necesario nos termina pareciendo hasta concordante en el contexto de hoy”.

Después de los años junto a JÚBILO, nunca más volvieron a trabajar con un sello. ¿Cómo fueron esos años en el sello? ¿Cómo se manejan produciendo de forma independiente?

JÚBILO, a pesar de ser un sello, nos mostró que finalmente en la escala en la que nos encontramos, todo es autogestivo. Y la enseñanza va por ahí. También poder ver que se pueden lograr muchas cosas trabajando en equipo. Luego de su disolución nos vimos teniendo que manejar todo nosotros mismos de nuevo, y creo que ayudó a juntar fuerzas, aprender, conocernos, y también valorar las propuestas de quienes se acercan y demuestran interés por lo que estamos haciendo. Producir de forma independiente tiene sus vueltas y dificultades, pero terminamos siendo infinitamente alegres cada que vez que llevamos algo a cabo. Un ejemplo es lo que hicimos para Psicotropía 6 (festival anual en la provincia de Santa Fe). Montamos nuestra propia productora por decirlo de alguna manera. Un grupo de gente con cabeza abierta que quiere activar fuerte en una ciudad, donde con poco se puede hacer mucho aún.

Jellyhead liberó Amarlasalmas el viernes 8 de mayo, directamente desde YouTube, congregando al público desde un anuncio que anoticiaba horario y lugar de encuentro. La presentación mediante la red llegó, por supuesto, en plena cuarentena argentina por la pandemia del COVID-19. El estrenollegó en forma de combo audiovisual donde las canciones se combinaron con el trabajo de la realizadora Agostina de Mileto.

Durante los 39 minutos del disco se mantienen dos constantes: es ambient y lisérgico. Entre esos dos puntos, el recorrido incursiona en ingredientes que podríamos calificar de noise, experimental, post rock y algún influjo doomero. Cuando algo podría calificarse bajo un subgénero o estilo concreto, Jellyhead se aleja de manera instintiva, evitando lo fácil y predecible.

Amarlasalmas fue grabado durante mes de agosto de 2019 en estudios Penny Lane. La grabación corrió por parte de Carlos Altolaguirre y Renzo Alberá. Finalmente, el disco fue mezclado y masterizado entre septiembre y diciembre por Altolaguirre.

Tanto la composición como la producción de las siete pistas fue responsabilidad completa del grupo.

“El proceso de grabación del disco fue toda una experiencia nueva para la banda”, comparten dos semanas después del lanzamiento. Desde el vamos el grupo hace hincapié en que el trabajo realizado para Amarlasalmas fue diferente a todo lo que habían hecho anteriormente, encontrándose con nuevos procesos de elaboración, principalmente por hacer base en un estudio durante un mes, dedicados por completo al registro.

“Por un lado el sitio donde lo grabamos, que es el estudio Penny Lane. Una referencia total de la calidad y calidez auditiva. Algo sumamente profesional con lo que nunca nos habíamos encontrado”, explican. “Por el otro, ya habíamos trabajado los 5 juntos en la mezcla del primer material. Aquí seguimos la metodología de reuniones grupales junto a Carlos que fue nuestra luz en el camino para llegar al producto final. Estamos más que satisfechos en la manera que nos ayudó a producir el material para grabar en vivo y lograr el sonido que teníamos en mente”.

Lanzaron el disco durante la pandemia. ¿Esa fecha ya estaba planeada de antemano? ¿Tenían otros planes que se arruinaron por la cuarentena?

A decir verdad, veníamos pensando en una fecha de lanzamiento cercana a la que fue, pero nunca como algo principalmente virtual, sino acompañados del equipo con el que venimos trabajando que incluye más gente que hace a la puesta en escena. Puntualmente aquí decidimos hacer una lectura de los tránsitos planetarios para decidir una fecha con horario exacto del lanzamiento y poder así imbuir con otras energías la cosa. Ver un poco de atravesar esta situación que frenó al 99,9% de los que estamos en la música. No conozco otro álbum que se haya presentado así de forma audiovisual digital. Nos parece una apuesta a futuro, aprovechando el hermoso equipo de trabajo que se fue armando los últimos años. Lo que viene siempre debe ser mejor.

Desde hace tiempo vienen trabajando con un grupo de artistas que llevan la propuesta del grupo a un estado más elevado que lo meramente musical. La presencia de VJs como socios artísticos de Jellyhead es una fija, sin dudas. Por ejemplo, Fla Cisera, artista audiovisual con quien compartieron muchas experiencias. En el último tramo vienen armando junto a Agostina de Mileto, que también estuvo a cargo del arte de Amarlasalmas.

¿Se sienten más cómodos entregados a pleno a experiencia audiovisual inmersiva? Me refiero a que generan un clima tremendo, envolvente en todos los sentidos y se mantienen así, casi sin palabras con el público o entre ustedes.

Bastante como decís, Fla se convirtió en una Jelly más. Luego del primer Psicotropía que nos escuchó, se habló de hacer algo. Nos pareció importante el poder brindar una experiencia que fuera más que sonora, bien como decís: Inmersiva. Y claramente no podíamos hacerlo nosotros. En 2016 nos hizo todo el set de visuales de la presentación de nuestro primer disco y giramos con ella en Capital, Gran Buenos aires y sur de Santa Fe. Nos ayudó a construir la identidad audiovisual actual de la banda, algo que valoramos mucho. Tal vez sea reiterativo, pero siempre apelamos a la experiencia en vivo. Es una identificación con nuestros inicios en la música. Creo que todos en la banda somos de una generación en la cual había que ir a los recitales a ver qué pasaba. El internet era nuevo y aún no tan totalitario…va por ahí. En el último año para lo visual hicimos un cambio y empezamos a trabajar con Agostina de Mileto, que es quién hizo el arte general del último disco, tanto lo gráfico como el video. Flavia en el último show diseñó y operó luces tanto DMX como pixel led. Un camino en el que se estuvo perfeccionando el último tiempo y es algo totalmente necesario para nosotros. Nos parece positivo sumar fuerzas, que cada uno sea un leño en el fuego para generar más calor, más energía.

En los últimos años bajaron la persiana varios espacios para recitales. Para grupos con sonidos potentes, a veces se complica encontrar un lugar potable. ¿Tuvieron inconvenientes alguna vez para encontrar lugar? ¿Cómo ven el panorama en ese sentido?

Encontrar un lugar donde poder montar un buen show y que realmente tenga en cuenta todo lo que queremos, es algo difícil en la producción independiente. Aun así, siempre tratamos de ver que es lo mejor para la gente, ponernos en su lugar. Tocamos en la gran mayoría de los sitios de la ciudad y el panorama es completamente dispar. En la Rosario hubo una buena época para los shows, creemos. Cuando comenzamos a tocar, parecía acompañarnos una proliferación muy variada de ofertas de espacios culturales que lamentablemente no pudieron sostenerse y generaron una doble problemática: Por un lado, los que quisieron abrir o mantener abiertos espacios de este tipo encontraron muchas dificultades; para las bandas pasó que se cerraron puertas y por lo tanto las alternativas que quedaron en pie exigieron otras cosas a los músicos. Actualmente no sabemos cómo se va a desenvolver esto, pero pueden estar de seguro de que vamos a presentar este disco en vivo, junto a nuestro equipo. Es lo que deseamos.

Sam Maquieira en cuarentena: “La vida del músico es bien frágil y no hay mucho cómo defenderse de esto”

Iban a ser unos meses de harto trabajo para Sam Maquieira, músico de numerosas bandas entre las que están The Ganjas, Wild Parade y Yajaira. Estos últimos no solo pensaban lanzar un disco y terminar otro, sino que también iban a telonear a Metallica ante un Estadio Nacional lleno el pasado 15 de abril, concierto que finalmente fue cancelado por la pandemia de Covid-19.

“Quedamos con la media vena, estuvimos preparándonos todo el verano pa esta hueá. Pero, bueno, nada que hacer, a cruzar los dedos para que pase luego todo y cumplir ese sueño del pibe”, se resigna por teléfono el guitarrista y vocalista, quien confirmó que siguen contemplados en el recital reprogramado para el 7 de diciembre. En conversación a distancia desde su casa en Santiago, Sam habló con Sonidos Ocultos sobre los proyectos que prepara durante la cuarentena.

Sonidos Ocultos: Ahora que no hay pega con tocatas y ni siquiera puedes ensayar con alguien, ¿en qué te has mantenido ocupado?

Sam: Como no se puede hacer mucho aparte de estar guitarreando en la casa, dándole a algunas ideas, he estado con pega de postproducción de discos. Grabamos con Yajaira desde fines del año pasado y hasta el verano, así que estamos mezclando y masterizando con Jack Endino, desde Seattle, Estados Unidos.

Estoy en lo mismo con Wild Parade, de hecho, íbamos a lanzar un álbum el año pasado justo cuando vino el estallido social, no pudimos hacerlo y ahora menos. Así que estamos sacando temitas de a poco, también con The Ganjas tenemos un disco que estamos trabajando. Estamos realizando todas esas hueás que uno siempre tira pa la cola, es el momento de darle ahora que hay caleta de tiempo.

SO: ¿Entonces habrá lanzamientos con esos tres conjuntos dentro de poco?

Sam: Sí, ojalá. Con Yajaira ya sacamos “Actos Impuros”, un tema del próximo EP que sale este año de todas maneras. Con Wild Parade sacamos dos singles, “Side By Side” y “Sick City”, del disco del mismo nombre que ya está listo, pero ahora no vale mucho la pena lanzar nada.

Con The Ganjas, tenemos un disco que grabamos hace ya un par de años, estamos mezclándolo también a medias con Endino, vamos bien en todo con el ritmo de la ganja. Además, con The Versions hay un álbum listo que grabamos el año pasado con Algo Records, eso está masterizándose ya con Ivan Julian, un personaje neoyorquino que trabajó con Richard Hell y The Voidoids.

También estoy metido en una banda llamada Noverme, editada por BYM Records, con quienes estamos preparando un EP acústico que se viene pronto.

SO: Hace poco tiempo, con Yajaira estuvieron tocando de nuevo con Piri (Héctor Latapiat, ex baterista), haciendo unas fechas en vivo. ¿Por qué se dio eso?

Sam: Con él tocamos en el verano, porque el Flecha (miembro fundador que regresó en 2018) se fue a trabajar por la temporada a un terreno en la Patagonia. Cuando se quemó el Cine Arte Alameda, nos pidieron que apoyáramos con una tocata y como no estaba él, aprovechamos justo que el “Desolazion” cumplía 15 años e hicimos dos o tres shows con Piri, con quien también grabamos “Actos Impuros”.

Estamos trabajando en un disco nuevo desde el año pasado con Flecha, aparte del EP, pero nos cagó toda esta hueá así que no hemos podido reengranarnos con él.

SO: A casi nueve años de fundar Wild Parade, este disco que anuncias sería el tercero. ¿Cómo lo definirías ya que está listo?

Sam: Ahora, parece como pensado desde el título, “Sick City”, pero calzó perfecto incluso en las letras con lo que está pasando actualmente en la pandemia. Bueno, la banda ha hablado harto desde antes con harta crítica a la sociedad, los tiempos y el desarrollo.

SO: En ese sentido, es el grupo más político en el que participas

Sam: Sí, ahí es donde aprovechó de despotricar en contra del sistema de forma más explícita. Con Yajaira igual se da, pero es un poco más onírico, mientras que en Wild Parade es más “in your face” la puteada.

SO: Entre tanta banda, pasabas tocando casi todos los fines de semana del año. ¿Cómo llenas ese vacío ahora?

Sam: Por suerte tengo algunos equipos acá en la casa, guitarras acústicas y eléctricas. La verdad, me arranco de repente a la sala de ensayo que me queda cerca cuando necesito un poco más de wataje, porque soy como medio adicto a eso. Los volúmenes de repente me piden, así que me encierro un rato a darme con los amplis grandes, así bajo la ansiedad un poco.

SO: ¿Y escuchando música? ¿Alguna recomendación de discos para pasar la cuarentena?

Sam: Hemos hecho algunas listas de reproducción en Spotify, con Yajaira y The Versions. Personalmente, he estado como loco bajando discos completos, no tengo Spotify así que los descargo con Soulseek, donde pillai de todo. Con el que he estado pelando el cable últimamente es uno de Robin Trower, guitarrista master de los setentas que tiene un álbum llamado “In City Dreams”, que me ha tenido bien enganchado. Tiene un sonido psicodélico y medio futurista, le he dado como caja así que ese recomendaría.

SO: Y aprovechando de repasar un poco a Metallica, en una entrevista anterior, dijiste que cuando eras adolescente y los escuchaste, te diste cuenta de que te gustaba tocar.

Sam: De pendejo, el ímpetu por agarrar la guitarra fue para tocar riffs de ellos. Los primeros que me aprendí fueron las intros de “Welcome Home (Sanitarium)” y “Fade To Black”, eso cuando solo tenía guitarra acústica. Después, en la eléctrica saqué “Seek And Destroy”, porque había que tocar esa hueá. Esos eran los leitmotiv de pendejo, siempre de los cuatro primeros discos.

SO: Siempre se habla de esos, ¿con cuál te quedas?

Sam: Esa es la clásica pregunta. Yo los vacilo todos, pero el “Kill ‘Em All” para mí es como la esencia de la hueá, ese rock and roll que tiene a mí me partió el cerebro, al igual que los otros. “Ride The Lightning”, es una maravilla, “Master Of Puppets” ya es como la cúspide para mí de Metallica. Estoy entre esos tres, porque el “…And Justice For All”, aunque tiene temazos, siempre me hueveó por el sonido y la falta de bajos que era bien notoria.

Con Yajaira, solíamos tocar “Hit The Lights”, hay unos videos en los que salimos dando jugo haciéndola como pico al final de una tocata. Una versión más destroyer del tema, con mucho respeto entre todo.

SO: ¿Cómo ves este período en el que nadie puede tocar en vivo, lanzar discos, promocionar cosas, ensayar ni trabajar en la música?

Sam: La vida del músico es bien frágil, no hay mucho cómo defenderse ante algo así. Uno puede apañar un poco haciendo streaming, cosas así, pero no nos hemos metido mucho en eso porque no nos podemos juntar a tocar. En términos de ingresos estás bien cagado, porque son básicamente por los shows en vivo y cada cierto tiempo cae algo por derechos de autor, desde la SCD.

La fuente de trabajo son las tocatas, vender discos y el merch, como poleras, pero eso se hace también en los conciertos y en estos tiempos, quien compra discos es el hueón más coleccionista. Es un medio bastante frágil y habrá que apretarse el cinturón, pero también da para que salgan cosas buenas como el hecho de que las ciudades descansen, que se despolucione un poco el planeta.

SO: Pasa también que las bandas, por ejemplo, no boletean por sus shows como para haberse salvado con la devolución de impuestos, por último…

Sam: Ni siquiera, a mí por ahí no me cayó nada y ni sé si estoy muy en regla la verdad, boleteo como una vez al año si es que toco en algún festival como Woodstaco, por ejemplo. En las tocatas, se gana por la entrada de la puerta y eso es todo en negro por lo general.

SO: Hace poco, Hielo Negro volvió a las pistas con un nuevo baterista después de que en 2018 desvincularan a Pinpón, fundador quien fue públicamente acusado de abuso sexual. Él también tocaba con Yajaira y fue expulsado por el mismo motivo, ¿cómo lo ves ahora en perspectiva a casi dos años de eso?

Sam: Bueno, fue súper complicado inicialmente porque no cachábamos muy bien la historia. Supimos su versión y por otra parte vimos una gran funa en redes, por lo que no pudimos seguir tocando con él, no había cómo y lo mismo le pasó a Hielo, donde fue siempre fundamental su presencia y para ellos fue más difícil.

Debimos dar un paso al lado y lo entendió, obviamente. Hasta que no se resuelva bien el caso, es difícil opinar ya que nunca se cerró y quedó ahí, en “stand by”.

SO: Sin embargo, no dudaron y anunciaron su determinación sin poner en cuestión el testimonio de la denunciante

Sam: Con Comegato (bajo y voz) lo decidimos entre los dos, como miembros originales de la banda. No podíamos tirarnos a defenderlo sin saber tanto de la hueá, además todo creció a niveles gigantescos y quisimos también mantener la banda. Por otra parte, ya hemos cambiado de baterista varias veces.

Haya hecho o no lo que dicen, su oficio que es ser baterista de rock porque no tiene otro a estas alturas, lo mataron al menos por un buen rato. Espero que se resuelva el caso con la verdad. Con Yajaira, seguimos adelante y por cosas del destino, nos encontramos con Flecha de nuevo y vamos a ver cómo se dan las cosas, sobre todo con este nuevo disco. También nos reunimos con el Piri, un rato, así que todo eso nos tiró para arriba.

Foto portada: Rodrigo Damiani

Amenaza 83 (Puerto Montt) “El arte es una proyección real de lo que sientes y piensas, eso tratamos de plasmar en nuestra música”

Por: Nicolás Barría

Los Sonidos Ocultos del sur de Chile siguen siendo develados, en esta ocasión conversamos con la agrupación puertomontina Amenaza 83, quienes pese a las dificultades provocadas por la crisis sanitaria del Covid-19 se dieron el tiempo de hablar con SO, relatándonos cómo fueron sus orígenes, la producción y recibimiento de su más reciente trabajo de estudio, su visión frente al Covid-19, entre otros interesantes temas.

Comencemos conociendo sus raíces ¿Cómo nace este proyecto?

La banda nace el año 2003 cuando éramos estudiantes de enseñanza media, tras un tiempo de ensayos, sacar covers, adquirir influencias, idas y venidas de algunos integrantes cuando cursaba el año 2006 logramos tomar una mayor solidez y comenzamos a crear nuestras primeras canciones y a presentarnos en vivo también. Dentro de la historia de Amenaza 83, han existido 3 formaciones principales, la primera consta de 5 integrantes(Marco, Felipe, Leo, Fernando y Oscar) con los cuales grabamos el demo “Reglas del Odio” el año 2007 pasado unos años hubo un cambio y suma de integrantes en el line up lo cual da como resultado una banda con 6 integrantes (Alfredo, Fernando, Oscar, Leo, Alonso y Marco) con los cuales el año 2013 grabamos nuestro primer álbum “Caminando entre los muertos” álbum que nos da buena recepción, cariño por quienes nos siguen y conocen desde el comienzo. Pasado los años, los viajes y las tocatas el line up de la banda vuelve a tener otro cambio, el cual mantenemos hasta hoy.

La actual formación conformada por Leo (Voz), Alonso (Bajo), Marco (Guitarra) y Oscar (Batería), con quienes tras arduo trabajo y ensayos damos nacimiento a nuestro segundo álbum “No existe esperanza en este lugar”.

Creemos que lo más importante detrás de lo que es nuestra historia es lo que tratamos de transmitir transversalmente en nuestras letras, en un comienzo la gran mayoría de nuestras canciones estaban orientadas a lo sentíamos cuando éramos más jóvenes e hiperventilados, nuestro nuevo disco a diferencia del primero, tiene mensajes mucho más pesimistas, pero a la vez maduros con base, argumento y experiencia, nos enfocamos mucho a la crítica social y a lo negativo de nuestro mundo.

Aprovechando que mencionan su nuevo trabajo “No existe esperanza en este lugar”, cuéntenos ¿Cómo se realizó su producción? ¿Qué tal ha sido la recepción por parte del público?

El disco se grabó de manera independiente en el año 2019 en los estudios de Refugio Sonoro en Puerto Montt, bajo la dirección técnica de Lino Iturra. Nos tomamos un fin de semana completo para la grabación, el proceso total duro casi 2 meses, fue un proceso largo, pero valió la pena. Nos sentimos mucho más cómodos y seguros a diferencia del primer disco a la hora de grabar, pues los años que llevamos tocando nos han servido de experiencia.

Nos llegó una crítica muy buena, nos dijeron que este disco se escuchaba más maduro y sólido en comparación a “Caminando entre los muertos”, la opinión viene de alguien que sabe del tema dentro de nuestro submundo musical. En general el disco ha tenido muy buenas críticas, pese a nuestra forma de componer, no tratamos de hacer un solo estilo en particular, hacemos todo como se nos levante la raja, y creemos que es la forma más honesta de hacer música, el arte es una proyección real de lo que sientes y piensas, eso tratamos de plasmar en nuestra música.

Según tengo entendido, la fecha que tenían programada para el lanzamiento de este nuevo trabajo debido ser cancelado producto de la crisis sanitaria provocada por el Covid-19 ¿Qué pasará con esa situación? ¿El lanzamiento sigue en pie?

Obviamente el lanzamiento en vivo va. No podemos decir una fecha por razones obvias, pero esperamos que apenas termine esta situación realizamos algún concierto, pero no podemos asegurar nada de momento.
Tenemos pensado hacer un concierto online con una buena calidad de sonido enfocado a todos quienes estaban esperando el disco.

¿Cómo les ha afectado esta situación del Covid-19 y de qué manera se han reinventado?

Oscar es el que más lo ha sufrido, ya que, es quien trabaja directamente en el ambiente musical, literalmente se quedó sin trabajo.

Después de algunas semanas hemos podido volver juntarnos y ensayar, con todas las medidas de seguridad necesarias, estuvimos casi un mes sin tocar, porque la sala cerro temporalmente. Ya le hemos perdido el miedo a este virus, no estamos ni ahí con él realmente, sinceramente más miedo nos da el control social que ha impuesto los estados en las sociedades, se ha hecho una campaña mediática enorme que solo ha dado como resultado quitarle la libertad a la gente cada vez más. Las personas solo han obedecido todo lo que le dicen, jamás han cuestionado nada.

Sé que algunos de ustedes tocan en otras bandas y tienen un buen conocimiento de la escena musical puertomontina, nos gustaría conocer ¿Cómo han visto la evolución de esta a lo largo de los años?

Sabes hay de todo en esta ciudad, una fusión de estilos, producciones y eventos, lo cual nos ha hecho crecer bastante, no tenemos problema con compartir con artistas con otras tendencias y atracciones musicales, al contrario, resulta bastante nutritivo e interactivo porque así aprendemos de quien tenemos al lado o de quien solemos frecuentar o topar en uno que otro show. De hecho, nosotros tenemos una canción que habla un poco de esto, de la creación de enemistades entre nosotros mismos, pero el enemigo es uno solo y tenemos que unirnos para luchar contra él.

En Puerto Montt hay muy pocos lugares para tocar, hemos tenido que buscar nuevos espacios para tocar y difundir nuestra música.

Para ir finalizado ¿Qué se nos viene próximamente?

Estamos actualmente en la postproducción del disco, trabajando en merchandising, copias físicas de este, queremos hacer un recital de cuarentena también. Esperamos seguir componiendo y grabando, aprovechando este momento que estamos viviendo.

Antes de despedirnos queremos decirles a todas las personas que nos escuchan y a los que leerán esta entrevista “Busquen la verdad aprovechando los distintos medios que existen. No seamos cómplices de estas bestias sin alma que nos tienen como esclavos. Nos roban y nos violentan de manera constante, queremos que reacciones ante esto y que rompas el esquema. Desapégate de los estereotipos que la sociedad te impone de manera avasalladora, que no te hagan creer jamás que tu estas mal al quejarte por las injusticias con las cuales el poder se burla de todos nosotros y nosotras”

Para finalizar, los invitamos a todos a revisar nuestras redes sociales y escucharnos es Spotify, iTunes o Youtube. Estamos disponibles en todas ellas

«El Universo paralelo» de Rosedal (Argentina)

Desde Argentina, la banda de shoegaze y dream pop  Rosedal, conversa sobre su nuevo disco de edición internacional y la pandemia que atraviesa cada aspecto de la actividad musical.

Antes que la incertidumbre por la pandemia del COVID-19 sumiera a la mayoría del planeta tierra en un stop casi total, en Argentina apareció “Universo paralelo”, segundo disco del grupo shoegazer Rosedal.

El EP consistente de tres canciones fue publicado de manera internacional gracias a la unión de dos sellos: Gejitsu Stargazing Society, de Filipinas, y Remedio Casero Discos, de Argentina. “Universo paralelo” cuenta con una edición en cassette (como todo el catálogo de Remedio Casero) y está disponible en las plataformas de streaming y YouTube.

“Universo Paralelo”de Rosedal fue producido en conjunto por Martín Greco (Ex-Mi Nave) y Juan Albornoz, y llega en un tiempo de crecimiento para Rosedal, más allá del lockdown global que todo lo afecta. 2019 fue año de buena actividad para la banda, tocando de manera regular en Rosario, su ciudad natal, y emprendiendo las rutas hacia otras ciudades, para compartir fechas con bandas de La Plata y Buenos Aires.

 

2019 fue, además, un año de crecimiento en cuanto a la sonoridad de la banda. Luego del debut de “Portal” de 2018 (producido por Ignacio Molinos de Matilda, Tensión y N.Y.E.R.) en formato de cuarteto, Rosedal incorporó a la tecladista de Victoria Chairo, ampliando su espectro musical, llegando a texturas más climáticas. La llegada de Chairo funcionó como un elemento de equilibrio para el grupo que, especialmente en vivo, tendía a dejarse llevar hacia volúmenes desafiantes de los que muchas veces salían airosos, pero, en ocasiones, ponían en jaque el logro de todo el concierto. Con los teclados Rosedal encontró balance, optando por indagar en los moods, desarrollando más su costado dreampop. Desde entonces la banda se mantuvo constante en los vivos, dejando de lado la irregularidad.
A la grabación de “Universo paralelo” el grupo llegó preparado. A la consolidación lograda por ensayos dedicados y recitales, la banda agregó un periodo de pre producción especialmente dedicado a trabajar las guitarras.

Produciendo de manera cercana a Greco, ambas guitarras pudieron evolucionar, logrando un resultado satisfactorio para todas las partes.

Otro cambio que debe apuntarse es que, sobre finales del año pasado, ya con el material grabado, el grupo sobrellevó un cambio en su formación debido a un viaje de extensión anual del guitarrista y cantante Lisandro Navarro. Luego de reflexionar sobre parar por un tiempo y dedicarse solo a editar música nueva, Rosedal decidió seguir adelante. El grupo rearmó su formación y hoy está integrado por Martín Sintora (Bajo), Victoria Vico Chairo (Teclados), Leandro Paquez, Alfonso Almoguera (Guitarra y voz), Matías Orsi (Guitarra y voz).

Sobre el nuevo EP, la decisión de seguir adelante reformando la banda, la llegada de otros sonidos y el cráter que está produciendo la pandemia en el circuito musical independiente, conversan ahora Vico Chairo y Mati Orsi de Rosedal.

¿Cómo surgió la relación que entablaron hace años con el sello Gejitsu Stargazing Society?

Orsi: Todo empezó cuando Nadine (Integrante del grupo filipino Savedhistory) nos escuchó a través de Bandcamp. Le gustó mucho la banda y nos contactó. De hecho, hizo un cover de Rosedal en uno de sus shows, algo increíble. Ella se copó tanto, que quiso que el cassette que habíamos editado, “Portal”, salga también en su ciudad. Así que se contactó con Kurvine, del sello Genjitsu Stargazing Society, y nos editó el cassette allá. Se vendieron todos en dos días, fue genial. Para cuando estábamos grabando el EP nuevo, se contactó directamente el, y nos preguntó si podíamos editarlo en conjunto, y así fue. Ya salió allá, y los hizo en unos cassettes hermosos color lila, que los mandó a pedir a EEUU. Todo loquísimo.

¿Cómo fue el proceso de grabación junto a Martín Greco?

Chairo: Fue una gran experiencia. Era mi primera vez que grababa un EP en estudio y la verdad que me sentí muy cómoda y emocionada. Martín entendió claramente la esencia del EP y nos brindó ideas que nos sirvieron muchísimo. Se dispuso y compenetró totalmente, y en cada detalle con el proceso del disco, lo que nos dio muchísima seguridad.

Orsi: Fue muy bueno. Teníamos una idea bastante clara de lo que queríamos, y él lo entendió al toque. Creo que es también por las influencias que tenemos: él las conoce y entendió para qué lado iba el EP. Nos ayudó bastante con el tema producción, aportó data que dio una frescura importante al producto final. Siempre seguí a Mi Nave, es una de mis favoritas de la ciudad, y yo sabía que la data de Martin le iba a venir bien a Rosedal.

¿El trabajo de preproducción en guitarras cómo fue?

Orsi: Con Lisi siempre tuvimos una buena conexión, siempre supimos qué podíamos hacer y qué no. Dónde tocar y dónde no, en qué partes. En el primer disco, quizás, está más nivelada la participación de cada uno. Pero en este tratamos de darle más ruido, un poco más de distor, y que la guitarra que hace el arreglo quede bien al frente. Ambos tenemos guitarras que nos encantan, y como que le sacamos el sonido que realmente queríamos. Además, Andrés Yeah (guitarrista de Queridas) muy copado, nos prestó su Roland Jazzchorus, y fue como grabar con sonido soñado.

Vico, con tu incorporación Rosedal encontró un balance necesario, sobre todo en vivo. ¿Cómo fueron esos primeros tiempos con la banda? ¿Cuáles fueron los puntos específicos que trabajaron?

Chairo: La verdad que siempre me sentí muy cómoda y cuidada. A nivel musical estaba viviendo experiencias nuevas y la verdad que se fueron desenvolviendo de manera muy grata y divertida. Empezamos a trabajar con los temas de “Universo Paralelo” y con los que seguimos tocando en vivo del disco anterior enfocándonos en lograr pads con acordes y melodías con el sinte, buscando un sonido más bien ambiente y espacial. Jugamos con melodías de las guitarras permitiendo que éstas puedan tener un poco más de aire, también acompañándonos con el bajo.

¿Para el grupo ya armado cómo cambiaron las cosas con su llegada?

Orsi: Musicalmente, hizo que estemos más libres las guitarras, para que no siempre este sonando algo. Además, ella toca muy bien, e hizo unos dibujos muy piolas para cada tema, no solo para estos nuevos, donde ya participó a nivel compositivo, si no que le hizo unas teclas a los temas del 1er disco, los cuales no tienen teclas grabadas, pero así los pudimos adaptar al vivo. Después, a nivel humano, una masa. La verdad que estamos muy contentos. Aporta muchísimo a la banda, y nos pone muy contentos también que disfrute tocar con nosotros.

¿Con el viaje de Lisandro cómo se va a reconfigurar el grupo para seguir tocando? ¿En algún momento evaluaron parar?

Chairo: incorporamos a Fonso en voz y guitarra y estamos muy contentes, es un gran amigo de la banda. Conoce y entiende a Rosedal, así que en poco tiempo se dispuso y sacó los temas. Mati se sumó a cantar más. También estoy viendo si me animo a hacer coros. Estábamos ensayando y preparándonos para los próximos vivos, hasta que surgió la cuarentena. Más que pensar en parar, si bien, al comienzo, teníamos algunas incertidumbres lógicamente, sucedía que recién me incorporaba, sacábamos un EP, y la banda tiene un camino muy lindo recorrido a nivel humano y musical, y aún tiene mucho para dar así que valoramos todo eso y nos enfocamos en cómo seguir delante.

Orsi: en algún momento se nos cruzó parar, porque no teníamos conocimiento real de cuánto tiempo se iba. Después de charlarlo, decidimos seguir. Nos parecía que no estaba bien darle fin, más que nada con un EP recién salido. Hace unos meses entro Alfonso, a tocar la guitarra y cantar. Yo también me sumé al micrófono, así que ahora la banda está conformada y consolidada así. Por suerte Fonso es un amigo nuestro de hace muchos años, hemos compartido otras bandas con él, y fue muy fácil encontrar la química para llevar adelante Rosedal. Estamos muy agradecidos con él, porque se sacó los temas al toque y ya estábamos dejando todo a punto para empezar a pensar en salir a tocar, pero bueno, estamos todos en una cuarentena jamás pensada. Así que esperamos volver a ensayar para que apenas se active todo, podamos salir a tocar con la nueva formación.

Si bien venían tocando las canciones del EP en vivo durante los últimos 8 meses, estrenaron disco y cassette y se vino cuarentena. ¿De qué forma manejan el encierro y la abstinencia de tocar en vivo? ¿La cuarentena sirve para ir generando música nueva?

Orsi: Sí, creo que nos va a servir para componer cosas nuevas, también poder buscar bien el sonido de cada uno. Usamos muchos pedales y sonidos sónicos, que siempre requieren atención, no es fácil encontrarle la vuelta. Todos tenemos los instrumentos en sus respectivas casas, así que seguro para cuando termine esto tenemos un EP nuevo.

Chairo: musicalmente al encierro lo piloteamos produciendo y tocando en casa. Particularmente estoy buscando nuevos sonidos en las teclas y en un nuevo sinte que estoy investigando. Estamos generando música nueva, componiendo, para Rosedal y para otros proyectos que tenemos también cada une por fuera de la banda, y vamos hablando todos los días, compartimos e intercambiamos opiniones y data.

Con Remedio Casero vienen trabajando parejo en los últimos años, ahora con un equipo conformado. Además del trabajo en recitales, lanzamientos en cassettes justo habían lanzado un ciclo quincenal en Hevale (bar rosarino) con artistas del sello y DJs invitados. Eso tuvo que suspenderse por la cuarentena total ¿Cómo te parece que se va a reconfigurar toda la movida post cuarentena?

Orsi: Si, la verdad, que este último tiempo el sello es lo mejor que nos ha pasado. Es un colectivo importante en la ciudad, y se está notando que a nivel nacional también está teniendo un nombre. Nos quedaron en el tintero algunas cosas, por ejemplo, el ciclo «Como en casa». También quedó en stand by un ciclo que estábamos haciendo con Fuego Amigo de Buenos Aires. Estamos muy ansiosos de poder llevarlo a cabo. Creo que va a costar remontar todo. Ojalá no tengamos que esperar hasta el año que viene para que todo se normalice porque sería perder un montón de tiempo. Como sello, como bandas, y como propuestas para la ciudad.

Invernadero (Temuco) “La clave detrás de nuestra música es que respondemos a todos los sentimientos que salen de nosotros”

Por: Nicolas Barría

Son las 19:30 hrs me dirijo a una cita especial con la música, el sonido psicodélico e instrumental de Invernadero me hacen compañía mientras camino en dirección al lugar acordado donde realizaríamos la entrevista -tengo grandes expectativas-. Me recibe en la puerta el guitarrista Sebastián Moncada, al ingresar veo de manera inmediata al resto de la banda, Paolo Mardones (Bajista) y el dueño de casa Nicolás Norambuena (Baterista).

Me siento frente a ellos, les doy las gracias por la posibilidad de hablar con SO, y sin vacilar comenzamos con una entrevista discreta pero llena de pasión.

Veamos sus inicios ¿Cómo nace y se forma invernadero?

Bueno, nos conocemos hace muchos años desde que somos adolecentes, todos eramos amantes de la música, comenzamos a conocernos por lo mismo, algunos de nosotros ya tocábamos en otras bandas, ya en el año 2013 nos juntamos y comenzamos con esto de la música instrumental. El ser buenos amigos nos ha ayudado mucho para crear un lenguaje musical propio (al menos para nosotros), todo ha sido más fácil gracias a que tenemos una gran conexión.

He escuchado su bastante sus trabajos últimamente, me llama la atención su estilo setentero con claros sonidos psicodélicos, haciéndome recordar grandes bandas como Pink Floyd, Jimmy Hendrix o Tool ¿Por qué eligen este estilo y por qué instrumental?

Todo este estilo nació por nuestras constante juntas para hacer jam session, fruto de estos encuentros comenzamos a componer temas, realmente todo fue espontaneo.

Nunca nos cuestionamos el tema de la voz, si bien, lo intentamos alguna vez nunca nos llamó la atención del todo. Nos hemos dado cuenta que lo instrumental nos hace único y, además nos da mucha libertad. Nos gusta mucho la progresividad y las subdivisiones en la música, eso igual se nota mucho al escuchar nuestras canciones.

Toda nuestra música nace del acercamiento que tenemos todos con el rock, igual nuestros nuevos trabajos tienen nuevos tintes, la clave detrás de nuestra música es que respondemos a todos los sentimientos que salen de nosotros. Si bien, tenemos varios proyectos, Invernadero es uno de los espacios que tenemos con más libertad para crear. Sentimos no hacemos música tan compleja, en los últimos años hemos tenido tanto aprendizaje que cada nuevo trabajo de invernadero es un lienzo en blanco. Igual Sebastián en ingeniero en sonido, eso igual nos ha aportado mucho.

¿Cómo hace una banda instrumental para recordar todo lo que toca?

(Risas) Mucho ensayo y grabación, de hecho, grabamos todos nuestros ensayos y los escuchamos posteriormente. Igual esa es una pregunta que muchas bandas nos hacemos, al final es pura constancia y ensayo, no escribimos las partituras es pura memoria.

Hace meses atrás SO analizo su último trabajo de estudio denominado “Entropía” ¿Podrían contarnos más sobre este nuevo álbum?

Entropía nace una continuidad de nuestros trabajos anteriores, después de todo un proceso creativo llegamos a Entropía, tratamos de darle un nuevo norte a este nuevo trabajo. A diferencia de nuestro primer disco, Entropía es el primero en tener un nombre concreto y un orden en las canciones.

La portada del disco llama bastante la atención, siento que es un mundo de ideas y conceptos bastante bien plasmados ¿Por qué eligen ese arte y quien lo diseño?

El trabajo artístico lo hizo Bárbara Joglar (BAJO), una artista plástica de Temuco. Hablamos con ella y acepto hacer la caratula del disco, le dimos bastante información y el nombre de las canciones del disco y comenzó a trabajar. El trabajo final fueron 3 planas de block de dibujo, el trabajo completo está dividido entre la caratula y la contra portada, es una locura máxima. De hecho, dentro de la ilustración están plasmadas todas las canciones, hay hongos, cogollos y choques de energías.

El arte se demoró 1 año en ser concretado, sufrió bastantes cambios desde un comienzo hasta el final, la caratula refleja la entropía en sí.

Sobre su reciente presentación en Woodstaco 2020 ¿Cómo les fue y como la vivieron? ¿Volverían a ir?

Puta siempre es bueno tocar en Woodstaco, todos estamos de acuerdo que es el mejor festival que hay en nuestro país sobre Lollapalooza, es simplemente fantástico. Hay caleta de espacio para las bandas independientes, si bien, este año el cartel fue mucho más discreto, la energía del festival es tremenda.

Si hablamos de nuestra participación, estuvo súper buena y nos trataron muy bien, en general estuvo muy bueno. En general nos sentimos súper bien, la gente fue muy respetuosa y buena onda, fue toda una experiencia. Y obvio que volveríamos a ir, si nos invitan.

Hablemos un poco de su sello discográfico “Humo de Temu” ¿Cómo nace esta idea?

Bueno, deriva de una sala de ensayo que teníamos con el mismo nombre. De ahí salió la idea de hacer una agrupación cultural para poder postular a fondos de todo tipo, sobre todo artísticos. En el año 2018 gracias a un fondo se concretó la creación del sello, eso fue un empujón para ayudarnos a hacer una página web, grabar algunos videos clips y además poder grabar lo que fue el disco “Entropía”.

¿Con que otras bandas está trabajando el sello actualmente?

A parte de Invernadero estamos trabajando con bandas como Restos de Violeta, Laberinto Nativo, Andrés Mella, El Árbol (En cierto momento), entre otros artistas.

¿Cuentan actualmente con algún lugar establecido para realizar grabaciones?

Hace hasta muy poco teníamos, estamos buscando un nuevo lugar, estuvimos 5 años con un lugar estable con una sala de ensayo. Queremos proyectarnos a encontrar un lugar bacán para un futuro.

Para finalizar ¿Qué visión tienen la escena musical que se está gestando en la ciudad de Temuco?

La escena y el público está la raja, pero lamentablemente la ciudad no está a la altura. El público esta yendo a las tocatas, de hecho, a veces se llenan, pero desgraciadamente no tenemos los espacios suficientes. Hay muchas bandas haciendo las cosas bien, pero aquí no hay lugares donde tocar.

Aquí en las regiones no hay mucha gente especializada en algunos aspectos que se necesitan, eso igual complica hacer crecer la escena. Es bastante penca el área cultural aquí en Temuco, partiendo porque en la municipalidad ni siquiera hay un departamento de cultura, creemos que ha habido una muy mala gestión de las artes en Temuco.
Finalizada la conversación, les vuelvo a reiterar mis agradecimientos por el placer de entrevistarlos. Para mi sorpresa la banda me invita a la que será la celebración del aniversario de Humo de Temu –por desgracia nadie pudo presagiar que el mundo se detendría totalmente producto del brote del Covid-19, lo que causaría mi reporto inesperado a mi ciudad de origen-. Me voy con 2 sensaciones tras la entrevista, una enorme tristeza debido a los relatos de la mala gestión municipal y falta de lugares para el desarrollo de las distintas formas de arte en la ciudad; pero una gran alegría al ver que hay personas que con mucha pasión luchan por propagar y profesionalizar un arte tan bello como lo es la música.

Zona 84: 25 años de Punk Rock, Ruta y Resistencia Diy desde Argentina

Grabando nuevo material y a punto de emprender una nueva gira por Alemania, la banda argentina Zona 84, reflexiona sobre 25 años de trabajo independiente, resistencia y formación punk rock.

Zona 84 es una banda oriunda de la provincia de Santa Fe, Argentina. Desde la ciudad de Rosario, vienen agitando el circuito de punk rock resistiendo y creciendo en un estadio que los ubica como referentes, banda insignia y motor dinámico que no afloja con el paso de los años. El tiempo, incluso, parece potenciarlos, permitiendo la posibilidad de potenciar experiencia, aprendizaje y simplificaciones técnicas en proyectos que, con paciencia, van concretando.
La banda está integrada por Guillermo Rodríguez, guitarrista y voz; Juan Rodríguez en voz; Belisario Gronda, en guitarra; Diego Emilio Chain, en bajo y coros y Tomás Lewis, en batería.

El sitio web oficial del grupo, que funciona como un headquarter principal para la comunidad del extranjero, propone una biografía que dice así: << Zona 84 es una banda nacida y basada en Rosario, desde 1993. Su música es Punk Rock clásico, influenciado por bandas como The Clash, Ramones, SLF y Cock Sparrer entre otras. Sus letras son tan importantes como su música y transmiten un mensaje sólido, con sensaciones fuertes que hacen repensar la manera en que vivimos. ZONA 84 no tiene manager ni ninguna empresa “mainstream” trabajando para ellos, y desde 2009 llevan adelante su propio sello: Despabila Records. La política de Control Total no es un slogan para ellos y han desarrollado su carrera en base al “Hazlo tu mismo”, demostrando que lo que dices y lo que haces debe ser coherente. Son una leyenda absoluta en su ciudad natal Rosario y han compartido escenarios con casi todas las bandas locales incluyendo a Los Violadores, Attaque 77, Argies y Fun People, así como con muchos de sus “héroes”: Buzzcocks, Social Distortion, NY Dolls, Die Toten Hosen, Pennywise, CJ Ramone, Jello Biafra y MCD >>

No tengo una estadística oficial de un relevamiento realizado por la Universidad de Massachusetts, pero apuesto que el 80% de las gacetillas o biografías oficiales están inyectadas de humo buscando inflar al artista en cuestión. Sin embargo, en el caso de Zona 84 sí se puede corroborar que esa bio apunta realidad. La banda se inventó a sí misma y bajo el lema de DIY llevó adelante logros que quizás nunca estuvieron en sus sueños más remotos de cuando eran unos púberes punks rosarinos, alentando a Rosario Central y leyendo ciencia ficción distópica o al historiador Osvaldo Bayer. De hecho, mostrando una coherencia a través de los años, en la entrevista que está por venir, Guillermo Rodríguez cita esas referencias manera natural, señal de un camino cimentado con un mensaje (y una postura) clara ante los aspectos más tenebrosos de la condición humana, esas historias que van y vuelven sin nunca extinguirse del todo.

Con constancia, sudor y deseo puestos en las canciones y el punk rock, la banda se convirtió en uno de los estandartes de trabajo independiente en la ciudad de Rosario.

Disco tras discos, año tras año, se forjaron una leyenda que los convirtió en referentes para las nuevas generaciones. Su música atravesó modas, gobiernos, y unas cuantas transformaciones de su ciudad, y su grito, hoy, está más presente que nunca.

Hoy vislumbran nuevas canciones y un disco en vivo celebrando 25 años de vida. Además, su sello Despabila Records, junto a su homólogo de Hamburgo, Pauli Punker, acaban de lanzar el compilado NO BORDERS, que incluye 52 bandas argentinas y alemanas en un CD doble.

Entre pandemias, timba financiera internacional y liderazgos políticos payasescos Zona 84 sigue adelante, alzando la voz.

El intercambio con Zona comienza, como corresponde, hablando de sus pagos: la ciudad de Rosario. El punto de partida es inobjetable. Se trata de la nueva ola de clausuras (otra más y van…), multas y controles agobiantes a bares y espacios culturales independientes que albergan parte considerable de la actividad musical rosarina. La banda, con más de dos décadas de actividad, casi que lo ha visto y experimentado todo. Por eso, sus observaciones respecto al tema son imprescindibles: “Para el Punk Rock es una crisis permanente. Sobre todo, para las bandas que recién arrancan. Junto con el Metal siempre fueron las Cenicientas de la música. En este momento no hay ninguna banda Punk “de moda” en el mundo y eso cierra más puertas todavía. Pero la verdad es que estamos acostumbrados a tenerla difícil. De cualquier manera, por supuesto que nos parece nefasto que cierren los lugares donde se genera cultura y adonde pueden ir los jóvenes a escuchar música e ideas que muchas veces tienen un impacto muy positivo en la vida de alguien. Lo gracioso es que después hay que escuchar cosas como “hay que sacar a los pibes de la calle” o “Rosario es una usina de bandas” de boca de los mismos que cierran los locales. Supongo que el Punk Rock no es un buen negocio ni una buena propaganda para bolicheros y políticos, así que no está en la agenda de unos ni otros”.

Antes de terminar, Rodríguez, remarca que la oscuridad no es completa y hay espacios que resisten. “Nobleza obliga: todavía algunos creen que vale la pena esta movida y apuestan a invitarnos a tocar. Por supuesto, les estamos muy agradecidos”.

En Latinoamérica se viven momentos turbios desde lo gubernamental e institucional. Tanto en Chile como en Bolivia, Brasil o Ecuador, han sido los artistas quienes salieron a dar voz a la resistencia de las calles y la gente. Las canciones de Zona 84 desde siempre plantean la resistencia y la lucha, de unirse ante amenazas que persisten.

¿Creen que el mensaje de sus canciones toma más energía con el paso del tiempo?

Lamentablemente, no hace ser muy inteligente para llegar a esta conclusión: unos pocos abusan de muchos. Y los artistas lo han puesto en música, palabras o imágenes. Basta leer 1984 (George Orwell), Un mundo feliz (Aldous Huxley) o a Osvaldo Bayer. Basta escuchar el tango “Cambalache”, o escuchar The Clash o La Polla Records. El problema es que la soga aprieta cada vez más y la gente ya no lo soporta. Cuando deja de ser una cuestión ideológica y pasa a ser una cuestión de supervivencia la cosa se pone brava.

Zona ya tiene un recorrido y una obra que se extiende más allá de su generación. ¿Cómo es el dialogo con los más jóvenes que se formaron escuchando a la banda y ahora son colegas?

Empezamos en 1993, en ese momento había muy pocas bandas tocando y desarrollando la escena Punk en Rosario, así que la mayoría de las bandas con las que coexistimos ahora son más jóvenes que nosotros. Tenemos muy buena relación con muchas de las bandas nuevas y con algunos somos amigos. Con nuestro sello Despabila Records hemos grabado y editado a varias de ellas.

En más de 25 años de trayectoria jamás le cobramos a ninguna banda para tocar, ni les hicimos vender entradas, no tenemos manager y somos 100 % autogestionados. Ese es nuestro legado para las generaciones futuras.

¿Cuáles son las principales enseñanzas de crecer, formarse y desarrollarse en la comunidad del punk rock?

El Punk Rock para nosotros fue la puerta de entrada a muchas culturas y filosofías con las que esta movida tiene afinidad (y es el motivo por el cual seguimos acá), como ser las ideas libertarias, antimilitarismo, antisexismo, antirracismo y fundamentalmente a desarrollar un pensamiento crítico ante lo establecido. Pero sin dudas lo que más aprendimos y llevamos a la práctica es el “Hazlo tú Mismo”.

En un mundo donde la tecnología acortó las distancias y los tiempos, ustedes siguen apostado a ambos frentes: el catálogo completo del grupo y el sello está online pero también siguen editando discos físicos y algunas tiradas limitadas para el coleccionista. ¿Cómo van armando el catálogo?

Nosotros tenemos más de 40 y crecimos escuchando discos y cassettes. Para mí es un ritual elegir lo que voy a escuchar, darlo vuelta, leer las letras, ver quien lo mezclo, analizar la lista de temas, quien compuso cada canción (e intentar adivinar que integrante hizo cada tema). Nada de eso es posible (o es muy difícil) con el formato digital. Además, y es fundamental, desde 2017 el sello de Hamburgo Pauli Punker está editando nuestra música. En Alemania existe aún mucha gente que compra discos, CDs y cassettes. Fuimos muy afortunados en recibir el apoyo de este sello y poder conocer la gran escena alemana y europea.

Teniendo tan buen feedback en el extranjero, alguna vez se pusieron a preguntar “¿qué hubiera pasado si nos íbamos a otro lado”?

La verdad es que lo hemos hablado muchas veces. Todos coincidimos que se hubiéramos girado por primera vez a los 20 años, estaríamos viviendo en otro lado, probablemente Alemania.

¿Cómo nace esa relación con Alemania?

Fuimos invitados como teloneros de Die Toten Hosen en 2016. Siempre que vienen los acompañan varios centenares de alemanes, por lo que armamos un show a los pocos días en el Salón Pueyrredón y volvimos a tocar para ellos. Pegamos muy buena onda con muchos de ellos y así conocimos a la gente que más tarde nos llevaría allá. Como toda buena amistad empezó tomando cerveza y no por email o mensajes de texto.

Las giras en el extranjero suponen una alegría y un logro tremendo. Hay reencuentro con viejos amigos, se hacen nuevas amistades, hay mucha música nueva por conocer y mucha cerveza por probar. Al mismo tiempo, hay que tratar de cuidarse porque no tienen 19 años y hay que mantener un estado para la ruta. Luego de sus experiencias, ¿cómo manejan eso?

Tal cual lo describís. Nosotros decimos que rejuvenecemos en la ruta. Pero la verdad que es duro, porque todos los días hay que cargar y descargar la combi, comer cuando se puede, probar sonido, etcétera. Pero después tomamos unas birras, miramos alrededor y nos sentimos muy felices de poder vivir esas aventuras. La primera vez que fuimos, empezamos la gira demasiado exaltados y a la semana estábamos afónicos, mal dormidos, engripados. Ya aprendimos qué hay que regular, ¡hay que correr los 90 minutos!

¿Luego de tantos años tocando, cómo conforma la lista de cada recital? ¿Se logra un equilibrio entre lo que quieren ustedes y lo que espera el público?

¡Supongo que sí! La lista de temas tiene algunos nuevos, algunos que hace mucho que no tocamos y algunos clásicos. Depende también de donde estemos tocando y de cuan largo es el show. Pero es cierto que hay canciones que son difíciles de dejar afuera porque estamos muy identificados con ellas.

¿Qué onda la gira que se viene el mes que viene? ¿Por dónde van a andar?

La gira nos va a llevar, como las veces anteriores, a prácticamente dar la vuelta a Alemania. Los fines de semana tenemos festivales en las grandes ciudades y los días de semana vamos arrimando al próximo concierto tocando en el camino. Son aproximadamente 20 shows en 20 días. Vamos a tocar en un festival en una isla del Mar del Norte llamada Helgoland, en el festival del puerto de Hamburgo (en el escenario del querido Sankt Pauli FC), en Berlín (Punk & Dissorderly Festival) y un largo etcétera. Además, en el último show (Münster) vamos a grabar un disco en vivo por los 25 años de la banda.